Какие черты отличают итальянскую ренессансную живопись от живописи северного возрождения? Живопись: эпоха Возрождения. Творчество итальянских художников эпохи Возрождения Особенности культуры древнеегипетского рабовладельческого общества. Периодизация иск

Собственно эпоху Итальянского Возрождения условно подразделяют на ряд этапов:

Проторенессанс (дученто «двухсотые», т.е. 1200-е) – XIII век.

Ранний Ренессанс (триченто и кватроченто) - с середины XIV - XV вв.

Высокий Ренессанс (чинквеченто) - до второй трети XVI в.

Поздний Ренессанс - вторая треть XVI - первая половина XVII вв.

Проторенессанс. Уже в ранних произведениях Данте (1265 -1321) цикле сонетов, канцон и баллад, объединенных в произведение «Новая жизнь», неоконченном произведении «Пир» и других - поэт начинает опыты по использованию итальянского язы­ка , доказывая тем самым его жизнеспособность. Ве­личайшим шедевром поэта, обессмертившим его имя, стала «Божественная комедия», благодаря которой Дан­те вошел в историю культуры как создатель итальянс­кого литературного языка. Сюжет произведения, весьма традиционный для Средневековья, тем не менее наполнен новыми элементами, часто противоречащими церковным ка­нонам, ярко выражающими мнение и вкусы самого автора. Весьма сложна структура «Божественной комедии». Произведение состоит из трех частей: «Ад», «Чистилище» и «Рай». Характерно, что провожатым по Аду и Чистилищу Данте выбирает римского поэта Вергилия, называя его «Учителем». Каждая из трех частей поэмы содер­жит тридцать три песни. Содержание подчинено последовательной символи­ке чисел.

В «Божественной комедии» Данте упоминает своего великого современ­ника - архитектора, скульптора и художника Джотто. С именем Джотто ди Бондоне (1266/1267 - 1337) связан решительный поворот к реалистическому искусству . Наиболее известными произведениями Джотто, дошедшими до нашего времени, считаются росписи на евангельские сюжеты в капелле дель Арена в Падуе и росписи на темы из жизни Францис­ка Ассизского в церкви Санта Кроче во Флоренции. В этих шедеврах мастер отказывается от плоскостного характера иконописных изображений на осно­ве синтеза объема и плоскости. Одним из наиболее трогательных образов, созданных Джотто, по праву считается образ Христа в сцене «Поцелуй Иуды» (фрески капеллы дель Арена в Падуе, 1304-1306). Мастеру удалось передать высокий драматизм сцены через пристальный и многозначительный взгляд Христа, обращенный на предателя. При этом Джотто сумел передать спокой­ствие Христа в соединении с ясным осознанием предначертанной ему судь­бы. Тема фрески «Христос и Иуда» проходит лейтмотивом через весь падуанский цикл («Встреча Марии и Елизаветы», «Бегство в Египет», «Оплакивание Христа» и др.). Новаторство Джотто оказало колоссальное воздействие на изоб­разительное искусство эпохи Возрождения.

Ранний ренессанс. К периоду Раннего Ренессанса относится литературное творчество Франческо Петрарки и Джованни Боккаччо. Наряду со своим земляком Данте эти ве­личайшие поэты Италии считаются создателями итальянского литературного языка.

Петрарка (1304-1374) остался в истории Возрождения как первый гума­нист, поставивший в центре своего творчества не Бога, а человека. Всемир­ную известность получили сонеты Петрарки на жизнь и смерть мадонны Ла­уры, вошедшие в сборник «Книга песен». Петрарка известен и как страстный популяризатор наследия античных авторов, о чем свидетельствует его трактат «О великих мужьях древности».

Учеником и последователем Петрарки был Боккаччо (1313-1375) - автор известного сборника реалистических новелл «Декамерон». Глубоко гуманистическое начало произведения Боккаччо, насыщенного тонкими наблюдениями, великолепным знанием психологии, юмором и оптимизмом, остается весьма поучительным и сегодня. Достаточно отметить, что в наше время новеллы Боккаччо легли в основу сценических и экранных версии шедевра, созданного более шестисот лет назад. Последующая литература Итальянского Возрождения равнялась на великих флорентийцев: Данте, Петрарку и Боккаччо, хотя и не смогла превзойти их славы.

Выдающимся мастером Раннего Возрождения, продолжившим реалистическую традицию, идущую от Джотто, считается Мазаччо (1401-1428). Россписи художника (капелла Бранкачи во Флоренции) отличают энергичная светотеневая лепка, пластическая телесность, трехмерность фигур и их композиционная увязка с пейзажем. Искусство Мазаччо стало образцом для творчества последующих поколений художников.

Наследие выдающегося мастера кисти Раннего Возрождения Сандро Боттичелли (1445-1510), работавшего при дворе Медичи во Флоренции, отличают тонкий колорит и настроение грусти. Мастер не стремится следовать реалистической манере Джотто и Мазаччо, его изображения плоскостны и как бы бесплотны. Среди работ, созданных Боттичелли, наибольшую известность приобрела картина «Рождение Венеры», ярко характеризующая особенность его творчества.

Наиболее известный скульптор первой половины XV в. Донателло (ок. 1386-1466). Возрождая античные традиции, он первым представил в скульптуре обнаженное тело, создал классические формы и виды ренессансной скульптуры: новый тип круглой статуи и скульптурной группы, живописного рельефа. Его искусство отличает реалистическая манера.

Выдающийся архитектор и скульптор Раннего Возрождения Филиппа Брунеллески (1377-1446) - один из основоположников архитектуры Ренессанса. Ему удалось возродить основные элементы античной архитектуры, которым, впрочем, художник придал несколько иные пропорции. Это позволило мастеру ориентировать постройки на человека, а не подавлять его, на что, в частности, были рассчитаны сооружения средневекового зодчества. Брунеллески талантливо решал сложнейшие технические задачи (строительство купола Флорентийского собора), внес большой вклад в фундаментальную науку (теория линейной перспективы).

Высокий ренессанс. Период Высокого Ренессанса был сравнительно коротким. Он связан прежде всего с именами трех гениальных мастеров, титанов Возрождения - Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонарроти. А также творчество крупнейшего итальянского поэта Лудовико Ариосто (1474-1533), продолжившего литературные традиции Данте, Петрарки и Боккаччо. Наиболее известное его произведение - героическая рыцарская поэма «Неистовыи Роланд», проникнутая тонкой иронией и воплощающая идеи гуманизма.

Характерным фоном взлета Ренессанса был экономический и политический упадок Италии - закономерность, не раз повторявшаяся в истории. В творчестве представителей Высокого Возрождения достигли вершины реалистические и гуманистические основы культуры Ренессанса.

Леонардо да Винчи (1452-1519) едва ли имеет равных себе по степени одаренности и универсальности среди представителей Возрождения. Сложно назвать отрасль, в которой бы он не достиг непревзойденного мастерства. Леонардо одновременно был художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, механиком, астрономом, физиологом, ботаником, анатомом, обогатив эти и многие другие сферы знаний открытиями и гениальными догадками. В его художественном наследии особо выделяются такие дошедшие до нас шедевры, как «Тайная вечеря» - фреска в трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие в Милане, а также самый знаменитый портрет эпохи Возрождения «Джоконда» («Мона Лиза»).

Среди многочисленных новаций Леонардо следует назвать особую манеру письма, получившую название дымчатой светотени (сфумато, от итал. fumo - дым), которая в сочетании с линейной перспективой передавала глубину пространства.

В творчестве Леонардо наиболее полно выразился универсализм представителей Возрождения, где сложно обнаружить резкие грани между наукой, художественной фантазией и воплощением замыслов. Об этом свидетельствуют, и частности, дошедшие до нас зашифрованные Записные книжки и рукописи титана Возрождения, насчитывающие около 7 тысяч листов.

Младший современник Леонардо великий живописец Италии Рафаэль Санти (1483-1520) вошел в историю мировой культуры как создатель ряда живописных шедевров. Это ранняя работа мастера «Мадонна Конестабиле», проникнутая изяществом и мягким лиризмом. Зрелые работы живописца выделяются совершенством композиционных решений, колоритом и экспрессией. Это росписи парадных залов Ватиканского дворца и, конечно, величайшее творение Рафаэля - «Сикстинская мадонна». Мастер получил также известность благодаря своим архитектурным проектам дворцов, вилл, церкви и небольшой часовни в Ватикане. Папа Лев Х назначил художника руководителем строительства купола Собора св. Петра.

Последним титаном Высокого Возрождения был Микеланджело Буонарроти (1475-1564) - великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Несмотря на его разносторонние таланты, его называют прежде всего первым рисовальщиком Италии благодаря самой значительной работе уже зрелого художника - росписи свода Сикстинской капеллы в Ватиканском дворце (1508- 1512). Общая площадь фрески 600 кв. метров. Многофигурная композиция фрески представляет иллюстрацию библейских сюжетов от сотворения мира. Особенно выделяется из живописных работ мастера фреска алтарной стены Сикстинской капеллы «Страшный суд», написанная спустя четверть века после росписи потолка Сикстинской капеллы. В этой фреске воплотились лучшие гуманистические идеалы Возрождения. Смелость художника в изображении обнаженных тел вызвала негодование части клира", что свидетельствовало о начале наступления реакции на основы идеологии Возрождения.

Как скульптор Микеланджело стал известен благодаря своему раннему произведению «Давид». Но подлинное признание как архитектор и скульптор Микеланджело обрел в качестве проектировщика и руководителя строительства основной части здания Собора св. Петра в Риме, остающегося и до настоящего времени самым крупным католическим храмом в мире, а также за скульптурное оформление лестницы и площади Капитолийского холма. Не меньшую известность принесли ему архитектурные и скульптурные работы во Флоренции, в частности, скульптурная композиция в капелле Медичи. Четыре обнаженные фигуры на саркофагах властителей Флоренции «Вечер», «Ночь», «Утро» «День» весьма ярко иллюстрируют осознание мастером ограниченности человеческих возможностей, отчаяние перед быстротекущим временем.

На период Высокого и Позднего Возрождения пришелся расцвет искусства в Венеции . Во второй половине XVI в Венеция, сохранившая республиканское устройство, становится своеобразным оазисом и центром Ренессанса. Среди художников венецианской школы рано умерший Джорджоне (1476-1510), обессмертивший свое имя полотнами «Юдифь», «Спящая Венера», «Сельский концерт». В творчестве Джорджоне проявились особенности венецианской школы, в частности, художник первым начал придавать пейзажу самостоятельное значение, в качестве приоритетных решать задачи колорита и света.

Величайший представитель венецианской школы - Тициан Вечеллио (1477 или 1487 -1576). При жизни он получил признание в Европе. Ряд значительных работ был выполнен Тицианом по заказу европейских монархов и папы римского. Работы Тициана привлекают новизной решения прежде всего колористических и композиционных задач. Впервые на его полотнах появляется изображение толпы как части композиции. Наиболее известные работы Тициана: «Кающаяся Магдалина. «Любовь земная и небесная», «Венера», «Даная», «Святой Себастьян» и др. Галерея выполненных им портретов современников была предметом глубокого изучения и подражания для последующих поколений европейских живописцев.

