Сравнительный анализ культуры эпохи Итальянского возрождения и Северного Возрождения. Искусство Итальянского Возрождения: основные черты и этапы развития Живопись эпохи Возрождения: кратко о раннем периоде

В духовной культуре эпохи Возрождения искусство стало главным видом творческой деятельности. Оно было для людей Возрождения тем, чем в средние века была религия. Недаром отстаивалась мысль. Что идеальный человек должен быть художником. Почти не было людей, равнодушных к искусству. Художественное произведение наиболее полно выражало и идеал гармонически организованного мира, и место человека в нем. Этой задаче в различной степени подчинены все виды искусства.

Любая творческая деятельность вызывает уважение в исследуемый исторический период, но именно искусство, – живопись и скульптура – становятся предметом почти священного поклонения. И это, безуслов­но, следствие превознесения отдельной человеческой личности (антропоцентризма), являющегося ядром мировоззрения Ренессанса. Исходная аксиома творчества - утверждение красоты реального мира как одного из существеннейших его объективных свойств. Красота опреде­лялась как «единство в многообразии», или «гармоничность», или «соразмерность», или «пропорциональность», то есть воспроизводилась античная эстетическая традиция. Источником же земной красоты являлся Бог как первый и величайший художник.

Понимание природы и человека как основных объектов прекрасного определяло главную цель искусства как постижение, утверждение и умножение этой красоты. Тезис «искусство есть подражание при­роде» отзывался общепринятым в культуре Ренессанса.

Постижение человеком мира, наполненного божественной красотой, становится одной из мировоззренческих задач возрожденцев. Мир влечет человека, поскольку он одухотворен Богом. А что может лучше помочь ему в познании мира, чем его собственные чувства. Человеческий глаз в этом смысле, по мнению возрожденцев, не знает равных. Поэтому в эпоху итальянского Возрождения наблюдается пристальный интерес к визуальному восприятию, расцветает живопись и другие пространственные искусства. Именно они, обладающие пространственными закономерностями, позволяют более точно и верно увидеть и запечатлеть божественную красоту. Поэтому особое внимание уделяется законам искусства, именно художники ближе других стоят в решении мировоззренческих задач. В плане познания мира у художника все преимущества. Эпоха итальянского Возрождения носит отчетливо художественный характер. П. Муратов, знаток итальянского Возрождения, писал об этом так: «Никогда человечество не было так беззаботно по отношению к причине вещей и никогда оно не было так чутко к их явлениям. Мир дан человеку, и так как это малый мир, то в нем драгоценно все, каждое движение нашего тела, каждый завиток виноградного листа, каждая жемчужина в уборе женщины. Для глаза…художника не было ничего малого и незначительного в зрелище жизни. Все составляло для него предмет познания».

Другими словами, жажда познания, которая так отличала личность эпохи Возрождения, раньше всего вылилась в форму художественного познания. Но, стремясь наиболее полно отразить все природные формы, художник обращается к научному знанию. Тесная связь науки и искусства – характерная черта ренессансной культуры. Занимаясь художественным творчеством, художники выходили через перспективу – в область оптики и физики, через проблемы пропорции – в анатомию и математику и т. д. Это приводило мастеров Ренессанса к отождествлению науки и искусства. Отсюда – поиск числовых отношений в пропорциях прекрасного человеческого тела, с редким упорством проводившейся Дюрером, делившим тело человека на своих чертежах на 1300 частей. Отсюда – утверждение Леонардо да Винчи, что «перспектива – поводья и кормило» живописи. Вырабатывается новая система художественного видения мира, основанная на доверии к чувственным восприятиям, прежде всего зрительным. Изображать так, как мы видим, – вот исходный принцип художников Ренессанса. А мы видим вещи не изолированно, а в единстве со средой, где они находятся. Среда пространственна; предметы, располагаясь в пространстве, видятся в сокращениях.

Соединение ученого и художника в одном лице, в одной творческой личности было возможно в эпоху Ренессанса и станет невозможным позднее. Мастеров Возрождения часто называют «титанами», имея в виду их универсальность. «Это была эпоха, которая нуждалась в титанах и породила их по силе мысли, страсти и характеру, по многосторонности и учености», - писал Ф. Энгельс.

Но хотя природа рассматривалась как истинно прекрасный образец для художника, последний не должен довольствоваться изображением конкретных единичных предметов, ибо не водном из них красота не запечатлена полностью и абсолютно. Художник должен был рассматривать и сопоставлять множество конкретных предметов, отбирать в каждом более красивые элементы и сочетать его в создаваемом им произведении которое оказывалось и подражанием природе, и созданием абсолютной красоты. Художник уподоблялся Богу – Творцу, идеализируя искусством действительность создавая особый мир абсолютной красоты.

В живописи проторенессанса, подготовительного этапа Возрождения, искусство обращается к реалистической убедительности и телесной осязаемости изображений. Это качество сочеталось с другим свойством – сохранением и переосмыслением готической традиции. Чувственно-материальную тенденцию представляет искусство Джотто ди Бондоне (1266/67-1337). С его именем связан переворот в итальянской живописи, основанный на разрыве со средневековой традицией, нарастании реалистических моментов, наполнении религиозных форм светским содержанием, переходом от плоскостных изображений к объемным и рельефным. В своих работах «Оплакивание Христа», «Возвращение Иосифа к пастухам» он передает трехмерное пространство, построенное в линейной перспективе.

Спиритуалистическая тенденция отражена в творчестве Симоне Мартини (ок.1284-1344). В его фресках «Маэста», «Благовещение» развивалась утонченно-поэтическая трактовка образов, отмеченная эстетическим изыском и повышенной эмоциональностью.

В произведениях раннего Возрождения человек еще слит с событиями священной истории, но его облик и внутреннее состояние уже исполнены просветленности. Особенностью этого периода стало постижение равновесия мира и человека. При этом мир ясен, прозрачен и открыт герою, который с достоинством занимает место в мироздании в согласии со всеми его явлениями. Живопись производит скульптурное впечатление. Проблемы колорита отступают на второй план. Художники XV в. открывают законы перспективы и строят сложные многофигурные композиции. Ведущим центром культуры в это время была Флоренция. Изменилась социальная жизнь живописцев, они воспринимается как выдающиеся общественные деятели.

