Ключевые образы серебряного века. Серебряный век в руссkой художественной культуре Картины серебряного века русской культуры

На рубеже XIX-XX веков в русской живописи происходили значительные перемены. Отходили на второй план жанровые сцены. Пейзаж терял фотографичность и линейную перспективу, становился более демократичным, основываясь на сочетании и игре цветовых пятен. В портретах нередко сочетались орнаментальная условность фона и скульптурная чёткость лица.

Начало нового этапа русской живописи связано с творческим объединением «Мир искусства». В конце 80-х годов XIX в. в Петербурге возник кружок гимназистов и студентов, любителей искусства. Они собрались на квартире одного из участников – Александра Бенуа. Обаятельный, умевший создать вокруг себя творческую атмосферу, он с самого начала стал душою кружка. Постоянными его членами были Константин Сомов и Лев Бакст . Позднее к ним присоединились Евгений Лансере, племянник Бенуа, и Сергей Дягилев , приехавший из провинции.

Заседания кружка носили немного шутовской характер. Но доклады, с которыми выступали его члены, готовились тщательно и серьёзно. Друзей увлекала мысль об объединении всех видов искусства и сближении культур разных народов. С тревогой и горечью говорили они о том, что русское искусство мало известно на Западе и отечественные мастера недостаточно знакомы с достижениями современных европейских художников.

Друзья взрослели, уходили в творчество, создавали свои первые серьёзные работы. И не заметили, как во главе кружка оказался Дягилев. Прежний провинциал превратился в высокообразованного молодого человека с утончённым художественным вкусом и деловой хваткой. Сам он не занимался профессионально ни одним видом искусства, но стал главным организатором нового творческого объединения. В характере Дягилева деловитость и трезвый расчёт уживались с некоторой авантюрностью, и его смелые затеи чаще всего приносили удачу.

В 1898 г. Дягилев устроил в Петербурге выставку русских и финских художников. По существу это была первая выставка художников нового направления. Затем последовали другие вернисажи и, наконец, в 1906 г. – выставка в Париже «Два века русской живописи и скульптуры». «Культурный прорыв» России в Западную Европу произошёл благодаря усилиям и энтузиазму Дягилева и его друзей.

В 1898 г. кружок Бенуа-Дягилева стал издавать журнал «Мир искусства». В программной статье Дягилева говорилось, что целью искусства является самовыражение творца. Искусство, писал Дягилев, не должно использоваться для иллюстрации каких-либо социальных доктрин. Если оно подлинное, оно само по себе – правда жизни, художественное обобщение, а иногда и откровение.

Название «Мир искусства» от журнала перешло к творческому объединению художников, костяк которого составляли всё тот же кружок. К объединению примкнули такие мастера, как В. А. Серов, М. А. Врубель, М. В. Нестеров, И. И. Левитан, Н. К. Рерих. Все они мало походили друг на друга, работали в разной творческой манере. И всё же в их творчестве, настроениях и взглядах было много общего.

«Мирискусников» тревожило наступление промышленной эры, когда разрастались огромные города, застроенные безликими фабричными зданиями и населёнными одинокими людьми. Их беспокоило, что искусство, призванное вносить в жизнь гармонию и умиротворение, всё более вытеснялось из неё и становилось достоянием небольшого круга «избранных». Они надеялись, что искусство, вернувшись в жизнь, постепенно смягчит, одухотворит и объединит людей.

«Мирискусники» считали, что в доиндустриальные времена люди ближе соприкасались с искусством и природой. Особо привлекательным казался им XVIII в. Но они всё же понимали, что век Вольтера и Екатерины не был столь гармоничен, как он им представляется, а потому единица версальских и царскосельских пейзажей с королями, императрицами, кавалерами и дамами окутывается у них в лёгкую дымку грусти и самоиронии. Каждый такой пейзаж А. Н. Бенуа, К. А. Сомова или Е. Е. Лансере окончен как бы со вздохом: жаль, что это безвозвратно прошло! Жаль, что на самом деле это было не так красиво!