Поздний ренессанс. Период Позднего Возрождения был отмечен наступлением католической реакции. Церковь небезуспешно пыталась восстановить частично утраченную безраздельную власть над умами, поощряя деятелей культуры, с одной стороны, и используя репрессивные меры в отношении непокорных - с другой. Так, многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру, технику (так называемый «маньеризм») великих мастеров Возрождения. Среди наиболее крупных основоположников маньеризма Якопо Понтормо (1494-1557) и Анджело Бронзино (1503-1572), работавшие в основном в жанре портрета.

Однако маньеризм, несмотря на мощное покровительство церкви, не стал ведущим направлением в период Позднего Возрождения. Это время было отмечено реалистическим, гуманистическим творчеством живописцев, относящихся к венецианской школе: Паоло Веронезе (1528 - 1588), Якопо Тинторетто (1518 - 1594). Микеланджело да Караваджо (1573-1610) и др.

Караваджо является основоположником реалистического направления в европейской живописи XVII в. Полотна мастера отличаются простотой композиции, эмоциональным напряжением, выраженным через контрасты света и тени, демократизмом. Караваджо первым противопоставил подражательному направлению в живописи (маньеризму) реалистические сюжеты народного быта - караваджизм.

Последним из наиболее крупных скульпторов и ювелиров Италии был Бенвенуто Челлини (1500-1571), в творчестве которого отчетливо проявились реалистические каноны Возрождения (например, бронзовая статуя «Персей»). Челлини остался в истории культуры не только как ювелир, давший свое имя целому периоду в развитии прикладного искусства, но и как незаурядный мемуарист, талантливо воссоздавший портреты своих современников в книге «Жизнь Бенвенуто Челлини», не раз издававшейся и на русском языке.

Отличие от итальянского Возрождения

Духовное пробуждение Европы, которое началось в к. XII века, было следствием подъема средневековой городской культуры и выразилось в новых формах деятельности - интеллектуальной и культурной. В частности - расцвет схоластической науки, пробуждение интереса к античности, проявление самосознания личности в религиозной и светской сфере, в искусстве - готический стиль.

Этот процесс духовного пробуждения шел двумя путями (из-за социально-экономических, национальных и культурных особенностей):

развитие элементов светского гуманистического мировоззрения

развитие идей религиозного «обновления»

Оба эти течения нередко соприкасались и сливались, но по сути все же выступали как антагонисты. По первому пути пошла Италия (см. Ренессанс, с его антикизирующими и реалистическими тенденциями), по второму - Северная Европа, пока еще - с формами зрелой готики, с её общим спиритуалистическим настроем и натурализмом деталей .

Основные отличия: большее влияние готического искусства, меньшее внимание к изучению анатомии и античного наследия, тщательная и детализированная техника письма. Кроме того, важной идеологической составляющей явилась Реформация.

Северное Возрождение.

До конца XV в. Ренессанс был явлением только итальянской культуры. Но на рубеже XV-XVI вв. возрожденческая культура преодолела национальные границы Италии и быстро распространилась по странам Западной Европы к северу от Альп - в Нидерландах, Германии и Франции. Каждая страна имела свои особенности в становлении культуры Возрождения, но наиболее самобытный характер Северного Ренессанса проявился в художественной культуре Нидерландов и Германии. Главными центрами искусства были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле, Амстердам.

Использование термина «Возрождение» по отношению к культуре этих стран довольно условно, так как ее формирование опиралось не на возрожденное античное наследие, а на идеи религиозного обновления. Тем не менее сущность происходивших процессов и в Италии, и в этих странах была общей - расшатывание феодального мировоззрения, становление буржуазного гуманизма, рост самосознания личности.

Развитие Северного Ренессанса на целое столетие запоздало по отношению к итальянскому и происходило на совершенно другой основе. Так, в Италии основой гуманизма служили учения античных философов-язычников, а в северных странах он основывался на воскрешении демократической религии ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. Если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему. Поэтому в художественной культуре Северного Возрождения сохранилось значительно больше черт средневекового мировоззрения, религиозного чувства, символики, она более условна по форме, более архаична и меньше знакома с античностью.

Философской основой Северного Возрождения был пантеизм (обожествление вселенной, природы). Не отрицая прямо существование Бога, это учение растворяет его в природе, наделяя ее божественными атрибутами, такими, как вечность, бесконечность, безграничность. Пантеисты считали, что в каждой частице мира есть частица Бога, и делали вывод, что любое проявление природы достойно изображения. Такие представления привели к появлению в художественной культуре Северного Возрождения пейзажа как самостоятельного жанра.

В Германии в последней трети XV в. возник и получил развитие в искусстве Северного Ренессанса портрет. Немецкий портрет отличался от портретной живописи итальянского Возрождения. Если итальянские художники в своем преклонении перед человеком создавали идеал красоты, то немецкие мастера были безразличны к красоте, для них главным было передать характер, добиться эмоциональной выразительности образа. В итальянском Возрождении на первом плане была эстетическая сторона, в Северном - этическая.

В искусстве Северного Ренессанса сформировался и получил развитие (прежде всего в Нидерландах) такой жанр, как бытовая картина. Нидерландских художников отличала необычайная виртуозность письма: любая мельчайшая подробность изображалась с большой тщательностью. Это делало картины очень увлекательными для зрителя: чем больше разглядываешь, тем больше находишь интересных деталей.

Главное различие между итальянским и Северным Возрождением заключается в том, что первому присуще стремление к восстановлению античной культуры, к раскрепощению, освобождению от церковных догм, светской образованности, тогда как в

Северном Возрождении главное место занимали вопросы религиозного совершенствования, обновления католической церкви и ее учения. Северный гуманизм привел к реформации и протестантизму.

Возрождение в Нидерландах

Нидерландами в XV в. называли земли у берегов Северного моря, где теперь расположены Голландия и Бельгия. Богатые области, объединенные под властью бургундских герцогов, первенствовали среди европейских стран в экономическом и культурном отношении. Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к конкретной повседневной деятельности. Обыденные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости: мое дело, моя семья, мой дом, мое имущество, моя капелла, мой святой покровитель. Во всех слоях общества чрезвычайно усилилось стремление к украшению и опоэтизированию повседневности. Нидерландские художники буквально обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали мельчайшие детали быта и во всем этом видели прекрасное. Становление нового искусства началось в первой трети XV в.Живописцу Яну ваи Эику безоговорочно принадлежит первенство в нидерландском ренессансе. Главное творение ван Эйка- грандиозный Гентский алтарь - полиптих (т.е. сложенный много раз) для одной из капелл в Генте, в котором выражено новое мировоззрение, новое представление о человеке и вселенной. Образ вселенной создают 12 изображений на наружных створках полиптиха (в закрытом виде) и 14 на внутренних (в раскрытом виде) - небесные сферы, населенные небожителями, и земля с се далями, лесами, долинами и горами.

Ван Эйку традиционно приписывают изобретение техники масляной живописи. Это не совсем точно, поскольку способ применения растительных масел как связующего вещества для краски был известен и раньше. Но художник усовершенствовал этот способ и впервые применил масляную живопись при создании алтарных картин. Из Нидерландов эта техника постепенно распространилась в Италию и другие страны, вытеснив темперу.

В XV в. впервые в европейском искусстве бытовой жанр становится самостоятельным направлением в живописи. У нидерландских художников не было стремления к идеализации, героизации, возвеличиванию человека и его деяний. Напротив, их отличали пристальный взгляд на мир и его правдивое, непосредственное изображение, уважение к будничной жизни и любовь к миру вещей. Все это привело к появлению картин на бытовые темы. Особое место в формировании и утверждении этого жанра принадлежит Босху и Брейгелю.

Творчество Хиеронимуса Босха современным зрителем воспринимается как очень сложное и загадочное, поскольку он постоянно прибегал к иносказаниям. Вероятно, современникам аллегорический смысл его образов был понятен, ибо его произведения пользовались большой популярностью. Сюжеты ею картин демонстрировали отрицательные явления жизни. В своем творчестве Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий зло и пороки погрязшего в грехах мира. В его картинах дьявол принимает разнообразные причудливые обличья, зло проникает повсюду, а человек предстает как раб греховности, как безвольное, бессильное и ничтожное существо.

Свои картины на темы ада, рая, Страшного Суда, искушения святых художник населил легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части разных животных, растений, предметов, а иногда человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими беспомощными фигурками людей, птицами, рыбами, зверями, порождая ощущение низменного, суетного, лишенного разумной основы существования. Ни один из последующих мастеров живописи не создал столь фантастических, граничащих с безумием образов.

Сложные процессы общественной жизни середины XVI в. в Нидерландах оказали влияние на развитие живописи. Страна находилась под властью Габсбургов, которые ее беззастенчиво грабили. Когда правителем стал герцог Альба, в стране установился режим кровавого террора. Испанская инквизиция проводила массовые аресты, повсюду горели костры и воздвигались виселицы. Это неизбежно порождало мысль о ничтожности отдельного человека и его деятельности. В результате оказались окончательно изжитыми принципы искусства XV в. Творчество нидерландских художников все больше ориентировалось на изображение жизни народа. Наиболее выразительными в этом плане стали работы последнего художника нидерландского Возрождения Питера Брейгеля Старшего.

Творчество Брейгеля характеризуют жизненный уклад и обычаи страны середины XVI в. Для мировосприятия Брейгеля были характерны представление об извечно существующем в мире противостоянии добра и зла, умение видеть глубоко заложенный высший смысл в любых проявлениях жизни. В его картинах отражается активная деятельность людей, не имеющая никакого смысла. Картины объединяет мысль о безумии человеческого существования в условиях «перевернутого мира». Композиционно это множество мелких суетящихся фигурок, которые снуют между домами, выходят из дверей, выглядывают из окон и т.д. Они не составляют единого целого, их облик - это облик людей, живущих по законам «перевернутого мира». На них печать глупости, дурашливого веселья, бессмысленного внимания. Их веселые и бестолковые забавы - своего рода символ абсурдной деятельности всего человечества. В мировой живописи пейзажи Брейгеля занимают особое место, ибо нет других таких изображений природы, где космический аспект мироощущения был бы гак органично слит с житейской повседневностью. Поэтому не случайно Брейгель считается основателем пейзажного жанра в нидерландской живописи.

Возрождение в Германии

Становление культуры Возрождения в Германии происходило значительно позже, чем в Италии и Нидерландах. Это объясняется особенностями ее исторического развития. Еще в начале XV в. Германия была типичной средневековой страной, раздробленной на множество мелких княжеств. Средоточием и центром культурной жизни были города, которые представляли собой оазисы в феодальной стране, вся культура которой была под контролем церкви и сохраняла средневековый характер.

В Германии идеи гуманизма становятся известны к середине XV в. благодаря торговым связям с итальянскими городами. Распространение этих идей вызвало борьбу против феодального строя и католической церкви, общий культурный подъем, обновление литературы и искусства. В этом процессе главным для немецких художников было не само по себе овладение новыми формами изображения, а стремление с их помощью придать религиозному содержанию новую силу и близость к жизни, выразить мысли и чувства, тревожившие людей в это время.