В живописи кватроченто совершается поворот к светскому толкованию изображаемых сюжетов. Высокого подъема достигло искусство фрески. Картина представляла замкнутую композицию, заключенную в раму, пронизана чувством открытия мира. Благодаря перспективе строения и пропорции, тела приобретали новую значимость.

Особое место в культуре этого периода занимает творчество Сандро Боттичелли (1445-1510), которое соотносится с созерцательной традицией. Стиль Боттичелли отличается утонченностью и аристократизмом. Среди аллегорических произведений наиболее известны «Рождение Венеры», «Весна», «Покинутая».

Мазаччо (Томазо ди Джованни ди Симоне Гвиди) (1401-1428) отражает в своих религиозных по тематике картинах («Чудо с сатиром», «Троица», «Изгнание из рая») представление о совершенной человеческой личности. В творчестве заметны античные мотивы, присутствуют портретные изображения заказчиков, что является одним из первых примеров достоверных портретов в живописном произведении на религиозную тему.

В высоком Ренессансе геометризм углубляется, но к нему прибавляются одухотворенность, психологизм, стремление передать внутренний мир человека, его чувства, настроения, характер, темперамент. Разрабатывается воздушная перспектива, материальность форм достигается не только объемностью и пластикой, но и светотенью.

В этот период выделились и обозначили свои позиции две художественные школы – Флорентийская и Венецианская. Флорентийскую школу определяли программность. художественного мышления, теоретические основания предпринимаемым творческим попыткам. Отличительная черта Венецианской школы – эмоциональность. Ее чувственному мироощущению был чужд флорентийский рационализм.

«Титаном» высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452-1519) – живописец, скульптор, ученый, инженер-изобретатель, математик и механик. Считал живопись универсальным языком, ибо ей доступны все проявления разумного начала, царящего в природе. Реалистичное воспроизведение красоты чувственных земных предметов достигалось посредством отказа от жестких, резких линий в живописи, их замены светотенью. Знаменитая «дымчатая светотень» Леонардо - это нежный полусвет с мягкой гаммой тонов молочно-серебристых, голубоватых, иногда с зеленоватыми переливами, в которых линия сама становится как бы воздушной. Светотень и «пропадающее очертание» - удивительные открытия художников Возрождения, которые использовались для воссоздания в живописи телесности, объемности предметов. Высшими достижениями Леонардо считаются фреска «Тайная вечеря» и живописный портрет флорентийки «Джоконда». Оптические исследования позволили ему заложить основы воздушной перспективы. Свои размышления об искусстве изложил в трактате «Книга о живописи».

Рафаэль Санти (1483-1520) обладал даром художественного синтеза. Особое место в наследии мастера занимает алтарное полотно «Сикстинская Мадонна». Работал в Ватиканском дворце – «Афинская школа». Творчеству присуща монументальность, но есть и графические работы, наброски. В Риме достиг расцвета талант Рафаэля-портретиста. Известные работы –«Дама в покрывале», портрет Папы Юлия II. Искусство Рафаэля долгое время сохраняло значение недосягаемого образца.

Для Микеланджело Буонароти (1475-1564) весь мир заключается в человеке и исчерпывается им. Каждый его персонаж – это воплощение человеческого бытия, понятого как подвиг. Внутренняя конфликтность человеческого существования преодолевается в его образах мощным волевым усилием, что создает в произведениях Микеланджело предельное духовное напряжение. Таков нравственный пафос «Давида», титаническая воля и могучий темперамент «Моисея», предельная концентрация сил «Восставшего раба», мощь и экспрессия росписи Сикстинской капеллы.

Понятие «поздний Ренессанс» обычно применяют к венецианскому Возрождению. На первый план выходят проблемы колорита, материальность изображения достигается градациями цвета. Переработав готику и восточные традиции, Венеция выработала стиль, для которого характерны красочность, романтическая живопись.

Крупнейшим мастером позднего Возрождения был Тициан (1476/77-1576), суть работ которого составляет психологическая глубина человека. Мифологические композиции Тициана заключали в себе ясную нравственную идею и воспринимались как аллегорическое воплощение современности, и как образ красоты человеческих чувств и отношений. Это работы «Даная», «Венера перед зеркалом».

Веронезе (1528-1588) избирает темой для творчества величие и победы Венецианской республики. Жизнерадостность, декоративность присуща работам «Триумф Мардохея», «Юнона, раздающая дары Венеции». Бытовые мотивы не являются определяющими в творчестве, они лишь вносят достоверность. Композиции сложны, многофигурны. В работе «Брак в Канне» евангельская тема решена в духе праздничной светской картины, персонажи одеты в современные костюмы.

Кризис ренессансной художественной культуры остро проявился во второй четверти XVIв. Идеальный утопический антропоморфизм Ренессанса более не соответствовал действительности, что и вызывало сложные кризисные процессы в культуре эпохи. Эстетические нормы и гуманистические установки переосмысливались. Утрачена прежняя уверенность в разумности мира, в особом предназначении человека. Он ощущает себя не связью всех элементов мира, а местом их столкновения. Смятение, неуверенность, сомнение определяют теперь душевное состояние людей. Все это побуждает к отказу от идеалов Ренессанса. Основной темой культуры становится взаимосвязь человека и среды, а главным персонажем – толпа, масса людей.

Кризис культуры выражался в противопоставлении идеалам субъективной воли художника, представлении об эфемерности мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил. Таким направлением стал маньеризм. В произведениях маньеризма разрушаются внутрисюжетные психологические связи, логика рассказа, нарастает напряжение. Беспокойное, тревожное чувство, мистическая экзальтация, вычурность и манерность вытесняют простоту стиля.

В творчестве Понтормо (1494-1557) наблюдаются поиски нового стиля. Мистическая экспрессия работ идет вразрез с канонами ренессансного искусства – «Портрет юноши», «Встреча Марии и Елизаветы». Вершиной трагизма творчества является работа «Положение во гроб», язык которой стилизован, обладает условностью, ирреальностью сцены.

Пармиджанино (1503-1540) завершает своим творчеством первый этап маньеризма. Уже в ранний период мастер отходит от ренессансных традиций, заменяя интерес к человеку преследованием чисто формальных задач, стремлением к передаче с иллюзорной точностью интересного оптического эффекта. Венцом творчества является работа «Мадонна с длинной шеей», исполненная нереальности, бестелесности, утонченной красоты. В портретах присутствует психологическая зоркость – «Автопортрет».