Масляная живопись, казавшаяся художникам «Мира искусства» несколько тяжеловатой, отошла в их творчестве на второй план. Гораздо чаще употреблялась акварель, пастель, гуашь, позволявшие создавать произведения в лёгких, воздушных тонах. Особую роль в творчестве нового поколения художников играл рисунок. Возродилось искусство гравюры. Большая заслуга в этом принадлежит А. П. Остроумовой-Лебедевой. Мастер городского пейзажа, она запечатлела в своих гравюрах многие европейские города (Рим, Париж, Амстердам, Брюгге). Но в центре её творчества были Петербург и его дворцовые пригороды – Царское Село, Павловск, Гатчина. Сурово-сдержанный облик северной столицы на её гравюрах отразился в напряжённом ритме силуэтов и линий, в контрастах белого, чёрного и серого цветов.

С творчеством «мирискусников» связано возрождение книжной графики, искусства книги. Не ограничиваясь иллюстрациями, художники вводили в книги заставные листы, затейливые виньетки и концовки в стиле «модерн». Пришло понимание того, что оформление книги должно тесно быть тесно связано с её содержанием. Художник-оформитель начал обращать внимание на такие детали, как формат книги, цвет бумаги, шрифт, обрез. Оформлением книг занимались многие выдающиеся мастера того времени. Пушкинский «Медный всадник» прочно соединился с рисунками Бенуа, а толстовский «Хаджи-Мурат» - с иллюстрациями Лансере. Начало XX в. отложилось на библиотечных полках многими высококлассными образцами книжного искусства.

Художники «Мира искусства» отдали щедрую дань искусству, прежде всего музыкальному. Декорации художников того времени – то изысканно-утончённые, то полыхающие как пожар, - соединяясь с музыкой, танцем, пением, создавали ослепительно-роскошное зрелище. В успех балета «Шехерезада» (на музыку Римского-Корсакова) немалый вклад внёс Л. С. Бакст. Столь же ярко, празднично оформил А. Я. Головин балет «Жар-птица» (на музыку И. Ф. Стравинского). Декорации Н. К. Рериха к опере «Князь Игорь», наоборот, очень сдержанны и суровы.

Балет «Петрушка», обошедший театральные подмостки многих стран, был совместным произведением композитора Игоря Стравинского и художника Александра Бенуа. Незатейливый сюжет о том, как Петрушка полюбил Балерину, разыгранный изящно, с лёгкой иронией и грустью, навеивал невесёлые мысли о судьбе художника в безжалостном мире, где господствуют физическая сила и грубые страсти.

В области театральной живописи «мирискусники» ближе всего подошли к исполнению своей заветной мечты – соединить разные виды искусства в одно произведение.

Судьба объединения «Мир искусства» оказалась непростой. Журнал перестал издаваться после 1904 г. К этому времени многие художники отошли от объединения, и оно сократилось до размеров первоначального кружка. Творческие и личные связи его членов продолжались многие годы. «Мир искусства» стал художественным символом границы двух веков. С ним связан целый этап в развитии русской живописи. Особое место в объединении занимали М. А. Врубель, М. В. Нестеров и Н. К. Рерих.

Михаил Александрович Врубель (1856 – 1910) был разносторонним мастером. Он с успехом работал над монументальными росписями, картинами, декорациями, книжными иллюстрациями, рисунками для витражей. И всегда оставался самим собой, пылким, увлекающимся, ранимым. Три главные темы, три мотива проходят через его творчество.

Первый, одухотворённо возвышенный проявился, прежде всего, в образе юной Богоматери с младенцем, написанном для иконостаса Кирилловской церкви в Киеве.

Демонические мотивы у Врубеля навеяны были поэзией Лермонтова. Но врубелевский Демон стал самостоятельным художественным образом. Для Врубеля Демон, падший и грешный ангел, оказался как бы вторым «я» - своеобразным лирическим героем. С особой силой эта тема прозвучала в картине «Демон сидящий». Могучая фигура Демона закрывает почти всё полотно. Кажется, он должен встать и распрямиться. Но опущены руки, до боли сцеплены пальцы, а в глазах глубокая тоска. Таков врубелевский Демон: в отличии от лермонтовского, он не столько беспощадный разрушитель, сколько страдающая личность.

В 1896 г. для Всероссийской выставки в Нижнем Новгороде Врубель написал панно «Микула Селянинович», в котором наделил народного героя-пахаря такой мощью, словно в нём была заключена первобытная сила самой земли. Так в творчестве Врубеля проявилось третье направление – эпически-народное. В этом духе был написан и его «Богатырь», преувеличенно-мощный, восседающий на огромном коне. К этой серии примыкает картина «Пан». Лесное божество изображено в виде морщинистого старика с голубыми глазами и крепкими руками.