Альбрехт Дюрер был основоположником немецкого Возрождения и единственной универсальной фигурой, подобной итальянским титанам Ренессанса. Великий гравер, живописец и рисовальщик в своем творчестве сумел оченьтонко пере дать дух эпохи с ее настроениями хилиазма (вера в тысячелетнее правление Иисуса Христа и праведников), предчувствием конца света, но вместе с тем и появлением нового гуманистического мышления. При этом Дюрер в своем творчестве с наибольшей полнотой выразил особенности именно немецкого Возрождения, отличного от искусства не только Италии, но и Нидерландов: в его творчестве рациональное и классическое неотделимо от готической экспрессивности и одухотворенности, тяга к знаниям соединяется с глубокой, страстной религиозностью.

На художественное сознание Дюрера оказало большое влияние его путешествие по Италии, поэтому его манера письма близка к итальянской. Его художественное видение мира отличается стремлением как можно более объективно отразить действительность, добиться от живописи и рисунка полной достоверности. По разнообразию сюжетов, широте восприятия действительности Дюрер является типичным представителем Высокого Возрождения. В изобразительном языке мастера нет дробности, красочной пестроты, линеарной жесткости. Его портреты цельны по композиции, пластичны по форме. Высокая одухотворенность отличает каждое лицо. Это становится возможным при сочетании идеального образа с конкретно-индивидуальным прототипом.

Выбор тематики и особенности стиля Дюрера, как и всех немецких художников, обусловлены его глубокой религиозностью. Накаленная религиозными распрями атмосфера, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежда на Божью справедливость воплотились в величайшем творении Дюрера «Апокалипсис». Вершиной творчества мастера стали три знаменитые гравюры: «Всадник, смерть и дьявол», «Святой Иероним», «Меланхолия», в которых ярче всего выражены стой кость духа людей того времени, их готовность отвергнуть любые искусы, их горестные размышления о конечном результате борьбы. В этих работах сосуществуют рационализм и мистика, вера в мощь человеческого гения и осознание его ограниченности. Не связанные сюжетно, эти произведения составили единую образную цепь, в основу которой положена вера.

Среди огромного творческого наследия Дюрера особое внимание привлекают многочисленные автопортреты, что было необычно для искусства Возрождения. Особенно интересен и примечателен автопортрет 1500 г.; здесь Дюрер пишет л и по по закону идеальных пропорций и совмещает в нем облик Христа и свой. В этом можно видеть характерное для того времени стремление человека к единению с Богом и в то же время - высокое понимание миссии художника.

Творчество Лукаса Кранаха Старшего является неотъемлемой частью культуры Северного Возрождения. Круг его сюжетов очень широк: распятия, множество триптихов на евангельские темы, Мадонна с младенцем, античные сюжеты, портреты. На искусство Кранаха определенный отпечаток наложили вкусы саксонского двора, с которым художник был связан почти всю жизнь. В его живописи особенно отчетливы готические мотивы. Множество деталей, некоторая манерность нейтрализовались удивительной красотой колорита. Его мадонны и другие библейские героини - явные горожанки, современницы художника. Они излишне хрупки, но на них роскошные модные платья, прекрасные прически. Тем не менее его лучшие работы, написанные в начале XVI в., остаются образцом возрожденческой художественной культуры. Среди них - знаменитое «Распятие».

Ганс Гольбейн Младший был величайшим портретистом в немецкой живописи XVI в. Ему принадлежат портреты Эразма Роттердамского, Томаса Мора, Джейн Сеймур, трактующие образ современников как людей, полных достоинства, мудрости, сдержанной духовной силы. Гольбейн работал также как иллюстратор, создав очень разные, но яркие и выразительные иллюстрации к Библии и «Похвале Глупости» Эразма Роттердамского. Им был создан также цикл гравюр «Пляска смерти», перекликавшийся с творчеством Дюрера.

Век немецкого Возрождения был недолог. Начавшаяся Тридцатилетняя война (1618-1648) надолго задержала развитие немецкой культуры. Но в истории культуры эта эпоха осталась как целостное явление, давшая миру плеяду мастеров слова и живописи. Благодаря этой эпохе народы северных стран были вовлечены в общеевропейский культурный процесс.

Революционное значение Ренессанса для всех последующих времен в том, что именно в этот период были заложены основные гуманистические взгляды, развитие которых актуально и в наши дни. Возрождение открыло эру нового человека в истории мировой культуры, что отразилось в мировоззрении, убеждениях, во всех областях деятельности человека.

Возрожде́ние , или Ренесса́нс (фр. Renaissance , итал. Rinascimento ; от «re/ri» - «снова» или «заново» и «nasci» - «рождённый» ) - имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению. Приходится - в Италии - на начало XIV (повсеместно в Европе - с 15-16 вв.) - последнюю четверть XVI веков и в некоторых случаях - первые десятилетия XVII века. Отличительная черта эпохи Возрождения - светский характер культуры, её гуманизм иантропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» - так и появился термин.

Термин Возрождение встречается уже у итальянских гуманистов, например, у Джорджо Вазари. В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета .

Общая характеристика

Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.

Особое значение в становлении Возрождения имело падение Византийского государства и бежавшие в Европу византийцы, взявшие с собой свои библиотеки и произведения искусства, содержавшие множество античных источников, неизвестных средневековой Европе, а также являвшиеся носителями античной культуры, в Византии никогда не забывавшейся. Так, под впечатлением от выступления византийского лектора, Козимо Медичи основал Академию Платона во Флоренции.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма - общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках (в деятельности семейства Пизано, Джотто, Орканья и др.), но оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.

Периоды эпохи Возрождения

Возрождение делят на 4 этапа:

Проторенессанс (2-я половина XIII века - XIV век)

Раннее Возрождение (начало XV - конец XV века)

Высокое Возрождение (конец XV - первые 20 лет XVI века)

Позднее Возрождение (середина XVI - 90-е годы XVI века)

Проторенессанс

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, с романскими, готическими, византийскими традициями, этот период явился подготовкой Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. В конце XIII века воФлоренции возводится главное храмовое сооружение - собор Санта Мария дель Фьоре, автором был Арнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора.

Беноццо Гоццоли изобразил поклонение волхвов как торжественную процессию придворных Медичи

Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции (Чимабуэ, Джотто) и Сиены (Дуччо, Симоне Мартини). Центральной фигурой живописи сталДжотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится приблизительно до середины следующего века.

Высокое Возрождение

Сюда перенаправляется запрос «Высокое Возрождение». На эту тему нужна отдельная статья

Пьета (Микеланджело) (1499): в традиционном религиозном сюжете на первый план вынесены простые человеческие чувства - материнская любовь и скорбь

Третий период Возрождения - время самого пышного развития его стиля - принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II - человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они с большой находчивостью и живостью фантазии свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это - Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело Буонарроти (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).

Позднее Возрождение

Кризис Возрождения: венецианецТинторетто в 1594 г. изобразил тайную вечерю как подпольную сходку в тревожных сумеречных отсветах

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет, что «Возрождение как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация, которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий - маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х гг. там работали Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Северное Возрождение Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.

Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть«Северное Возрождение».

«Любовное борение во сне Полифила» (1499) - одно из высших достижений ренессансного книгопечатания

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

Выдающиеся представители - Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший. Предренессансным духом проникнуты и некоторые произведения мастеров поздней готики, таких, как Ян ван Эйк и Ганс Мемлинг.

В духовной культуре эпохи Возрождения искусство стало главным видом творческой деятельности. Оно было для людей Возрождения тем, чем в средние века была религия. Недаром отстаивалась мысль. Что идеальный человек должен быть художником. Почти не было людей, равнодушных к искусству. Художественное произведение наиболее полно выражало и идеал гармонически организованного мира, и место человека в нем. Этой задаче в различной степени подчинены все виды искусства.

Любая творческая деятельность вызывает уважение в исследуемый исторический период, но именно искусство, – живопись и скульптура – становятся предметом почти священного поклонения. И это, безуслов­но, следствие превознесения отдельной человеческой личности (антропоцентризма), являющегося ядром мировоззрения Ренессанса. Исходная аксиома творчества - утверждение красоты реального мира как одного из существеннейших его объективных свойств. Красота опреде­лялась как «единство в многообразии», или «гармоничность», или «соразмерность», или «пропорциональность», то есть воспроизводилась античная эстетическая традиция. Источником же земной красоты являлся Бог как первый и величайший художник.

Понимание природы и человека как основных объектов прекрасного определяло главную цель искусства как постижение, утверждение и умножение этой красоты. Тезис «искусство есть подражание при­роде» отзывался общепринятым в культуре Ренессанса.

Постижение человеком мира, наполненного божественной красотой, становится одной из мировоззренческих задач возрожденцев. Мир влечет человека, поскольку он одухотворен Богом. А что может лучше помочь ему в познании мира, чем его собственные чувства. Человеческий глаз в этом смысле, по мнению возрожденцев, не знает равных. Поэтому в эпоху итальянского Возрождения наблюдается пристальный интерес к визуальному восприятию, расцветает живопись и другие пространственные искусства. Именно они, обладающие пространственными закономерностями, позволяют более точно и верно увидеть и запечатлеть божественную красоту. Поэтому особое внимание уделяется законам искусства, именно художники ближе других стоят в решении мировоззренческих задач. В плане познания мира у художника все преимущества. Эпоха итальянского Возрождения носит отчетливо художественный характер. П. Муратов, знаток итальянского Возрождения, писал об этом так: «Никогда человечество не было так беззаботно по отношению к причине вещей и никогда оно не было так чутко к их явлениям. Мир дан человеку, и так как это малый мир, то в нем драгоценно все, каждое движение нашего тела, каждый завиток виноградного листа, каждая жемчужина в уборе женщины. Для глаза…художника не было ничего малого и незначительного в зрелище жизни. Все составляло для него предмет познания».

Другими словами, жажда познания, которая так отличала личность эпохи Возрождения, раньше всего вылилась в форму художественного познания. Но, стремясь наиболее полно отразить все природные формы, художник обращается к научному знанию. Тесная связь науки и искусства – характерная черта ренессансной культуры. Занимаясь художественным творчеством, художники выходили через перспективу – в область оптики и физики, через проблемы пропорции – в анатомию и математику и т. д. Это приводило мастеров Ренессанса к отождествлению науки и искусства. Отсюда – поиск числовых отношений в пропорциях прекрасного человеческого тела, с редким упорством проводившейся Дюрером, делившим тело человека на своих чертежах на 1300 частей. Отсюда – утверждение Леонардо да Винчи, что «перспектива – поводья и кормило» живописи. Вырабатывается новая система художественного видения мира, основанная на доверии к чувственным восприятиям, прежде всего зрительным. Изображать так, как мы видим, – вот исходный принцип художников Ренессанса. А мы видим вещи не изолированно, а в единстве со средой, где они находятся. Среда пространственна; предметы, располагаясь в пространстве, видятся в сокращениях.

Соединение ученого и художника в одном лице, в одной творческой личности было возможно в эпоху Ренессанса и станет невозможным позднее. Мастеров Возрождения часто называют «титанами», имея в виду их универсальность. «Это была эпоха, которая нуждалась в титанах и породила их по силе мысли, страсти и характеру, по многосторонности и учености», - писал Ф. Энгельс.