Наиболее полно эстетико-художественный идеал Возрождения выразили архитектура и скульптура. Ярким примером этому могут служить работы известного архитектора Филиппо Брунеллески (1377-1446). Он был и скульптором, и ученым, одним из авторов научной теории перспективы, создателем грандиозного для того времени купола над хором Флорентийского собора, который стал первым крупным памятником архитектуры и инженерной мысли Ренессанса и определил характерный силуэт Флоренции.

Леон Батиста Альберти (1404-1472) – ученый, архитектор, писатель, музыкант, один из наиболее одаренных людей своего времени, приобрел широкую известность теоретическими работами. Его трактат «Десять книг о зодчестве» был, чуть ли не единственным трудом об архитектуре. Используя разные античные источники, Альберти создал новую теорию архитектуры, основанную на понимании практических задач своего времени.

В архитектуре XV в. переосмысливалась античная ордерная система. Все известные итальянские зодчие искали соответствия логичности и ясности греческой конструкции с роскошью и изяществом целостного решения светской постройки. В городах возводились дворцы (палаццо) с мощными монументальными фасадами и легкими аркадами во дворах, виллы с прекрасными садами, портиками лоджиями. Строились базилики и центрические церкви, демонстрирующие разнообразие возможностей ново стиля.

Направление скульптуры было представлено таким мастером, как Донателло (Донато ди Никколо ди Бетто Барди) (1386-1466), в творчестве которого нашли свое отражение все важнейшие вехи эволюции и вершинные достижения эпохи, и кризисные повороты ее истории. В работах проявлял интерес к духовному и физическому бытию реального человека, уделял внимание античному наследию. Отходит в творчестве от готической пластики. Ему принадлежит сооружение и скульптурный декор гробницы Папы Иоанна XXIII. «Давид» – первое изображение обнаженной натуры в стиле Ренессанса. Поздние произведения отмечены чертами душевного надлома, возвращается к тематике страсти и страдания, религиозного аскетизма – «Юдифь и Олоферн».

Прогрессивное гуманистическое содержание культуры Возрождения получило яркое выражение в театральном искусстве, испытавшем значительное воздействие античной драматургии. Его характеризует интерес к внутреннему миру человека, наделенного чертами мощной индивидуальности. Отличительными особенностями театрального искусства эпохи Возрождения явилось развитие традиций народного искусства, жизнеутверждающий пафос, смелое сочетание трагического и комического, поэтического и буффонно-площадного элементов. Таков театр Италии, Испании, Англии. Высшим достижением итальянского театра стала импровизационная комедия дель арте (XVI в.).

В эпоху Возрождения профессиональная музыка теряет характер чисто церковного искусства и испытывает влияние народной музыки, проникаясь новым гуманистическим мироощущением. Появляются различные жанры светского музыкального искусства – фронттала и вилланелла. Мадригал, возникший в Италии, получил повсеместное распространение. Светские гуманистические устремления проникают и в культовую музыку. Складываются новые жанры инструментальной музыки, выдвигаются национальные школы исполнения. Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров – сольных песен, ораторий, оперы.

Основные этапы и жанры литературы эпохи Возрождения связаны с эволюцией гуманистических концепций в периоды раннего, высокого и позднего Возрождения. Для литературы характерна новелла, особенно комическая, с антифеодальной направленностью, прославляющая предприимчивую и свободную от предрассудков личность.

Среди представителей культуры эпохи Возрождения есть личности, наиболее полно выразившие черты того или иного ее периода. Крупнейший представитель периода проторенессанса – Данте Алигьери (1265-1321). Его перу принадлежит оригинальная лирическая автобиография «Новая жизнь», философский трактат «Пир». Более известен как автор «Илиады средних веков» – «Комедии», названной потомками Божественной. В самом начале творческой деятельности Данте обращается к «новому сладостному стилю» – направлению, полному эмоций, но в то же время углубленного философского содержания. Этот стиль отличается разрешением проблемы – взаимоотношениями «земной» и «небесной» любви. Новый стиль, сохраняя образ земной любви, одухотворяет его. Он предстает как доступное чувственному восприятию воплощение Бога.

Ранний Ренессанс – это произведения Джованни Бокаччо (1313-1375), написанные в традициях рыцарской литературы, привлекшей его своими светскими мотивами, возможностью изобразить психологические переживания человека. Вершиной творчества писателя явился сборник новелл «Декамерон», где содержится критика церкви, духовенства, осуждается аскетическая мораль средневековья и ханжество, защищается право людей на чувственное наслаждение и любовь.

Итальянский поэт Франческо Петрарка (1304-1374) высоко оценивал и утверждал свободу индивидуальности. Стремление воспевать любовь к женщине отразилась в его автобиографии «Письмо к потомкам». Вошел в историю как автор любовной лирики. Его стихи посвящены Лауре, ей же посвящена поэма «Триумф». Также Петрарка автор сонетов и сборников биографий прославленных людей античности.

Высокое Возрождение отмечено расцветом героической поэмы: в Италии – Л. Пульчи , авантюрно-рыцарская сюжетика которой поэтизирует представление Возрождения о человеке, рожденном для великих дел.

Философская гуманистическая мысль эпохи Возрождения представлена широким спектром мыслителей. Идейным фактором, оказавшим влияние на развитие культуры Возрождения, стало складывание морали, престиж семьи и уважение потомков, сограждан.

Колюччо Салютати (1331-1406) понимал ренессансную культуру как воплощение общечеловеческого опыта и мудрости. Выдвигал на первый план новый комплекс гуманитарных дисциплин, теоретически обосновал значение каждой из них в воспитании высоконравственного и образованного человека. Особое внимание уделял вопросам этики. В его концепции главным был тезис о том, что земная жизнь дана в удел людям и их собственная задача – построить ее согласно природным законам добра и справедливости. Отсюда и нравственная норма – творческая активность во имя блага всех людей.

Леонардо Бруни (1370/74-1444) основоположник гражданского гуманизма, написал работы на моральные и педагогические темы. Отстаивал гражданские свободы, равенство всех перед законом, справедливость как моральную норму. Путь к воплощению этих норм он видит в воспитании граждан в духе патриотизма, высокой социальной активности, подчинения личной выгоды общим интересам.