Последние годы жизни Врубеля были обречены тяжёлой душевной болезнью. В моменты просветления у него рождались новые замыслы – «Видение пророка Иезекииля», «Шестикрылый Серафим». Возможно, он хотел соединить, слить воедино три основных направления своего творчества. Но такой синтез был не по силам даже Врубелю. В день его похорон Бенуа сказал, что будущие поколения «будут оглядываться на последние десятки лет XIX в. как на «эпоху Врубеля»… Именно в нём наше время выразилось в самое красивое и самое печальное, на что оно было способно».

Михаил Васильевич Нестеров (1862-1942) ранние свои работы писал в духе передвижников. Но затем в его творчестве зазвучали религиозные мотивы. Нестеров написал цикл картин, посвящённых Сергею Радонежскому. Самой ранней из них была картина «Видение отроку Варфоломею» (1889-1890). Белоголовый мальчик, которому был назначен жребий стать духовным наставником Древней Руси, благоговейно внимает пророческим словам, и вся природа, простой русский пейзаж конца лета, казалось, наполнена этим чувством благоговения.

Природа играет в нестеровской живописи особую роль. В его картинах она выступает как «действующее лицо», усиливая общее настроение. Особенно удавались художнику тонкие и прозрачные пейзажи северного лета. Среднерусскую природу он любил рисовать на пороге осени, когда притихшие поля и леса настраивались на её ожидание. У Нестерова почти нет «безлюдных» пейзажей и редко встречаются картины без пейзажей.

Религиозные мотивы в творчестве Нестерова полнее всего выразились в его церковной живописи. По его эскизам исполнялись некоторые мозаичные работы на фасадах храма Воскресенья Христова, воздвигнутого в Петербурге на месте убийства Александра II.

Художник создал целую галерею портретов выдающихся людей России. Чаще всего он изображал своих героев на открытом воздухе, продолжая излюбленную свою тему «диалога» человека и природы. Л. Н. Толстой был запечатлён в отдалённом уголке яснополянского парка, религиозные философы С. Н. Булгаков и П. А. Флоренский – во время прогулки (картина «Философы»).

Портретная живопись стала основным направлением творчества Нестерова в годы Советской власти. Писал он преимущественно близких ему по духу людей, русских интеллигентов. Особым его достижением стал выразительный портрет академика И. П. Павлова.

Николай Константинович Рерих (1874 – 1947) в течение своей жизни создал более семи тысяч картин. Они украсили музеи многих городов в нашей стране и за рубежом. Художник стал общественным деятелем мирового масштаба. Но ранний этап его творчества принадлежит России.

В живопись Рерих пришёл через археологию. Ещё в гимназические годы участвовал он в раскопках древних курганов. Воображение юноши рисовало живые картины далёких эпох. После гимназии Рерих одновременно поступил в университет и Академию художеств. Молодой художник приступил к исполнению первого своего большого замысла – серии картин «Начало Руси. Славяне».

Первая картина в этой серии, «Гонец. Восстал род на род», была написана ещё в манере передвижников. В дальнейшем в рериховской живописи всё более активную роль стал играть цвет – чистый, интенсивный, необыкновенно выразительный. Так написана картина «Заморские гости». Интенсивным сине-зелёным цветом художник сумел передать чистоту и холод речной воды. Плещется по по ветру жёлто-багряный парус заморской ладьи. Его отражение дробится в волнах. Игра этих цветов идёт в окружении белого пунктира летающих чаек.

При всём своём интересе к древности Рерих не уходил из современной жизни, прислушивался к её голосам, умел улавливать то, что другие не слышали. Его глубоко тревожила обстановка в России и в мире. Начиная с 1912 г. Рерих создаёт серию странных картин, в которых, казалось бы, нет определённого места действия, перемешаны эпохи. Это своеобразные «вещие сны». Одна из таких картин называется «Ангел последний». В клубящихся красных облаках возносится ангел, покинув охваченную пожаром землю.

В картинах, написанных в годы войны, Рерих пытается воссоздать ценности религии и мирного труда. Он обращается к мотивам народного православия. На его полотнах святые сходят на землю, отводят от людей беду, оберегают от опасностей. Последние картины этой серии Рерих дописывал уже на чужбине. На одной из них («Звенигород») святые в белых одеждах и с золотыми нимбами выходят из древнего храма и благословляют землю. В советской России в это время разворачивались гонения на церковь, разрушались и осквернялись храмы. Святые уходили в народ.