Но хотя природа рассматривалась как истинно прекрасный образец для художника, последний не должен довольствоваться изображением конкретных единичных предметов, ибо не водном из них красота не запечатлена полностью и абсолютно. Художник должен был рассматривать и сопоставлять множество конкретных предметов, отбирать в каждом более красивые элементы и сочетать его в создаваемом им произведении которое оказывалось и подражанием природе, и созданием абсолютной красоты. Художник уподоблялся Богу – Творцу, идеализируя искусством действительность создавая особый мир абсолютной красоты.

В живописи проторенессанса, подготовительного этапа Возрождения, искусство обращается к реалистической убедительности и телесной осязаемости изображений. Это качество сочеталось с другим свойством – сохранением и переосмыслением готической традиции. Чувственно-материальную тенденцию представляет искусство Джотто ди Бондоне (1266/67-1337). С его именем связан переворот в итальянской живописи, основанный на разрыве со средневековой традицией, нарастании реалистических моментов, наполнении религиозных форм светским содержанием, переходом от плоскостных изображений к объемным и рельефным. В своих работах «Оплакивание Христа», «Возвращение Иосифа к пастухам» он передает трехмерное пространство, построенное в линейной перспективе.

Спиритуалистическая тенденция отражена в творчестве Симоне Мартини (ок.1284-1344). В его фресках «Маэста», «Благовещение» развивалась утонченно-поэтическая трактовка образов, отмеченная эстетическим изыском и повышенной эмоциональностью.

В произведениях раннего Возрождения человек еще слит с событиями священной истории, но его облик и внутреннее состояние уже исполнены просветленности. Особенностью этого периода стало постижение равновесия мира и человека. При этом мир ясен, прозрачен и открыт герою, который с достоинством занимает место в мироздании в согласии со всеми его явлениями. Живопись производит скульптурное впечатление. Проблемы колорита отступают на второй план. Художники XV в. открывают законы перспективы и строят сложные многофигурные композиции. Ведущим центром культуры в это время была Флоренция. Изменилась социальная жизнь живописцев, они воспринимается как выдающиеся общественные деятели.

В живописи кватроченто совершается поворот к светскому толкованию изображаемых сюжетов. Высокого подъема достигло искусство фрески. Картина представляла замкнутую композицию, заключенную в раму, пронизана чувством открытия мира. Благодаря перспективе строения и пропорции, тела приобретали новую значимость.

Особое место в культуре этого периода занимает творчество Сандро Боттичелли (1445-1510), которое соотносится с созерцательной традицией. Стиль Боттичелли отличается утонченностью и аристократизмом. Среди аллегорических произведений наиболее известны «Рождение Венеры», «Весна», «Покинутая».

Мазаччо (Томазо ди Джованни ди Симоне Гвиди) (1401-1428) отражает в своих религиозных по тематике картинах («Чудо с сатиром», «Троица», «Изгнание из рая») представление о совершенной человеческой личности. В творчестве заметны античные мотивы, присутствуют портретные изображения заказчиков, что является одним из первых примеров достоверных портретов в живописном произведении на религиозную тему.

В высоком Ренессансе геометризм углубляется, но к нему прибавляются одухотворенность, психологизм, стремление передать внутренний мир человека, его чувства, настроения, характер, темперамент. Разрабатывается воздушная перспектива, материальность форм достигается не только объемностью и пластикой, но и светотенью.

В этот период выделились и обозначили свои позиции две художественные школы – Флорентийская и Венецианская. Флорентийскую школу определяли программность. художественного мышления, теоретические основания предпринимаемым творческим попыткам. Отличительная черта Венецианской школы – эмоциональность. Ее чувственному мироощущению был чужд флорентийский рационализм.

«Титаном» высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452-1519) – живописец, скульптор, ученый, инженер-изобретатель, математик и механик. Считал живопись универсальным языком, ибо ей доступны все проявления разумного начала, царящего в природе. Реалистичное воспроизведение красоты чувственных земных предметов достигалось посредством отказа от жестких, резких линий в живописи, их замены светотенью. Знаменитая «дымчатая светотень» Леонардо - это нежный полусвет с мягкой гаммой тонов молочно-серебристых, голубоватых, иногда с зеленоватыми переливами, в которых линия сама становится как бы воздушной. Светотень и «пропадающее очертание» - удивительные открытия художников Возрождения, которые использовались для воссоздания в живописи телесности, объемности предметов. Высшими достижениями Леонардо считаются фреска «Тайная вечеря» и живописный портрет флорентийки «Джоконда». Оптические исследования позволили ему заложить основы воздушной перспективы. Свои размышления об искусстве изложил в трактате «Книга о живописи».

Рафаэль Санти (1483-1520) обладал даром художественного синтеза. Особое место в наследии мастера занимает алтарное полотно «Сикстинская Мадонна». Работал в Ватиканском дворце – «Афинская школа». Творчеству присуща монументальность, но есть и графические работы, наброски. В Риме достиг расцвета талант Рафаэля-портретиста. Известные работы –«Дама в покрывале», портрет Папы Юлия II. Искусство Рафаэля долгое время сохраняло значение недосягаемого образца.

Для Микеланджело Буонароти (1475-1564) весь мир заключается в человеке и исчерпывается им. Каждый его персонаж – это воплощение человеческого бытия, понятого как подвиг. Внутренняя конфликтность человеческого существования преодолевается в его образах мощным волевым усилием, что создает в произведениях Микеланджело предельное духовное напряжение. Таков нравственный пафос «Давида», титаническая воля и могучий темперамент «Моисея», предельная концентрация сил «Восставшего раба», мощь и экспрессия росписи Сикстинской капеллы.

Понятие «поздний Ренессанс» обычно применяют к венецианскому Возрождению. На первый план выходят проблемы колорита, материальность изображения достигается градациями цвета. Переработав готику и восточные традиции, Венеция выработала стиль, для которого характерны красочность, романтическая живопись.

Крупнейшим мастером позднего Возрождения был Тициан (1476/77-1576), суть работ которого составляет психологическая глубина человека. Мифологические композиции Тициана заключали в себе ясную нравственную идею и воспринимались как аллегорическое воплощение современности, и как образ красоты человеческих чувств и отношений. Это работы «Даная», «Венера перед зеркалом».

Веронезе (1528-1588) избирает темой для творчества величие и победы Венецианской республики. Жизнерадостность, декоративность присуща работам «Триумф Мардохея», «Юнона, раздающая дары Венеции». Бытовые мотивы не являются определяющими в творчестве, они лишь вносят достоверность. Композиции сложны, многофигурны. В работе «Брак в Канне» евангельская тема решена в духе праздничной светской картины, персонажи одеты в современные костюмы.

Кризис ренессансной художественной культуры остро проявился во второй четверти XVIв. Идеальный утопический антропоморфизм Ренессанса более не соответствовал действительности, что и вызывало сложные кризисные процессы в культуре эпохи. Эстетические нормы и гуманистические установки переосмысливались. Утрачена прежняя уверенность в разумности мира, в особом предназначении человека. Он ощущает себя не связью всех элементов мира, а местом их столкновения. Смятение, неуверенность, сомнение определяют теперь душевное состояние людей. Все это побуждает к отказу от идеалов Ренессанса. Основной темой культуры становится взаимосвязь человека и среды, а главным персонажем – толпа, масса людей.

Кризис культуры выражался в противопоставлении идеалам субъективной воли художника, представлении об эфемерности мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил. Таким направлением стал маньеризм. В произведениях маньеризма разрушаются внутрисюжетные психологические связи, логика рассказа, нарастает напряжение. Беспокойное, тревожное чувство, мистическая экзальтация, вычурность и манерность вытесняют простоту стиля.

В творчестве Понтормо (1494-1557) наблюдаются поиски нового стиля. Мистическая экспрессия работ идет вразрез с канонами ренессансного искусства – «Портрет юноши», «Встреча Марии и Елизаветы». Вершиной трагизма творчества является работа «Положение во гроб», язык которой стилизован, обладает условностью, ирреальностью сцены.

Пармиджанино (1503-1540) завершает своим творчеством первый этап маньеризма. Уже в ранний период мастер отходит от ренессансных традиций, заменяя интерес к человеку преследованием чисто формальных задач, стремлением к передаче с иллюзорной точностью интересного оптического эффекта. Венцом творчества является работа «Мадонна с длинной шеей», исполненная нереальности, бестелесности, утонченной красоты. В портретах присутствует психологическая зоркость – «Автопортрет».

Наиболее полно эстетико-художественный идеал Возрождения выразили архитектура и скульптура. Ярким примером этому могут служить работы известного архитектора Филиппо Брунеллески (1377-1446). Он был и скульптором, и ученым, одним из авторов научной теории перспективы, создателем грандиозного для того времени купола над хором Флорентийского собора, который стал первым крупным памятником архитектуры и инженерной мысли Ренессанса и определил характерный силуэт Флоренции.

Леон Батиста Альберти (1404-1472) – ученый, архитектор, писатель, музыкант, один из наиболее одаренных людей своего времени, приобрел широкую известность теоретическими работами. Его трактат «Десять книг о зодчестве» был, чуть ли не единственным трудом об архитектуре. Используя разные античные источники, Альберти создал новую теорию архитектуры, основанную на понимании практических задач своего времени.

В архитектуре XV в. переосмысливалась античная ордерная система. Все известные итальянские зодчие искали соответствия логичности и ясности греческой конструкции с роскошью и изяществом целостного решения светской постройки. В городах возводились дворцы (палаццо) с мощными монументальными фасадами и легкими аркадами во дворах, виллы с прекрасными садами, портиками лоджиями. Строились базилики и центрические церкви, демонстрирующие разнообразие возможностей ново стиля.

Направление скульптуры было представлено таким мастером, как Донателло (Донато ди Никколо ди Бетто Барди) (1386-1466), в творчестве которого нашли свое отражение все важнейшие вехи эволюции и вершинные достижения эпохи, и кризисные повороты ее истории. В работах проявлял интерес к духовному и физическому бытию реального человека, уделял внимание античному наследию. Отходит в творчестве от готической пластики. Ему принадлежит сооружение и скульптурный декор гробницы Папы Иоанна XXIII. «Давид» – первое изображение обнаженной натуры в стиле Ренессанса. Поздние произведения отмечены чертами душевного надлома, возвращается к тематике страсти и страдания, религиозного аскетизма – «Юдифь и Олоферн».

Прогрессивное гуманистическое содержание культуры Возрождения получило яркое выражение в театральном искусстве, испытавшем значительное воздействие античной драматургии. Его характеризует интерес к внутреннему миру человека, наделенного чертами мощной индивидуальности. Отличительными особенностями театрального искусства эпохи Возрождения явилось развитие традиций народного искусства, жизнеутверждающий пафос, смелое сочетание трагического и комического, поэтического и буффонно-площадного элементов. Таков театр Италии, Испании, Англии. Высшим достижением итальянского театра стала импровизационная комедия дель арте (XVI в.).