Маттео Пальмиери (1406-1475) прославился сочинением «О гражданской жизни», публичными речами. Он выдвинул толкование понятия «справедливость», настаивал на том, чтобы законы соответствовали интересам большинства. Главным в воспитании добродетели он полагал обязательный для всех труд, оправдывал стремление к богатству, но допускал лишь честные методы накопительства. Цель педагогики – воспитание идеального гражданина.

Аламанно Ринуччини (1426-1499) в своих сочинениях – «Диалог о свободе», «Речь на похоронах Маттео Пальмиери», «Исторические записки» - отстаивал принцип гражданского гуманизма. Политическуюсвободу возводил в ранг высшей моральной категории – без нее невозможно подлинное счастье людей, их нравственное совершенство, гражданская активность.

Марсилио Фичино (1433-1499) занимался переводами, разработкой проблем космологии, антропологии. Он утверждал единство прекрасного, упорядоченного космоса, проникнутого божественным светом. Жизненное, движущее начало космоса – душа мира, к которой причастна и душа человека. Человек – связующее звено мира, в его душе идеи всего сущего, поэтому он обращается к самопознанию. Фичино признает равноправными чувственную и духовную стороны человеческой натуры, признает безграничными возможности человеческого познания.

Джованни Пико делла Мирандола (1463-1494) автор трудов «900 тезисов по философии, кабалистике, теологии», «Речь о достоинстве человека», «О сущем и едином». Главное – учение о достоинстве человека, об уникальном его положении в космической иерархии: наделенный свободой воли, он сам формирует свою сущность и определяет свое место в мире. Он богоподобен, в познании человек способен охватить весь космос, следовательно, он – связующее звено мира. Ступени познания проходят через овладение этикой, свободное постижение законов окружающего мира, через философию.

Самобытный характер Северного Возрождения проявился, в первую очередь, в культуре Нидерландов и Германии. Городами, оказавшимися главными центрами этой культуры, были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле. Позднее лидером стал Амстердам. Северный Ренессанс запаздывает по отношению к итальянскому на целое столетие и начинается тогда, когда Италия вступает в высшую стадию своего развития. Он характеризуется сложным сочетанием мистического мироощущения и гуманистического мышления. Познание мира и человеческой личности художниками Северного Возрождения происходило не через отрицание идеалов средневековья, как у итальянцев, а через развитие традиций национального готического искусства. В искусстве Северного Возрождения больше средневекового мировоззрения, религиозного чувства, символики, оно более условно по форме, более архаично, менее знакомо с античностью.

Характерное для всей ренессансной культуры стремление распространить идею божественной гармонии и благодати на весь материальный мир претворилась в творчестве северян по-иному, нежели в Италии. Итальянские художники наделяли образы идеальной гармонией, а северяне копировали мельчайшие детали, так что их творения своим натурализмом производили несколько странное впечатление.

Художников Северного Возрождения, в отличие от итальянских, мало волновали красота человеческого тела и иллюзорная глубина изображаемого пространства. Для них выразительной была готическая экспрессивность, состоящая в нарушении пропорций фигур, беспокойном движении складок одежды, в напрягшихся мускулах и жилах на шее.

Для итальянских художников идеалом считались точные пропорции и симметрия, а северянам любая закономерность считалась нарочитой. По этим причинам искусство Северного Ренессанса называют еще «магическим реализмом». Оно было стилистическим и неоднородным и по-разному проявлялось в Нидерландах и Германии.

Нидерланды, как и Германия, сохранили связь с духовной культурой средневековья и традициями готики. Специфика сложившегося в Нидерландах стиля живописи определялась тем, что Нидерланды находились под игом феодальной власти Бургундского герцогства, где возникла одна из самых ярких и уникальных художественных школ – бургундская, или франко-фламандская. На формирование стилистических признаков нидерландской живописи оказала влияние франко-фламандская миниатюра, в которой изображение реальной жизни со множеством конкретных подробностей проявилось раньше, чем в других видах изобразительного искусства.

Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к конкретной повседневной деятельности. Повседневные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости: свое дело, свой дом, свое имущество, своя капелла, свой покровитель – святой, своя семья. Во всех слоях общества чрезвычайно повышалось стремление к украшению и опоэтизированию повседневности. Нидерландские художники обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали мельчайшие детали быта и во всем видели прекрасное. Кредо нидерландской живописи стало понятие «праведной повседневности». Философской основой Северного Ренессанса был пантеизм. Пантеизм, не отрицая прямо существование Бога, растворяет его в природе, наделяет природу божественными атрибутами, такими, как вечность, бесконечность, безграничность. Поскольку пантеисты считали, что в каждой частице мира есть частица Бога, то делали вывод: каждый кусочек природы достоин изображения. Такие представления приводят к появлению пейзажа как самостоятельного жанра.

Великим мастером нидерландской живописи, которому принадлежит первенство в нидерландском Ренессансе, является Ян ван Эйк (1390-1441). В 20-30 гг. XV в. он создал новый тип картины, соединивший традиционную готическую алтарную композицию и портрет. Скрытый символизм картины указывал на ее связь с готикой, но по той роли, которая отводилась в ней человеку и окружающему его миру, она являлась ренессансной. Он писал алтарные образы, величайшим из которых является Гентский алтарь для капеллы в церкви св. Бавона. Образ мира, разработанный в Гентском алтаре, где совместно пребывали религиозные персонажи и жители земли, повторялся в последующих живописных полотнах художника, к примеру в «Мадонне канцлера Ролена». Реалистический характер искусства Яна ван Эйка ярко проявился в жанре светского «Портрета четы Арнольфини». Решая чисто светскую задачу портретирования, мастер сумел выявить психологический подтекст события, сделав акцент на душевном состоянии персонажей.

Новая нидерландская живопись завершила свой путь болезненным демонизмом Иеронима Босха (ок.1460-1516), творчество которого стоит особняком в искусстве Нидерландов XV-XVI вв. В своем творчестве он проникает в глубину человеческой психики, показывает то мрачное и трагическое, чем больна его эпоха. Большая часть его картин написана на религиозные темы, но поражает соединение мрачных средневековых фантазий и элементов фольклора, мистической символики и точности реалистических деталей.