Содержание 1 Литература 1.1 Поэтессы 1.1.1 А 1.1.2 Б 1.1.3 … Википедия

Хронологические рамки Серебряного века русской культуры не могут быть установлены с точностью до года. Начало этого периода обычно относят к первой половине 1890 х гг., между манифестами Николая Минского «При свете совести» (1890) и Дмитрия… … Википедия

Включает живописцев Российской империи, Советского Союза и Российской Федерации, активно работавших за рубежом. Содержание 1 XVIII век 2 XIX век 3 ХХ век 3.1 … Википедия

- … Википедия

Содержание 1 Декабристы 2 Революционеры 3 Военные и Герои Советского Союза … Википедия

- … Википедия

Эта статья предлагается к удалению. Пояснение причин и соответствующее обсуждение вы можете найти на странице Википедия:К удалению/19 октября 2012. Пока процесс обсуждения не завершён, статью можн … Википедия

Выставка произведений ленинградских художников, посвященная 60 летию Великого Октября Каталог выставки Место проведения … Википедия

Каталог выставки Место проведения: Л … Википедия

Каталог выставки Место проведения: Ленинград Государственный Русский музей Время проведения: 1960 Выставка произведений ленинградских художников 1960 года … Википедия

Книги

• Город Серебряного века , Володина Т. И.. Пространство города в русском изобразительном искусстве и литературе Серебряного века. Книга является первым в современной отечественной науке междисциплинарным исследованием темы…
• Город Серебряного века. Пространство города в русском изобразительном искусстве и литературе Серебряного века , Володина Т. И.. Пространство города в русском изобразительном искусстве и литературе Серебряного века. Книга является первым в современной отечественной науке междисциплинарнымисследованием темы пространства…

Творчество большинства русских художников этого периода сложно отнести к какому-то стилю. Все они сочетали в своих работах черты разных направлений и стилей - от реализма и импрессионизма до символизма и модерна. Так, Михаил Васильевич Нестеров (1862-1942) начинал писать в реалистической манере передвижников, но переживаемый им духовный кризис заставил его обратиться к образам святых подвижников прошлого. Именно так появилось одно из самых известных произведений Нестерова - «Видение отроку Варфоломею» (1889-1890), написанное на основе эпизода из жизни Сергия Радонежского. Огромную нагрузку в этой картине несет пейзаж, создающий настроение созерцательности и умиротворения. Эта картина стала началом «Сергиевского цикла» (1892-1899), в который вошел целый ряд работ, посвященных преподобному Сергию. В это же время появилось множество работ, героями которых были монахи, пустынники, отшельники, тоже написанные на фоне неброского русского пейзажа («Под благовест» «Великий постриг» и др.).

М.В. Нестеров Святая Русь

Этапными для творчества художника стали картины «Святая Русь», изображающая Христа в окружении русских святых и народа, и «На Руси», показывающая крестный ход. В них Нестерову удалось создать обобщенный образ русского народа.

Очень важной частью творческого наследия художника был портретный жанр. Особенно интересны портреты выдающихся русских философов и религиозных деятелей - П.А. Флоренского и С.Н. Булгакова, написанных прогуливающимися у Троице-Сергиевой лавры, а также портрет И.А. Ильина. Большое количество портретов московских ученых и художников было создано Нестеровым в советское время (ничего другого после революции он не писал).

На творчество Константина Алексеевича Коровина (1861 - 1939) большое влияние оказал импрессионизм. На его картинах тонкая игра света и тени и умение передать мимолетные впечатления и ощущения. Это создает присущую картинам Коровина атмосферу радости и полноты жизни. Чисто импрессионистским было у него равнодушие к сюжету и содержанию и повышенное внимание к форме, стремление решать чисто живописные задачи («Портрет хористки», пейзажи «Париж. Бульвар Капуцинок» «Зимой», натюрморты «Рыбы, вино и фрукты»).