В эпоху Возрождения профессиональная музыка теряет характер чисто церковного искусства и испытывает влияние народной музыки, проникаясь новым гуманистическим мироощущением. Появляются различные жанры светского музыкального искусства – фронттала и вилланелла. Мадригал, возникший в Италии, получил повсеместное распространение. Светские гуманистические устремления проникают и в культовую музыку. Складываются новые жанры инструментальной музыки, выдвигаются национальные школы исполнения. Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров – сольных песен, ораторий, оперы.

Основные этапы и жанры литературы эпохи Возрождения связаны с эволюцией гуманистических концепций в периоды раннего, высокого и позднего Возрождения. Для литературы характерна новелла, особенно комическая, с антифеодальной направленностью, прославляющая предприимчивую и свободную от предрассудков личность.

Среди представителей культуры эпохи Возрождения есть личности, наиболее полно выразившие черты того или иного ее периода. Крупнейший представитель периода проторенессанса – Данте Алигьери (1265-1321). Его перу принадлежит оригинальная лирическая автобиография «Новая жизнь», философский трактат «Пир». Более известен как автор «Илиады средних веков» – «Комедии», названной потомками Божественной. В самом начале творческой деятельности Данте обращается к «новому сладостному стилю» – направлению, полному эмоций, но в то же время углубленного философского содержания. Этот стиль отличается разрешением проблемы – взаимоотношениями «земной» и «небесной» любви. Новый стиль, сохраняя образ земной любви, одухотворяет его. Он предстает как доступное чувственному восприятию воплощение Бога.

Ранний Ренессанс – это произведения Джованни Бокаччо (1313-1375), написанные в традициях рыцарской литературы, привлекшей его своими светскими мотивами, возможностью изобразить психологические переживания человека. Вершиной творчества писателя явился сборник новелл «Декамерон», где содержится критика церкви, духовенства, осуждается аскетическая мораль средневековья и ханжество, защищается право людей на чувственное наслаждение и любовь.

Итальянский поэт Франческо Петрарка (1304-1374) высоко оценивал и утверждал свободу индивидуальности. Стремление воспевать любовь к женщине отразилась в его автобиографии «Письмо к потомкам». Вошел в историю как автор любовной лирики. Его стихи посвящены Лауре, ей же посвящена поэма «Триумф». Также Петрарка автор сонетов и сборников биографий прославленных людей античности.

Высокое Возрождение отмечено расцветом героической поэмы: в Италии – Л. Пульчи , авантюрно-рыцарская сюжетика которой поэтизирует представление Возрождения о человеке, рожденном для великих дел.

Философская гуманистическая мысль эпохи Возрождения представлена широким спектром мыслителей. Идейным фактором, оказавшим влияние на развитие культуры Возрождения, стало складывание морали, престиж семьи и уважение потомков, сограждан.

Колюччо Салютати (1331-1406) понимал ренессансную культуру как воплощение общечеловеческого опыта и мудрости. Выдвигал на первый план новый комплекс гуманитарных дисциплин, теоретически обосновал значение каждой из них в воспитании высоконравственного и образованного человека. Особое внимание уделял вопросам этики. В его концепции главным был тезис о том, что земная жизнь дана в удел людям и их собственная задача – построить ее согласно природным законам добра и справедливости. Отсюда и нравственная норма – творческая активность во имя блага всех людей.

Леонардо Бруни (1370/74-1444) основоположник гражданского гуманизма, написал работы на моральные и педагогические темы. Отстаивал гражданские свободы, равенство всех перед законом, справедливость как моральную норму. Путь к воплощению этих норм он видит в воспитании граждан в духе патриотизма, высокой социальной активности, подчинения личной выгоды общим интересам.

Маттео Пальмиери (1406-1475) прославился сочинением «О гражданской жизни», публичными речами. Он выдвинул толкование понятия «справедливость», настаивал на том, чтобы законы соответствовали интересам большинства. Главным в воспитании добродетели он полагал обязательный для всех труд, оправдывал стремление к богатству, но допускал лишь честные методы накопительства. Цель педагогики – воспитание идеального гражданина.

Аламанно Ринуччини (1426-1499) в своих сочинениях – «Диалог о свободе», «Речь на похоронах Маттео Пальмиери», «Исторические записки» - отстаивал принцип гражданского гуманизма. Политическуюсвободу возводил в ранг высшей моральной категории – без нее невозможно подлинное счастье людей, их нравственное совершенство, гражданская активность.

Марсилио Фичино (1433-1499) занимался переводами, разработкой проблем космологии, антропологии. Он утверждал единство прекрасного, упорядоченного космоса, проникнутого божественным светом. Жизненное, движущее начало космоса – душа мира, к которой причастна и душа человека. Человек – связующее звено мира, в его душе идеи всего сущего, поэтому он обращается к самопознанию. Фичино признает равноправными чувственную и духовную стороны человеческой натуры, признает безграничными возможности человеческого познания.

Джованни Пико делла Мирандола (1463-1494) автор трудов «900 тезисов по философии, кабалистике, теологии», «Речь о достоинстве человека», «О сущем и едином». Главное – учение о достоинстве человека, об уникальном его положении в космической иерархии: наделенный свободой воли, он сам формирует свою сущность и определяет свое место в мире. Он богоподобен, в познании человек способен охватить весь космос, следовательно, он – связующее звено мира. Ступени познания проходят через овладение этикой, свободное постижение законов окружающего мира, через философию.

Самобытный характер Северного Возрождения проявился, в первую очередь, в культуре Нидерландов и Германии. Городами, оказавшимися главными центрами этой культуры, были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле. Позднее лидером стал Амстердам. Северный Ренессанс запаздывает по отношению к итальянскому на целое столетие и начинается тогда, когда Италия вступает в высшую стадию своего развития. Он характеризуется сложным сочетанием мистического мироощущения и гуманистического мышления. Познание мира и человеческой личности художниками Северного Возрождения происходило не через отрицание идеалов средневековья, как у итальянцев, а через развитие традиций национального готического искусства. В искусстве Северного Возрождения больше средневекового мировоззрения, религиозного чувства, символики, оно более условно по форме, более архаично, менее знакомо с античностью.

Характерное для всей ренессансной культуры стремление распространить идею божественной гармонии и благодати на весь материальный мир претворилась в творчестве северян по-иному, нежели в Италии. Итальянские художники наделяли образы идеальной гармонией, а северяне копировали мельчайшие детали, так что их творения своим натурализмом производили несколько странное впечатление.

Художников Северного Возрождения, в отличие от итальянских, мало волновали красота человеческого тела и иллюзорная глубина изображаемого пространства. Для них выразительной была готическая экспрессивность, состоящая в нарушении пропорций фигур, беспокойном движении складок одежды, в напрягшихся мускулах и жилах на шее.

Для итальянских художников идеалом считались точные пропорции и симметрия, а северянам любая закономерность считалась нарочитой. По этим причинам искусство Северного Ренессанса называют еще «магическим реализмом». Оно было стилистическим и неоднородным и по-разному проявлялось в Нидерландах и Германии.

Нидерланды, как и Германия, сохранили связь с духовной культурой средневековья и традициями готики. Специфика сложившегося в Нидерландах стиля живописи определялась тем, что Нидерланды находились под игом феодальной власти Бургундского герцогства, где возникла одна из самых ярких и уникальных художественных школ – бургундская, или франко-фламандская. На формирование стилистических признаков нидерландской живописи оказала влияние франко-фламандская миниатюра, в которой изображение реальной жизни со множеством конкретных подробностей проявилось раньше, чем в других видах изобразительного искусства.

Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к конкретной повседневной деятельности. Повседневные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости: свое дело, свой дом, свое имущество, своя капелла, свой покровитель – святой, своя семья. Во всех слоях общества чрезвычайно повышалось стремление к украшению и опоэтизированию повседневности. Нидерландские художники обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали мельчайшие детали быта и во всем видели прекрасное. Кредо нидерландской живописи стало понятие «праведной повседневности». Философской основой Северного Ренессанса был пантеизм. Пантеизм, не отрицая прямо существование Бога, растворяет его в природе, наделяет природу божественными атрибутами, такими, как вечность, бесконечность, безграничность. Поскольку пантеисты считали, что в каждой частице мира есть частица Бога, то делали вывод: каждый кусочек природы достоин изображения. Такие представления приводят к появлению пейзажа как самостоятельного жанра.

Великим мастером нидерландской живописи, которому принадлежит первенство в нидерландском Ренессансе, является Ян ван Эйк (1390-1441). В 20-30 гг. XV в. он создал новый тип картины, соединивший традиционную готическую алтарную композицию и портрет. Скрытый символизм картины указывал на ее связь с готикой, но по той роли, которая отводилась в ней человеку и окружающему его миру, она являлась ренессансной. Он писал алтарные образы, величайшим из которых является Гентский алтарь для капеллы в церкви св. Бавона. Образ мира, разработанный в Гентском алтаре, где совместно пребывали религиозные персонажи и жители земли, повторялся в последующих живописных полотнах художника, к примеру в «Мадонне канцлера Ролена». Реалистический характер искусства Яна ван Эйка ярко проявился в жанре светского «Портрета четы Арнольфини». Решая чисто светскую задачу портретирования, мастер сумел выявить психологический подтекст события, сделав акцент на душевном состоянии персонажей.

Новая нидерландская живопись завершила свой путь болезненным демонизмом Иеронима Босха (ок.1460-1516), творчество которого стоит особняком в искусстве Нидерландов XV-XVI вв. В своем творчестве он проникает в глубину человеческой психики, показывает то мрачное и трагическое, чем больна его эпоха. Большая часть его картин написана на религиозные темы, но поражает соединение мрачных средневековых фантазий и элементов фольклора, мистической символики и точности реалистических деталей.

Сюжетная основа картин Босха направлена на демонстрацию отрицательных явлений жизни, сохранение средневековой уничижительной оценки человека, постоянно подчеркнутое греховное земное существование людей и движение человечества по кривому пути безумия к Страшному суду. Главная тема бытоописательных картин – «Несение креста», «Корабль глупцов», «Блудный сын» – нелицеприятная оценка человечества. Лица людей уродливы, безумны, они – носители зла. Демонические «фантасмагории Босха» - явление уникальное в мировом искусстве. Он воплотил бредовое мировоззрение конца средневековья в вымышленных образах, строй которых был порожден жизнью.

В XV в. искусство в Германии стремилось точно фиксировать увиденное, раскрывать и поучать. Оно было стилистически неоднородным. Основоположником немецкого Возрождения считается Альбрехт Дюрер (1471-1528), сумевший в своем творчестве передать дух эпохи, где были распространены настроения хилиазма (веры в тысячелетнее правление Христа и праведников), предчувствие конца света, но вместе с тем и появление нового гуманистического мышления. Специфика видения мира Дюрера состоит в поисках возможности объективного отражения мира, полной достоверности.

Поражают гравюры Дюрера, например «Четыре всадника»; в величайшем творении – «Апокалипсисе» – отразилась религиозная тематика, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежды на божью справедливость. Рационализм и мистика присущи гравюрам «Меланхолия», «Всадник, смерть и дьявол», в которых он передает мощь человеческого гения и осознание его ограниченности.