Сюжетная основа картин Босха направлена на демонстрацию отрицательных явлений жизни, сохранение средневековой уничижительной оценки человека, постоянно подчеркнутое греховное земное существование людей и движение человечества по кривому пути безумия к Страшному суду. Главная тема бытоописательных картин – «Несение креста», «Корабль глупцов», «Блудный сын» – нелицеприятная оценка человечества. Лица людей уродливы, безумны, они – носители зла. Демонические «фантасмагории Босха» - явление уникальное в мировом искусстве. Он воплотил бредовое мировоззрение конца средневековья в вымышленных образах, строй которых был порожден жизнью.

В XV в. искусство в Германии стремилось точно фиксировать увиденное, раскрывать и поучать. Оно было стилистически неоднородным. Основоположником немецкого Возрождения считается Альбрехт Дюрер (1471-1528), сумевший в своем творчестве передать дух эпохи, где были распространены настроения хилиазма (веры в тысячелетнее правление Христа и праведников), предчувствие конца света, но вместе с тем и появление нового гуманистического мышления. Специфика видения мира Дюрера состоит в поисках возможности объективного отражения мира, полной достоверности.

Поражают гравюры Дюрера, например «Четыре всадника»; в величайшем творении – «Апокалипсисе» – отразилась религиозная тематика, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежды на божью справедливость. Рационализм и мистика присущи гравюрам «Меланхолия», «Всадник, смерть и дьявол», в которых он передает мощь человеческого гения и осознание его ограниченности.

Помимо гравюр Дюрер писал портреты, для которых типично ассиметричное, некрасивое, полное сосредоточенной мысли лицо – «Автопортрет», «Портрет молодой женщины» и т.д. Итог своим взглядам на человека Дюрер подвел в работе «Четыре апостола».

Особенностью изобразительного искусства Германии, обусловленного глубокой религиозностью немцев, было то, что каждый человек переживал страдания Христа как трагедию собственной жизни, как ужасное событие, происходящее для верующей души ежедневно. Именно этим объясняется создание такого потрясающего по совмещению уродливого и прекрасного, натуралистического и метафизического произведения, каким является Изенгеймский алтарь, автором которого был Матис Нитхард , известный под именем Грюневальд (ок.1470/75-1528). Алтарь состоит из 9 частей. Нитхард неоднократно возвращается к теме распятия, евангельским сюжетам. В алтарь вписана одна из самых мистических картин художника «Вознесение Христа». Тело Спасителя как бы растворяется во вспышке цветных лучей. Стиль Изенгеймского алтаря несколько противоречив, т. к. вобрал в себя художественные изыски разных школ и направлений.

В последующие годы Нитхард обращается опять к теме страстей Христовых, – это «Таубербишофсгеймский алтарь», «Оплакивание Христа».Не смотря на мистический характер искусства Нитхарда, его творчество следует рассматривать как «осень средневековья», поскольку мистицизм его работ наполнен земными страданиями и надеждами.

В области архитектуры собственно возрожденческие планировочные и пластические принципы сливаются с традициями готики, что придает германской ренессансной архитектуре изощренность и вычурность. Во многих сооружениях, строительство которых продолжалось многие десятки лет, вообще невозможно установить границу, разделявшую готику и более поздние стили. Сюда может быть отнесен самый грандиозный собор католического мира в Кельне (начатый в 1248 г., совершенствуемый, реставрируемый и ремонтируемый до сегодняшнего дня), собор в Ульме (1377-1529), а также целый ряд замковых и дворцовых сооружений. Интерьеры церквей украшаются скульптурами, фресками, реже – витражами, складными алтарями, станковой живописью. Церкви выполняли функции музея наряду с отправлением культовых моментов. В целом же достижения архитектуры Северного Возрождения менее самобытны, чем достижения живописи. То же можно сказать и о скульптуре. Чрезвычайно интересная готическая скульптура переходит в маньеристское украшательство, почти не задерживаясь на ступени Ренессанса.

Музыка времен Северного Возрождения очень интересна. К XVI в. существовал богатый фольклор, в первую очередь вокальный. Музыка звучала в Германии повсеместно: на гуляньях, в церкви, на светских мероприятиях и в военном лагере. Крестьянская война и Реформация вызвали новый подъем народного песенного творчества. Есть немало выразительных лютеранских гимнов, авторство которых неизвестно. Хоровое пение стало неотъемлемой формой лютеранского богослужения. Протестантский хор оказал влияние на позднейшее развитие всей европейской музыки, но в первую очередь на музыкальность самих немцев, которые и сегодня музыкальное образование считают не менее важным, чем естественное.

Многообразие музыкальных форм в Германии XVI в. поражает: на масленицу ставились балеты, оперы. Нельзя не назвать таких имен, как К. Пауман (ок.1415-1473), П. Хофхаймер (1459-1537), Г. Изак (ок.1450-1515), это композиторы, сочинявшие светскую и церковную музыку, в первую очередь для органа, прелюдии, песнопения. К ним примыкает и выдающийся нидерландский композитор О. Лассо (ок.1532-1594), писавший музыку к псалмам и мессам.

Но настоящую революцию в немецкой музыке делает Г. Шютц (Шюц) (1585-1673), которым написана первая немецкая опера «Дафна» и первый немецкий балет «Орфей и Эвридика».

Возрожденческая литература в Германии опиралась на средневековые традиции мейстерзингеров. Наиболее совершенные образцы поэзии того времени представил продолжатель этих народных традиций Ханс Сакс . Он может считаться создателем современного немецкого языка. Зависимость от времени готики отразилась на развитии литературы Германии.

В книгопечатных мастерских Базеля и Страсбурга, где сосредоточилась вся современная интеллектуальная жизнь, вышла книга светского содержания «Корабль дураков»Себастиана Брандта (1457-1511), которую оформлял Дюрер. Эта книга дидактического характера была выдающимся явлением в литературе, т. к. была написана на немецком языке, а главное – подвергала сомнению прежние представления о морали, об источниках зла. В средневековых поэмах людские беды объяснялись кознями дьявола, который следовал за человеком по пятам. А «Корабль дураков» показывал, что не дьявол калечит и портит мир, а пошлость и глупость. И Брандт, «ради искоренения глупости, слепоты и предрассудков во имя исправления рода человеческого», наставлял «зерцало» на все пороки человека – невежество, распутство, пьянство, лень и т.д.

Общественная критика была возможна лишь под прикрытием шутовского колпака. Сатира являлась наилучшим способом осуждения. Наиболее выдающимся прозаиком, философом, гуманистом был Эразм Роттердамский (1469-1536), называвшим свое мировоззрение «христианским гуманизмом». Рассматривал христианство не как отрицание античной культуры, а как ее продолжение. Стремясь к «возрождению» идей и идеалов раннего христианства, главным истоком Эразм считает Писание. Нравственное и историческое толкование Писания важнее любых догматических дискуссий. Христа он ставит в одном ряду с мудрецами античности. Его лучшая книга «Похвала глупости» (1511) является сатирой на современное общество. Все слои и нации, все сословия, все люди подвержены глупости, причем «каждый дурачится на свой лад». Автор проводит мысль о том, что глупость заключена в самой человеческой природе. Но глупость преодолима и разум, в конечном счете, должен восторжествовать.

Многочисленные выступления против церкви, постоянная критика пороков католической иерархии не оттолкнули от Эразма римских пап, неоднократно предлагавших ему кардинальскую мантию. Э. Роттердамский видит добродетели в свободе и ясности духа, в миролюбии, воздержанности, образованности, простоте. Пороками считает фанатизм, невежество, насилие, лицемерие, интеллектуальную вычурность. Он считает, что для человеческого бытия наиболее пагубны одержимость, склонность к эксцессам, интеллектуальная ослепленность.

Век Северного Возрождения был недолог, но в истории культуры эта эпоха осталась как поразительно ценное явление, как клуб гениев, мастеров слова и живописи. Готический мистицизм в большей степени служил основой Северного Возрождения, но преодоление мрачных сторон национального мироощущения народа, вовлечение северных стран в общеевропейский культурный процесс началось именно в эпоху Северного Возрождения.

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. .

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто - это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин - и он - величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. . 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы - это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен..

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения - это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Renaissance - в переводе с французского означает "Возрождение". Именно так назвали целую эпоху, символизирующую интеллектуальный и художественный расцвет европейской культуры. Возрождение зародилось в Италии в начале XIV века, возвещая угасание эпохи культурного упадка и Средневековья), в основе которой лежали варварство и невежество, и, развиваясь, достигло своего пика в XVI веке.

Впервые об эпохе Возрождения написал историограф итальянского происхождения, живописец и автор трудов о жизни знаменитых художников, ваятелей и зодчих в начале XVI века.

Изначально термин "Возрождение" означал определённый период (начала XIV века) образования новой волны искусства. Но спустя время это понятие приобрело более широкую трактовку и стало обозначать целую эпоху развития и формирования культуры, противоположной феодализму.

Период Ренессанса тесно связан с возникновением новых стилей и техник живописи в Италии. Появляется интерес к античным образам. Светскость и антропоцентризм являются неотъемлемыми чертами, наполняющими скульптуры того времени и живопись. Эпоха Возрождения вытесняет аскетизм, характеризующий средневековую эпоху. Приходит интерес ко всему мирскому, безграничной красоте природы и, конечно же, человеку. Художники эпохи Возрождения подходят к видению тела человека с научной точки зрения, стараются проработать всё до мельчайших деталей. Картины становятся реалистичными. Живопись насыщена неповторимым стилем. Она установила основные каноны вкуса в искусстве. Широко распространяется новая концепция мировоззрения под названием "гуманизм", согласно которой человек считается высшей ценностью.

периода Ренессанса

Дух расцвета имеет широкое выражение в картинах того времени и наполняет особой чувственностью живопись. Эпоха Возрождения связывает культуру с наукой. Художники стали рассматривать искусство как отрасль знаний, изучая досконально физиологию человека и окружающий мир. Это делалось для того, чтобы более реалистично отобразить истинность Божьего создания и происходящие события на своих полотнах. Большое внимание уделялось изображению религиозных сюжетов, которые приобретали земное содержание благодаря мастерству гениев, таких как Леонардо да Винчи.

Выделяют пять этапов развития итальянского искусства Ренессанса.

Интернациональная (придворная) готика

Зародившаяся в начале XIII века придворная готика (ducento) характеризуется избыточной красочностью, помпезностью и вычурностью. Основным видом картин является миниатюра с изображением алтарных сюжетов. Художники используют темперные краски, создавая свою живопись. Эпоха Возрождения богата знаменитыми представителями данного периода, например, такими как итальянские живописцы Витторе Карпаччо и Сандро Боттичелли.

Период Предвозрождения (Проторенессанс)

Следующий этап, который, как считается, предвосхитил эпоху Ренессанса, называется Проторенессанс (trecento) и приходится на конец XIII - начало XIV века. В связи со стремительным развитием гуманистического мировоззрения живопись данного исторического периода раскрывает внутренний мир человека, его душу, имеет глубокий психологический смысл, но в то же время обладает простой и ясной структурой. Религиозные сюжеты отходят на второй план, а светские становятся лидирующими, и в качестве главного героя выступает человек с его чувствами, мимикой и жестами. Появляются первые портреты итальянского Ренессанса, занимающие место икон. Известные художники этого периода - Джотто, Пьетро Лоренцетти.

Раннее Возрождение

В начале начинается этап раннего Возрождения (quattrocento), символизирующий расцвет живописи с отсутствием религиозных сюжетов. Лики на иконах приобретают человеческий вид, а пейзаж, как жанр в живописи, занимает отдельную нишу. Основателем художественной культуры раннего Ренессанса выступает Мозаччо, в основе концепции которого лежит интеллектуальность. Его картины обладают высоким реализмом. Великие мастера исследовали линейную и воздушную перспективу, анатомию и использовали знания в своих творениях, на которых можно увидеть правильное трехмерное пространство. Представителями раннего Возрождения являются Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Поллайоло, Вероккьо.

Высокое Возрождение, или "Золотой век"

С конца XV века начался этап высокого Возрождения (cinquecento) и продлился относительно недолго, до начала XVI века. Его центром стали Венеция и Рим. Деятели искусства расширяют свой идейный кругозор и интересуются космосом. Человек предстаёт в образе героя, совершенного как духовно, так и физически. Деятелями этой эпохи считаются Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан Вечеллио, Микеланджело Буонарротти и другие. Великий художник Леонардо да Винчи был "универсальным человеком" и находился в постоянном поиске истины. Занимаясь скульптурой, драматургией, различными научными опытами, он умудрялся находить время для живописи. Творение "Мадонна в скалах" наглядно отображает созданный живописцем стиль светотени, где соединение света и тени создаёт эффект объёмности, а знаменитая "Джоконда" выполнена с использованием техники "смуффато", создающая иллюзию дымки.