Помимо гравюр Дюрер писал портреты, для которых типично ассиметричное, некрасивое, полное сосредоточенной мысли лицо – «Автопортрет», «Портрет молодой женщины» и т.д. Итог своим взглядам на человека Дюрер подвел в работе «Четыре апостола».

Особенностью изобразительного искусства Германии, обусловленного глубокой религиозностью немцев, было то, что каждый человек переживал страдания Христа как трагедию собственной жизни, как ужасное событие, происходящее для верующей души ежедневно. Именно этим объясняется создание такого потрясающего по совмещению уродливого и прекрасного, натуралистического и метафизического произведения, каким является Изенгеймский алтарь, автором которого был Матис Нитхард , известный под именем Грюневальд (ок.1470/75-1528). Алтарь состоит из 9 частей. Нитхард неоднократно возвращается к теме распятия, евангельским сюжетам. В алтарь вписана одна из самых мистических картин художника «Вознесение Христа». Тело Спасителя как бы растворяется во вспышке цветных лучей. Стиль Изенгеймского алтаря несколько противоречив, т. к. вобрал в себя художественные изыски разных школ и направлений.

В последующие годы Нитхард обращается опять к теме страстей Христовых, – это «Таубербишофсгеймский алтарь», «Оплакивание Христа».Не смотря на мистический характер искусства Нитхарда, его творчество следует рассматривать как «осень средневековья», поскольку мистицизм его работ наполнен земными страданиями и надеждами.

В области архитектуры собственно возрожденческие планировочные и пластические принципы сливаются с традициями готики, что придает германской ренессансной архитектуре изощренность и вычурность. Во многих сооружениях, строительство которых продолжалось многие десятки лет, вообще невозможно установить границу, разделявшую готику и более поздние стили. Сюда может быть отнесен самый грандиозный собор католического мира в Кельне (начатый в 1248 г., совершенствуемый, реставрируемый и ремонтируемый до сегодняшнего дня), собор в Ульме (1377-1529), а также целый ряд замковых и дворцовых сооружений. Интерьеры церквей украшаются скульптурами, фресками, реже – витражами, складными алтарями, станковой живописью. Церкви выполняли функции музея наряду с отправлением культовых моментов. В целом же достижения архитектуры Северного Возрождения менее самобытны, чем достижения живописи. То же можно сказать и о скульптуре. Чрезвычайно интересная готическая скульптура переходит в маньеристское украшательство, почти не задерживаясь на ступени Ренессанса.

Музыка времен Северного Возрождения очень интересна. К XVI в. существовал богатый фольклор, в первую очередь вокальный. Музыка звучала в Германии повсеместно: на гуляньях, в церкви, на светских мероприятиях и в военном лагере. Крестьянская война и Реформация вызвали новый подъем народного песенного творчества. Есть немало выразительных лютеранских гимнов, авторство которых неизвестно. Хоровое пение стало неотъемлемой формой лютеранского богослужения. Протестантский хор оказал влияние на позднейшее развитие всей европейской музыки, но в первую очередь на музыкальность самих немцев, которые и сегодня музыкальное образование считают не менее важным, чем естественное.

Многообразие музыкальных форм в Германии XVI в. поражает: на масленицу ставились балеты, оперы. Нельзя не назвать таких имен, как К. Пауман (ок.1415-1473), П. Хофхаймер (1459-1537), Г. Изак (ок.1450-1515), это композиторы, сочинявшие светскую и церковную музыку, в первую очередь для органа, прелюдии, песнопения. К ним примыкает и выдающийся нидерландский композитор О. Лассо (ок.1532-1594), писавший музыку к псалмам и мессам.

Но настоящую революцию в немецкой музыке делает Г. Шютц (Шюц) (1585-1673), которым написана первая немецкая опера «Дафна» и первый немецкий балет «Орфей и Эвридика».

Возрожденческая литература в Германии опиралась на средневековые традиции мейстерзингеров. Наиболее совершенные образцы поэзии того времени представил продолжатель этих народных традиций Ханс Сакс . Он может считаться создателем современного немецкого языка. Зависимость от времени готики отразилась на развитии литературы Германии.

В книгопечатных мастерских Базеля и Страсбурга, где сосредоточилась вся современная интеллектуальная жизнь, вышла книга светского содержания «Корабль дураков»Себастиана Брандта (1457-1511), которую оформлял Дюрер. Эта книга дидактического характера была выдающимся явлением в литературе, т. к. была написана на немецком языке, а главное – подвергала сомнению прежние представления о морали, об источниках зла. В средневековых поэмах людские беды объяснялись кознями дьявола, который следовал за человеком по пятам. А «Корабль дураков» показывал, что не дьявол калечит и портит мир, а пошлость и глупость. И Брандт, «ради искоренения глупости, слепоты и предрассудков во имя исправления рода человеческого», наставлял «зерцало» на все пороки человека – невежество, распутство, пьянство, лень и т.д.

Общественная критика была возможна лишь под прикрытием шутовского колпака. Сатира являлась наилучшим способом осуждения. Наиболее выдающимся прозаиком, философом, гуманистом был Эразм Роттердамский (1469-1536), называвшим свое мировоззрение «христианским гуманизмом». Рассматривал христианство не как отрицание античной культуры, а как ее продолжение. Стремясь к «возрождению» идей и идеалов раннего христианства, главным истоком Эразм считает Писание. Нравственное и историческое толкование Писания важнее любых догматических дискуссий. Христа он ставит в одном ряду с мудрецами античности. Его лучшая книга «Похвала глупости» (1511) является сатирой на современное общество. Все слои и нации, все сословия, все люди подвержены глупости, причем «каждый дурачится на свой лад». Автор проводит мысль о том, что глупость заключена в самой человеческой природе. Но глупость преодолима и разум, в конечном счете, должен восторжествовать.

Многочисленные выступления против церкви, постоянная критика пороков католической иерархии не оттолкнули от Эразма римских пап, неоднократно предлагавших ему кардинальскую мантию. Э. Роттердамский видит добродетели в свободе и ясности духа, в миролюбии, воздержанности, образованности, простоте. Пороками считает фанатизм, невежество, насилие, лицемерие, интеллектуальную вычурность. Он считает, что для человеческого бытия наиболее пагубны одержимость, склонность к эксцессам, интеллектуальная ослепленность.

Век Северного Возрождения был недолог, но в истории культуры эта эпоха осталась как поразительно ценное явление, как клуб гениев, мастеров слова и живописи. Готический мистицизм в большей степени служил основой Северного Возрождения, но преодоление мрачных сторон национального мироощущения народа, вовлечение северных стран в общеевропейский культурный процесс началось именно в эпоху Северного Возрождения.

В отличие от Италии, Возрождение пришло во Францию, Германию и Нидерланды позднее. Средневековые традиции неохотно уступали место новому, поэтому в искусстве Северного Возрождения, ограниченного рамками первой трети XV–XVI в., мистическое мироощущение и готический стиль соединились с классицистическими тенденциями нового времени. В произведениях художников Северного Возрождения более остро, чем в живописи итальянцев, проявился интерес к человеческой личности и к ее окружению. Очень ярко в них выразилась и идея Божественной гармонии; религиозность заметна даже в самых мелких деталях полотен французских, немецких и голландских мастеров: кажется, что они обожествляют каждый листочек на дереве и каждую травинку на земле. Одна из характерных черт живописи Северного Возрождения - натурализм. Подчеркивая индивидуальные черты, художники придают библейским персонажам сходство с натурщиками. Это свойственно произведениям Х. Бальдунга Грина, Я. ван Эйка и А. Дюрера, стремившегося соединить готические натурализм и экспрессивность с идеализацией классицизма. В произведениях многих художников натурализм порой приобретал грубые и даже отталкивающие формы. Другая особенность искусства этого периода - экспрессивность. Человеческие фигуры на картинах очень динамичны, нередко их пропорции деформированны. Экспрессия и напряженность свойственны и окружающему героев пейзажу, драпировкам, одеждам. Мистицизм и отстраненность, присущие живописи мастеров Северной Европы, сочетаются с элементами конкретики: художники облачают персонажей в современную одежду, тщательно выписывая ее детали. Основоположниками Северного Возрождения по праву считаются нидерландские живописцы братья Ян ван Эйк и Хуберт ван Эйк, Рогир ван дер Вейден, Ханс Мемлинг, работавшие в XV в. Несколько позднее их идеи и живописная техника были подхвачены художниками Германии. По своей стилистике живопись Северного Возрождения неоднородна: в Нидерландах она отличалась чертами пантеизма и натурализма, в Германии ей был свойствен мистический спиритуализм (что особенно заметно в творчестве М. Грюневальда), а во Франции - сенсуализм.

Возрождение в Европе.

Периодизация и характерные черты Возрождения.

Возрождение(Ренессанс) - эпоха в истории европейской культуры 13-16 вв., ознаменовавшая собой наступление Нового времени.

Как эпоха европейской истории оно отмечено множеством знаменательных вех - в том числе укреплением экономических и общественных вольностей городов, духовным брожением, приведшим в итоге к Реформации и Контрреформации, Крестьянской войне в Германии, формированием абсолютистской монархии (наиболее масштабной во Франции), началом эпохи Великих географических открытий, изобретением европейского книгопечатания, открытием гелиоцентрической системы в космологии и т. д. Однако первым его признаком, как казалось современникам, явился «расцвет искусств» после долгих веков средневекового «упадка», расцвет, «возродивший» античную художественную мудрость, именно в этом смысле впервыев 16 в. употребляет слово rinascita (от которого происходит французский Renaissance и все его европейские аналоги) итальянский художник и искусствовед Джорджо Вазари.

Периодизация Возрождения определяется верховной ролью искусства в его культуре.

Этапы истории искусства Италии - родины Ренессанса - долгое время служили главной точкой отсчета. Специально выделяют:

1. Проторенессанс , («эпоха Данте и Джотто», ок.1260-1320) - (от прото... и Ренессанс), период истории итальянского искусства (13 - нач. 14 вв.), ознаменовавшийся ростом светских реалистических тенденций, обращением к античной традиции. Самый ранний этап в развитии искусства Возрождения. Ранее всего искусство Проторенессанса проявилось в скульптуре, а затем в живописи. В ней особо ощутимо светское начало, внимание к исторической тематике, портретному, бытовому и пейзажному жанрам. Творчество поэта Данте, зодчего Арнольфо ди Камбио, скульптора Никколо Пизано, живописцев Пьетро Каваллини и особенно Джотто во многом подготовило почву для искусства Возрождения. В рамках проторенессанса выделяют:

дученто (итал. ducento, букв. - двести, -итальянское название 13 века) характеризующееся ростом реалистических тенденций в рамках средневекового искусства, пробуждением интереса к реальному миру и античному наследию.