Позднее Возрождение

В период позднего Возрождения, который приходится на начало XVI века, произошёл захват и разграбление города Рима германскими войсками. Это событие положило начало эпохе угасания. Римский культурный центр перестал быть покровителем у самых знаменитых деятелей, и они были вынуждены разъехаться в другие города Европы. В результате нарастания несоответствий взглядов между христианской верой и гуманизмом в конце XV века маньеризм становится преобладающим стилем, характеризующим живопись. Эпоха Возрождения постепенно подходит к концу, поскольку основой данного стиля считается красивая манера, которая затмевает представления о гармонии мира, правде и всесильности разума. Творчество становится сложным и приобретает черты противоборства различных направлений. Гениальные работы принадлежат таким известным художникам, как Паоло Веронезе, Тиноретто, Якопо Понтормо (Карруччи).

Италия стала культурным центром живописи и одарила мир гениальными художниками этого периода, картины которых и по сей день вызывают эмоциональный восторг.

Помимо Италии, развитие искусства и живописи имело важное место и в других странах Европы. Это течение получило название Особенно стоит отметить живопись Франции эпохи Возрождения, которая выросла на собственной почве. Окончание Столетней войны вызвало рост всеобщего самосознания и развитие гуманизма. Во присутствует реализм, связь с научными знаниями, тяготение к образам античности. Все перечисленные черты сближают его с итальянским, но присутствие трагичной нотки в полотнах является значимым отличием. Известные художники эпохи Возрождения во Франции - Ангерран Шаронтон, Никола Фромана, Жан Фуке, Жан Клуэ Старший.

Живопись эпохи Возрождения составляет золотой фонд не только европейского, но и мирового искусства. Период Ренессанса пришел на смену темному Средневековью, подчиненному до мозга костей церковным канонам, и предшествовал последующему Просвещению и Новому времени.

Исчислять продолжительность периода стоит в зависимости от страны. Эпоха культурного расцвета, как ее принято называть, началась в Италии в XIV в., а уже затем распространилась по всей Европе и достигла своего апогея к концу XV века. Историки делят данный период в искусстве на четыре этапа: Проторенессан, раннее, высокое и позднее Возрождение. Особую ценность и интерес представляет, безусловно, итальянская живопись эпохи Возрождения, однако не стоит упускать из внимания и французских, немецких, нидерландских мастеров. Именно о них в контексте временных периодов Ренессанса далее и пойдет речь в статье.

Проторенессанс

Период Проторенессанса длился со второй половины XIII в. по XIV в. Он тесно связан со Средневековьем, в поздний этап которого зародился. Проторенессанс является предшественником Возрождения и сочетает в себе византийские, романские и готические традиции. Раньше всего веяния новой эпохи проявились в скульптуре, а уже затем в живописи. Последняя была представлена двумя школами Сиены и Флоренции.

Главной фигурой периода был художник и архитектор Джотто ди Бондоне. Представитель флорентийской школы живописи стал реформатором. Он наметил путь, по которому она далее развивалась. Особенности живописи эпохи Возрождения берут начало именно в этот период. Принято считать, что у Джотто получилось преодолеть в своих работах общий для Византии и Италии стиль иконописи. Он сделал пространство не двухмерным, а трехмерным, используя для создания иллюзии глубины светотень. На фото картина «Поцелуй Иуды».

Представители флорентийской школы стояли у истоков эпохи Возрождения и делали все, чтобы вывести живопись из продолжительного средневекового застоя.

Период Проторенессанса разделился на две части: до и после его смерти. До 1337 года работают самые яркие мастера и происходят важнейшие открытия. После Италию накрывает эпидемия чумы.

Живопись эпохи Возрождения: кратко о раннем периоде

Раннее Возрождение охватывает период продолжительностью 80 лет: с 1420 г. по 1500 г. В это время оно еще не окончательно отходит от прошлых традиций и по-прежнему связано с искусством Средневековья. Однако уже чувствуется дыхание новых тенденций, мастера начинают чаще обращаться к элементам классической древности. В конечном итоге художники полностью бросают средневековый стиль и начинают смело пользоваться лучшими образцами античной культуры. Отметим, что процесс шел довольно медленно, шаг за шагом.

Яркие представители раннего Возрождения

Творчество итальянского художника Пьеро дела Франческа полностью принадлежит к периоду раннего Возрождения. Его произведения отличает благородство, величественная красота и гармония, точность перспективы, мягкая цветовая гамма, наполненная светом. В последние годы жизни помимо живописи он углубленно изучал математику и даже написал два собственных трактата. Его учеником был еще один известный живописец, Луки Синьорелли, а стиль отразился на работах многих умбрийских мастеров. На фото выше фрагмент фрески в церкви Сан Франческо в Ареццо «История царицы Савской».

Доменико Гирландайо - это еще один яркий представитель флорентийской школы живописи эпохи Возрождения раннего периода. Он являлся основателем известной художественной династии и главой мастерской, где начинал юный Микеланджело. Гирландайо был знаменитым и успешным мастером, занимавшимся не только фресковыми росписями (капелла Торнабуони, Сикстинская), но и станочной живописью («Поклонение волхвов», «Рождество», «Старик с внуком», «Портрет Джованны Торнабуони» - на фото ниже).

Высокое Возрождение

Данный период, в который произошло пышное развитие стиля, приходится на 1500-1527 гг. В это время происходит перемещение центра итальянского искусства в Рим из Флоренции. Связано это с восхождением на папский престол честолюбивого, предприимчивого Юлия II, который привлек к своему двору самых лучших художников Италии. Рим стал чем-то вроде Афин во времена Перикла и переживал невероятный подъем и строительный бум. При этом наблюдается гармония между отраслями искусства: скульптура, архитектура и живопись. Эпоха Возрождения объединила их. Они словно идут рука об руку, дополняя друг друга и взаимодействуя.

Античность изучается в период Высокого Возрождения более основательно и воспроизводится с максимальной точностью, строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие заменяют кокетливую красоту, а средневековые традиции забываются совершенно. Вершину Ренессанса знаменует творчество трех величайших итальянских мастеров: Рафаэль Санти (картина «Донна Велата» на изображении выше), Микеланджело и Леонардо да Винчи («Мона Лиза» - на первом фото).

Позднее Возрождение

Позднее Возрождение охватывает в Италии период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Искусствоведы и историки сводят произведения этого времени к общему знаменателю с большой долей условности. Южная Европа находилась под влиянием восторжествовавшей в ней Контрреформации, которая с большой опаской воспринимала всякое свободомыслие, в том числе и произошедшее воскрешение идеалов античности.

Во Флоренции наблюдалось доминирование маньеризма, характеризующегося надуманностью цветов и изломанными линиями. Впрочем в Парму, где трудился Корреджо, он добрался только после смерти мастера. Свой путь развития имела венецианская живопись эпохи Возрождения позднего периода. Работавшие там до 1570-х годов Палладио и Тициан являются его ярчайшими представителями. Их творчество не имело ничего общего с новыми веяниями в Риме и Флоренции.

Северное Возрождение

Данный термин используется для характеристики эпохи Возрождения во всей Европе, находившейся за пределами Италии в целом и в частности в германоязычных странах. Оно имеет ряд особенностей. Северное Возрождение не было однородным и в каждой стране характеризовалось специфическими чертами. Искусствоведы разделяют его на несколько направлений: французское, немецкое, нидерландское, испанское, польское, английское и т. д.

Пробуждение Европы шло двумя путями: развитие и распространение гуманистического светского мировоззрения, и развитие идей обновления религиозных традиций. Оба они соприкасались, иногда сливались, но в тоже время были антагонистами. Италия выбрала первый путь, а Северная Европа - второй.

На искусство севера, в т. ч. живопись, эпоха Возрождения практически не оказывала никакого влияния вплоть до 1450 г. С 1500 г. она распространилась по всему континенту, однако в некоторых местах влияние поздней готики сохранилось вплоть до наступления барокко.

Северное Возрождение характеризуется значительным влиянием готического стиля, менее пристальным вниманием к изучению античности и анатомии человека, детализированной и тщательной техникой письма. Важное идеологическое влияние на него оказала Реформация.

Французское Северное Возрождение

Наиболее близкой к итальянской является французская живопись. Эпоха Возрождения для культуры Франции стала важным этапом. В это время активно укрепляется монархия и буржуазные отношения, религиозные идеи Средневековья отходят на второй план, уступая место гуманистическим тенденциям. Представители: Франсуа Кенель, Жан Фуке (на фото фрагмент "Меленского диптиха" мастера), Жан Клуз, Жан Гужон, Марк Дюваль, Франсуа Клуэ.

Немецкое и голландское Северное Возрождение

Выдающиеся работы Северного Возрождения созданы немецкими и фламандо-голландскими мастерами. Существенную роль в этих странах по-прежнему играла религия, и она сильно влияла на живопись. Эпоха Возрождения прошла в Нидерландах и Германии другим путем. В отличие от произведения итальянских мастеров художники этих стран человека не ставили в центр вселенной. На протяжении практически всего XV в. они изображали его в стиле готики: легким и бесплотным. Наиболее яркими представителями голландского Ренессанса являются Хуберт ван Эйк, Ян ван Эйк, Роберт Кампен, Гуго ван дер Гус, немецкого - Альберт Дюрер, Лукас Кранах старший, Ганс Гольбейн, Маттиас Грюневальд.

На фото автопортерет А. Дюрера 1498 г.

Несмотря на то что работы северных мастеров значительно отличаются от произведений итальянских живописцев, они в любом случае признаны бесценными экспонатами изобразительного искусства.

Живописи эпохи Возрождения, как и всей культуре в целом, свойственен светский характер, гуманизм и так называемый антропоцентризм, или, иными словами, первостепенный интерес к человеку и его деятельности. В этот период случился настоящий расцвет интереса к античному искусству, и произошло его возрождение. Эпоха подарила миру целую плеяду гениальных скульпторов, архитекторов, писателей, поэтов и художников. Никогда до этого и после культурный расцвет не носил столь массовый характер.

В отличие от Италии, Возрождение пришло во Францию, Германию и Нидерланды позднее. Средневековые традиции неохотно уступали место новому, поэтому в искусстве Северного Возрождения, ограниченного рамками первой трети XV–XVI в., мистическое мироощущение и готический стиль соединились с классицистическими тенденциями нового времени. В произведениях художников Северного Возрождения более остро, чем в живописи итальянцев, проявился интерес к человеческой личности и к ее окружению. Очень ярко в них выразилась и идея Божественной гармонии; религиозность заметна даже в самых мелких деталях полотен французских, немецких и голландских мастеров: кажется, что они обожествляют каждый листочек на дереве и каждую травинку на земле. Одна из характерных черт живописи Северного Возрождения - натурализм. Подчеркивая индивидуальные черты, художники придают библейским персонажам сходство с натурщиками. Это свойственно произведениям Х. Бальдунга Грина, Я. ван Эйка и А. Дюрера, стремившегося соединить готические натурализм и экспрессивность с идеализацией классицизма. В произведениях многих художников натурализм порой приобретал грубые и даже отталкивающие формы. Другая особенность искусства этого периода - экспрессивность. Человеческие фигуры на картинах очень динамичны, нередко их пропорции деформированны. Экспрессия и напряженность свойственны и окружающему героев пейзажу, драпировкам, одеждам. Мистицизм и отстраненность, присущие живописи мастеров Северной Европы, сочетаются с элементами конкретики: художники облачают персонажей в современную одежду, тщательно выписывая ее детали. Основоположниками Северного Возрождения по праву считаются нидерландские живописцы братья Ян ван Эйк и Хуберт ван Эйк, Рогир ван дер Вейден, Ханс Мемлинг, работавшие в XV в. Несколько позднее их идеи и живописная техника были подхвачены художниками Германии. По своей стилистике живопись Северного Возрождения неоднородна: в Нидерландах она отличалась чертами пантеизма и натурализма, в Германии ей был свойствен мистический спиритуализм (что особенно заметно в творчестве М. Грюневальда), а во Франции - сенсуализм.