треченто (итал. trecento, букв. – триста - итальянское название 14 века) - период интенсивного развития гуманизма в итальянской культуре; искусство треченто наряду с нарастанием готических черт отмечено развитием реалистических исканий

2. Раннее Возрождение или кватроченто (итал. quattrocento, букв. – четыреста - итальянское наименование 15 в). стало временем экспериментальных поисков, когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, преодолевая и творчески преобразуя ее. Если в эпоху Проторенессанса художник работал, основываясь на интуиции, то время Раннего Возрождения выдвинуло на первый план точные научные знания. Искусство стало выполнять роль универсального познания окружающего мира. В 15 в. появился целый ряд научных трактатов об искусстве. Первым теоретиком в области живописи и архитектуры выступил Леон Баттиста Альберти. Им была разработана теория линейной перспективы, правдивого изображения глубины пространства в картине. В практическом использовании линейной перспективы большой интерес представляет творчество художника Паоло Уччелло.

3. Чинквеченто (итал. cinquecento, букв. - пятьсот - итальянское название 16 века) - период расцвета культуры Высокого и Позднего Возрождения и распространения маньеризма.

Высокое (Среднее) Возрождение - период истории итальянского искусства (кон. 15 - 1-я четверть 16 вв.) - классическая фаза художественной культуры Возрождения. В архитектуре, живописи и скульптуре Высокого Возрождения (Браманте, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан) ренессансные реализм и гуманизм, героические идеалы получили обобщенное, полное титанической силы выражение; искусству Высокого Возрождения присущи монументальное величие, сочетание возвышенной идеальности, гармонии с глубиной и жизненной яркостью образов.

Позднее Возрождение (до конца 16 века), продолжение традиций Высокого Возрождения особой фазой которого стал маньеризм.

Основные черты культуры Возрождения:

Антропоцентризм-воззрение, согласно которому человек есть центр Вселенной и конечная цель всего мироздания, т.е. существующий мир создан для человека.

Гуманизм- признание ценности человека как личности.

Реформация средневековой христианской традиции.

Возрождение античных памятников искусства и античной философии

Формирование нового отношения к миру.

Задача воспитания «нового человека» осознается как главная задача эпохи. Греческое слово («воспитание») является самым четким аналогом латинского humanitas (откуда берет свое происхождение «гуманизм»).

Humanitas в ренессансном представлении подразумевает не только овладение античной премудростью, чему придавалось огромное значение, но также самопознание и самосовершенствование. Гуманитарно-научное и человеческое, ученость и житейский опыт должны быть объединены в состоянии идеальной virtu (по-итальянски одновременно и «добродетель», и «доблесть» - благодаря чему слово несет в себе средневеково-рыцарский оттенок). Натуроподобно отражая эти идеалы, искусство Возрождения придает воспитательным чаяниям эпохи убедительно-чувственную наглядность. Древность (то есть античное наследие), Средние века (с их религиозностью, равно как и светским кодексом чести) и Новое время (поставившее человеческий ум, его творческую энергию в центре своих интересов) находятся здесь в состоянии чуткого и непрерывного диалога.

Закономерно, что время, придавшее центральное значение «богоравному» человеческому творчеству, выдвинуло в искусстве личностей, которые - при всем обилии тогдашних талантов - стали олицетворением целых эпох национальной культуры (личностей-«титанов», как их романтически именовали позднее). Олицетворением Проторенессанса стал Джотто, противоположные аспекты кватроченто - конструктивную строгость и задушевный лиризм - соответственно выразили Мазаччо и Анджелико с Боттичелли. «Титаны» Среднего (или «Высокого») Возрождения Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело - это художники - символы великого рубежа Нового времени как такового. Важнейшие этапы итальянской ренессансной архитектуры - ранний, средний и поздний - монументально воплощены в творчестве Ф. Брунеллески, Д. Браманте и А. Палладио.

Итальянское Возрождение

Раннее Возрождение в Италии.

14-15в. для Италии - время бурного экономического развития. Итальянские города имели достаточно развитую промышленность в форме мануфактур, являлись крупными торговыми центрами, связывающими Италию со странами Европы и Востоком. В городах находились банки, которые вели операции международного значения. С появлением нового отношения к торговле и возникновением банкирских домов оживляются и расцветают города: Пиза, Милан, Генуя, Венеция, Неаполь, Флоренция.

Промышленная, торговая и ростовщическая буржуазия итальянских городов нуждалась для своей хозяйственной деятельности в развитии точных наук, естествознания, математики. Вместе с тем, наживая огромные состояния, она стремилась создать для себя комфортабельные условия жизни и украсить свои дворцы произведениями искусства. Буржуазия и правители (короли, папы, республиканские сеньории) нуждались в образованных чиновниках, нотариусах, врачах, учителях – и вообще в людях умственного труда, которые могли бы вести торговые и кредитные дела внутри страны и за границей.

Так, вместе с формирующейся буржуазией в итальянских городах появилась интеллигенция: литераторы, философы, историки, поэты музыканты, архитекторы, художники, инженеры, врачи и т.д., оказавшие решающее влияние на формирование новой идеологии.

Одной из важнейших черт новой идеологии был индивидуализм. Нарождающаяся буржуазия, сильная и богатая, утверждала теперь, что не знатность и родовитость, а личные качества отдельного Человека: его ум, ловкость, смелость, предприимчивость и энергия обеспечивают успех в жизни. Мировоззрение деятелей новой культуры, которое выражалось в их философских, политических, научных и литературных взглядах, обычно обозначают термином «гуманизм». Т.к. человека рассматривали теперь как кузнеца своего счастья, творца всех ценностей, идущего вперед наперекор судьбе и добивающегося успеха силой своего разума, твердостью духа, активностью, оптимизмом. Человек должен наслаждаться природой, любовью, искусством, наукой. Представителям новой идеологии была чужда идея греховности человека, в частности его тела; наоборот, становится признанной гармония человеческой души и тела.

В итальянском обществе пробудился глубокий интерес к античной цивилизации и культуре, где даже боги наделялись человеческим обликом и человеческим характером. Отсюда попытка воскресить ушедшую культуру и возвести ее на пьедестал.

Деятели культуры старались в своих трудах подражать стилю латинских писателей «золотого века» римской литературы, особенно Цицерону. Появился интерес к греческой литературе и греческому языку. Духовным центром итальянского Возрождения становятся Флоренция и Венеция.

Раннее Возрождение неразрывно связано с именами Франческо Петрарки и Джованни Боккаччо.

Родоначальником гуманизма в Италии принято считать Франческо Петрарку (1304-1374). Он был собирателем древних рукописей и памятников, историком, пропагандистом древнеримской культуры (он попытался написать историю Рима в биографиях («О знаменитых мужах» содержит 21 биографию великих римлян от Ромула до Цезаря)). Все произведения Петрарки можно разделить на две неравные части: итальянскую поэзию («Канцоньере») и разнообразные сочинения, написанные по-латыни. «Канцоньере» («Книга песен») включает в себя сонеты, канцоны, баллады, мадригалы посвященные любви Петрарки к Лауре при ее жизни и после ее смерти; несколько стихотворений политического и религиозного содержания; и аллегорическую картину любви поэта - Триумфы, в которых изображается победа любви над человеком, целомудрия над любовью, смерти над целомудрием, славы над смертью, времени над славой и вечности над временем. «Канцоньере», выдержавшее уже до начала XVII в. ок. 200 изданий и комментированное целой массой ученых и поэтов определяет значение Петрарки в истории итальянской и всеобщей литературы. Он создал истинно художественную форму для итальянской лирики: поэзия впервые является у него внутренней историей индивидуального чувства. Этот интерес к внутренней жизни человека проходит красной нитью и через латинские произведения Петрарки, которые определяют его значение, как гуманиста.

Современник Петрарки Джаванни Боккаччо (1313-1375) стал знаменит благодаря написанному на итальянском языке «Декамерону» - сборнику новелл на темы флорентийской городской жизни, в котором подчеркивается право человека на счастье, на чувственные радости, на любовь, которая не знает социальных перегородок. Сборник содержит народный юмор и вольнодумство, критику невежества и лицемерия католического духовенства. Боккаччо «Декамерон» стал образцом совершенства языка и стиля для итальянских авторов, классикой мировой литературы. «Декамерон» представляет собой сто историй, рассказанных от имени благородных флорентийских дам и молодых людей; повествование проистекает на фоне эпидемии чумы («черной смерти»), от которой скрывается благородное общество в загородном имении, и исполнено тонкого психологизма и неожиданных коллизий.

Вместе с Данте Петрарка и Боккаччо являются создателями литературного итальянского языка. Их произведения в 15в. были переведены на многие языки Европы и заняли почетное место в мировой литературе.

Искусство раннего Возрождения было представлено новой живописью, скульптурой и архитектурой.

Выдающимся мастером раннего Возрождения, продолжившим реалистическую традицию Джотто, был флорентийский художник Мазаччо (наст. имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи) (1401- 1428). Он писал на церковно-религиозные сюжеты (в основном это росписи стен внутри храмов), но придавал им реалистические черты с помощью светотени, пластической телесности, трехмерности, композиционной увязки с пейзажем, действие религиозных сюжетов переносил на улицы Флоренции. Впервые в настенной живописи (фреска «Троица» в церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции) создает центрально-перспективное построение, придающее композиции величественность и в то же время соразмерность человеческим масштабам. Его творчество стало образцом для творчества последующих поколений художников.

Художник Сандро Боттичелли был близок ко двору Медичи и гуманистическим кругам Флоренции. Писал произведения на религиозные и мифологические темы («Весна», «Рождение Венеры», около 1483-1484) хотя его изображения и плоскостные, но отмечены одухотворенной поэзией, игрой линейных ритмов, тонким колоритом, и настроение грусти. Но грусть Венеры и снисходительная улыбка Весны обращены к зрителям, к его миру, а не к райской прозрачности как на иконах.

Крупнейший скульптор раннего Возрождения – флорентинец Донателло - осмысливая опыт античного искусства, впервые создал классические формы и виды ренессансной скульптуры: новый тип круглой статуи и скульптурной группы («Св. Георгий», «Давид», «Юдифь и Олоферн»), монументального конного памятника (статуя кондотьера Гаттамелаты в Падуе – первый конный монумент Возрождения), живописного рельефа (алтарь церкви Сант-Антонио в Падуе), скульптурного портрета, величественного надгробия (гробница антипапы Иоанна XXIII во флорентийском баптистерии - классический образец для всех позднейших гробниц эпохи Возрождения). Его скульптура «Давид» - первая совершенно обнаженная фигура, созданная в эпоху Возрождения. Формы скульптур у Донателло приобретают пластическую ясность, объемы становятся цельными, типовое выражение лиц сменяется портретностью, складки одеяний естественно облекают тело и вторят его изгибам и движению. Он своим скульптурам стремился придать черты реальных людей: Христос у него выглядит как крестьянин, в качестве евангелистов и пророков изображены флорентийские граждане. В создании скульптур Донателло ставит своей задачей воспроизвести новый идеал эпохи - индивидуальную героическую личность.

Больших успехов в эпоху раннего Возрождения достигает архитектура. Если начало эпохи Возрождения ознаменовалось возведением символа городской общины – собора, то к концу 15в. центром города становится дворец правителя. Площадь из места народного собрания превратилась в парадный двор.

Формируется тип светского дворца (палаццо): четырехугольный в плане, замкнутый вокруг внутреннего дворика, который затем становится с одной стороны открытым или отделяется только портиком. Память о средневековой крепостной архитектуре сохранилась в применении кладки из грубых каменных блоков, которая потом стала распространенным декоративным элементом («руст») в основном при кладке цокольных нижних этажей.

На смену свободной застройке приходит плановая. Новая архитектура эпохи Возрождения – громадные здания, высокие купола, грандиозная колоннада, требовали строгих математических расчетов. Благодаря усовершенствованию строительной техники строительство больших зданий, соборов и дворцов стало производиться в более короткие, чем в средние века, сроки, иногда за несколько лет.

Крупными архитекторами, создавшими стиль архитектуры Возрождения были Филлиппо Брунуллески и Леон Баттиста Альберти.

Главными центрами нового искусства Северной Италии становятся три города: Падуя, Феррара, Венеция.

Падуя был одним из старейших университетских городов Европы. Падуанский университет, основанный в 1222 г., привлекал много слушателей из разных стран. Здесь усиленно изучали наследие античности. При университете был создан кружок гуманистов, знатоков и любителей древности. Здесь собирали рукописи античных авторов, коллекционировали произведения искусства. В Падуе бывали Данте и Петрарка. Сюда приезжали работать Джотто, Донателло оказавшие сильное влияние на местных художников.

В Ферраре центром гуманистической культуры стал двор местных правителей - герцогов д"Эсте.

Венеция – республика купцов, торгующих со всем миром и сосредоточивших в своих руках большую часть товарооборота между Востоком и Западом. Венецианцы заимствуют все прекрасное у мусульманского Востока, дряхлеющей Византии, «варварской» Германии, и стараются превратить свой город в самый блестящий и великолепный в мире. А финансовое благополучие позволяет им не скупится в реализации своих замыслов.

Высокое Возрождение.

На рубеже 15 – 16 в. итальянское Возрождение вступило в новую фазу развития. На конец 15 – первое десятилетие 16 в. приходится высший взлёт искусства. Этот этап получил название Высокое Возрождение.

В первом десятилетии 16 в. центр художественной жизни Италии перемещается в Рим. Ещё в конце 15 в. Папская область стала играть важную роль среди крупнейших итальянских государств. Менее развитая в экономическом отношении, чем Флоренция или Венеция, она обладала высоким международным значением (как центр католицизма). Мечтая объединить всю Италию под властью Рима, папы пытались превратить его в ведущий политический и культурный центр. Этому способствовала меценатская политика пап, привлекавшая в Рим лучших художников. И историческое прошлое «вечного города» как нельзя лучше соответствовало его новой роли. Не умиравшее на протяжении всего Средневековья воспоминание о величие Римской империи приобрели теперь особое значение. В связи с этим в начале 16 в. оживился интерес к древней истории и культуре. Именно в Риме, с его многочисленными памятниками, всегда привлекавшими художников, классическое наследие было воспринято полно и глубоко.

Искусство Высокого Возрождения впитало в себя идеи гуманизма, оно проникнуто верой в творческие силы человека, в неограниченность его возможностей, в разумное устройство мира. Вместе с тем на смену распространённой в искусстве кватроченто наивной повествовательности и бытовизму приходит проблема гражданского долга и героического подвига. Лейтмотивом культуры становится образ прекрасного, гармонически развитого, сильного телом и духом человека, возвышающегося под уровнем повседневной обыденности.

В начале 16 в. достигает гармонического единства новый вид синтеза искусств, который в отличие от средневекового (когда все виды искусства подчинены архитектуре), предполагает равноправие живописи и скульптуры по отношению к архитектуре. Освобождение живописи и скульптуры от строгого подчинения зодчеству приводит к обособлению и развитию новых жанров искусства: портрета, пейзажа и исторической живописи.

Формирование искусства Высокого Возрождения началось в конце 15 в. – колыбель его была Флоренция, откуда вышли такие крупнейшие мастера как Леонардо да Винчи и Микеланджело. Традиции флорентийской школы и раннего кватроченто были основой искусства 16 в.

В начале 16 в ведущее положение в развитии архитектуры, живописи и скульптуры переходит к Риму. Получает развитие архитектура садов, парков и загородных резиденций знати. Возникают утопические проекты городов. Отличительными качествами архитектуры Высокого Возрождения становятся: монументальность, навеянное древним Римом импозантное величие и грандиозность замыслов. Наиболее ярко это проявилось в перестройке Ватикана и строительстве собора Св. Петра, архитектором которых был Донато д’Анджело Браманте (1444-1514), определивший своим творчеством пути развития архитектуры 16 в. Построенная Браманте небольшая часовня Темппьетто – одно из лучших произведений архитектуры зрелого Ренессанса, оно отличается цельностью композиции, изысканностью пропорций, прорисовкой деталей. Главный собор Рима (собор св. Петра) Браманте планировал сделать тоже по центрическому плану, при этом он руководствовался не практическими соображениями (удобство при богослужении), а излюбленной в этот период концепцией центрической композиции, стремящейся к уравновешенности, стабильности и законченности. Но строительство собора началось в 1506 году, поэтому Браманте не успел достроить собор и к строительству последовательно привлекались: Рафаэль, Перуцци, Антонио да Сангало Младший, Микеланджело.

Многие деятели культуры представляли собой воплощение «хомо универсале» - человека универсального, одаренного во всех сферах творческой и научной деятельности, создающего шедевры живописи, скульптуры, архитектуры, пишущего трактаты на различные научные темы.

Леонардо да Винчи (1452-1519)- величайший живописец, скульптор, архитектор, ученый и ин­женер. Леонардо оставил мало живописных произведений, так как научные интересы поглощали много времени и силы.

Уже в первых его картинах присутствуют основные черты искусства Леонардо: интерес к психологическим решениям, лаконичность, акцент на пространственном расположении и объёмность форм.

Сочетая разработку но­вых средств художественного языка с теоретичес­кими общениями, Леонардо создал гармонический образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам; тем самым он подытожил опыт кватро­ченто и заложил основы искусства Высокого Воз­рождения.

На службе у правителя Милана Лодовико Моро Лео­нардо да Винчи выступает в роли военного инже­нера, гидротехника, организатора придворных фе­ерий. На этот же период приходится и творческий рас­цвет Леонардо-живописца. В «Мадонне в скалах» излюбленная мастером тончайшая светотень («сфумато») предстает новым ореолом, который идет на смену средневековым нимбам: это в равной мере и божественно-человеческое, и природное таинство, где скалистый грот, отражая геологические наблюдения Леонардо, играет не меньшую драматическую роль, чем фигуры святых на переднем плане. Кроме того, Леонардо вводит в итальянскую живопись новый мотив – изображение Девы Марии с детьми в пейзаже.

В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие Леонардо создает роспись «Тайная вечеря». В «Тайной вечере» - в искусство вводится психологический конфликт и математический расчёт в построение композиции. Высокое религиозно-этическое содержание образа, где представлена бурная, разноречивая реакция учеников Христа на его слова о грядущем предательстве, выражено в четких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только нарисованное, но и реальное архитектурное пространство. Ясная сценическая логика мимики и жестов, сочетание строгой рациональности с неизъяснимой тайной сделали «Тайную вечерю» одним из самых значительных произведений в истории мирового искусства. Занимаясь также архитектурой, Леонардо разрабатывает различные варианты «идеального города» и центрально-купольного храма.

В портрете Моны Лизы («Джоконда») образ бога­той горожанки предстает воплощением возвышен­ного идеала женственности, не теряя при этом ин­тимно-человеческого обаяния; важным элементом композиции становится космически обширный пейзаж, тающий в холодной дымке. «Джоконда» ложится в основу всего последующего итальянского портрета.

К поздним произведениям Леонардо да Винчи принадлежит «Святая Анна с Марией и младенцем Христом», завершающая поиски мастера в области свето-воздушной перспективы и гармони­ческой пирамидальной композиции. Последняя картина Леонардо, «Святой Иоанн Креститель» полна эротической двусмысленности: юный Предтеча выглядит тут не как святой аскет, но как полный чувственной прелести искуситель.

Важнейшим источником для изучения воззрений Леонардо да Винчи являются его записные книжки и рукописи (около 7 тысяч листов). Эти записи си­стематизировал после смерти художника его уче­ник Ф. Мельци в «Трактате о живописи». Эта ра­бота оказала огромное влияние на европейскую ху­дожественную практику и теоретическую мысль.

Неутомимый ученый-экспериментатор и гениальный художник, Леонардо да Винчи остался в традиции личностью-символом эпохи.

Рафаэль Санти (1483-1520)- художник синтеза и гармонии. Его искусство отличается чертами равновесия разума и чувств, реальности и идеалов, безупречной ясности композиции и форм; он является классическим воплощением Высокого Возрождения. Уже в ранних картинах («Мадонна Конестабиле», «Сон рыцаря», «Три грации», «Обручении Марии») сказался присущий Рафаэлю гармоничный склад дарования, его умение находить безупречное согласие форм, ритмов, красок, движений, жестов.

Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (парадных покоев) Ватикана, достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов. В величественных многофигурных композициях на стенах (объединяющие от 40 до 60 персонажей) «Диспута» («Спор о причастии»), «Афинская школа», «Парнас», не повторяя ни одной фигуры и позы, ни одного движения, Рафаэль сплетает их воедино гибким, свободным, естественным ритмом, перетекающим от фигуры к фигуре, от одной группы к другой. В «Чудесном изведении апостола Петра из темницы» Рафаэль с необычной для художника Средней Италии живописной тонкостью передает сложные эффекты ночного освещения – ослепительного сияния, окружающего ангела, холодного света луны, красноватого пламени факелов и их отсветы на латах стражников.

К числу лучших работ Рафаэля-монументалиста относятся также росписи сводов капеллы Киджи в Риме и полная языческой жизнерадостности фреска «Триумф Галатеи» (вилла Фарнезина, Рим).

Одной из главных тем живописи Рафаэля была Мадонна с младенцем. В работах «Мадонна со щегленком», «Мадонна в зелени», «Прекрасная садовница» он использует в них один и тот же мотив - изображает на фоне идиллического пейзажа юную мать и играющих у ее ног маленьких детей - Христа и Иоанна Крестителя, он объединяет фигуры устойчивым, гармонически уравновешенным ритмом композиционный пирамиды, излюбленной мастерами Возрождения. Новая, полифонически сложная трактовка образа Мадонны нашла наиболее полное выражение в одном из самых совершенных творений Рафаэля - алтаре «Сикстинская Мадонна».

Рафаэль оставил заметный след и в итальянской архитектуре. Он участвовал в строительстве собора св. Петра в Риме. Среди его построек - маленькая церковь Сан"Элиджо дельи Орефичи с ее строгим интерьером, капелла Киджи в церкви Санта Мария дель Пополо интерьер которой являет пример редкого даже для эпохи Возрождения единства архитектурного решения и декора, разработанного Рафаэлем, - росписей, мозаики, скульптуры.

Микеланджело Буонаротти (1475-1564) - скульптор, живописец, архитектор, поэт. Микеланджело намного пережил своих прославленных современников (Леонардо да Винчи и Рафаэля) и был свидетелем унижения Италии и крушения всех идеалов и надежд. Поэтому с наибольшей силой выразил глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, а также трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания в период Позднего Возрождения.