Самая известная часть творческого наследия Валентина Александровича Серова (1865-1911) - портреты. Среди них знаменитая «Девочка с персиками», портрет дочери С.И. Мамонтова, в котором ему в полной мере удалось передать ощущение свежести, юности и чистоты. Художник умело помещал своих моделей в привычную для них обстановку, которая подчеркивала точные психологические образы, созданные художником. Именно поэтому хотя многие и стремились заказать портрет у модного и знаменитого художника, но в то же время опасались его беспощадного взгляда и тех характеристик, которые он давал своим персонажам. Так, хорошо видна ирония художника в портретах С.М. Боткиной, З.Н. Юсуповой, великого князя Павла Александровича. Больше всего Серов любил писать художников, писателей, артистов (в 1890-е годы он написал портреты К.А. Коровина, Н.С. Лескова, И.И. Левитана, Н.А. Римского-Корсакова, а в 1905-1911 гг. - М.Н. Ермоловой, Ф.И. Шаляпина, О.К. Орловой, М.А. Морозова, В.И. Качалова, Т.П. Карсавиной).

Не менее интересны пейзажи Серова, написанные в импрессионистической манере. Ему прекрасно удавалось передавать неброскую красоту русского пейзажа («Зима в Абрамцеве. Церковь», «Заросший пруд», «Октябрь. Домотканово» и др.). Участвуя в выставках объединения «Мир искусства», Серов заинтересовался исторической тематикой. Так появился цикл карандашных рисунков, гуашей, акварелей, картин темперой, маслом. Небольшие композиции кажутся необычайно жизненными, будто написаны с натуры («Выезд на охоту Петра II и Елизаветы Петровны», «Петр I»). Очень интересны картины Серова, написанные им после поездки в Грецию в 1907 г. Среди них знаменитая работа «Похищение Европы», написанная в стиле модерн, с характерным для него чистыми, яркими красками, тонким сочетанием условности и реальности.

Черты импрессионизма с собственными наблюдениями за натурой сочетал в своем творчестве Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов (1870-1905). Его интересовал не столько сюжет, сколько живописная техника. Он пытался запечатлеть игру воздуха и цвета. К концу 1890-х годов определился круг тем, интересующих художника - идеализированный мир старых «дворянских гнезд», в котором он прятался он потрясений современности. Картины Борисова- Мусатова написаны в технике пастели и темперы, дающей нежные, приглушенные тона - «Автопортрет с сестрой», «Осенний мотив», «Гармония», «Прогулка», «Гобелен». В поздних работах художника настроение щемящей тоски по прошлому постепенно перерастало в тревогу, тоску и отчаяние - «Водоем», «Изумрудное ожерелье», «Призраки», «Реквием».

В.А. Серов

Портрет Иды Рубинштейн

В портрете нашла отражение тема «жизни напоказ», увлекавшей художника. Ида Рубинштейн - знаменитая танцовщица и актриса, чья жизнь проходила под пристальным вниманием публики

В.Э. Борисов-Мусатов. Автопортрет с сестрой

В своих полотнах художник, подобно импрессионистам, пытался запечатлеть игру воздуха и цвета

К.С. Петров-Водкин. Сон

Картина решена в духе символизма. Пробуждения спящего ждут, словно две судьбы, две девы

М. Врубель. Пан

Молчание и тайна - полноправные персонажи в полотнах Врубеля

Свой собственный путь в живописи всю жизнь искал Михаил Александрович Врубель (1856-1910), также много работавший как декоратор, мастер по майолике, оформитель интерьеров. Его живописная манера дробления формы на грани, окрашенные изнутри светом и цветом, была близка к символизму. Музой Врубеля была певица Надежда Забела, впоследствии ставшая его женой. Ее черты мы находим во многих знаменитых работах художника - «Царевна-лебедь», «Сирень». Очень часто Врубель обращался к фольклору, мифологии, средневековым мотивам («Суд Париса», композиции «Фауст», «Маргарита» и «Мефистофель», «Микула Се- лянинович», «Принцесса Греза»). Значительное место в творчестве Врубеля занимает образ Демона, в котором художник пытался воплотить идею вызова миру, порыва личности к свободе. Художник вновь и вновь возвращался к Демону, рисуя его по-разному («Демон поверженный», «Демон сидящий»). Врубель также был прекрасным портретистом, с легкостью передавал портретное сходство и черты характера человека. В 1902 г. Врубель тяжело заболел, и остаток жизни провел в больницах, уничтожая практически все свои рисунки и наброски.

Последовательным символистом был Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939). На его творческую манеру оказали серьезное влияние Серов, Врубель, Гоген, Шаванн, набисты, но постепенно главной для него становится традиция древнерусского искусства. Зрелым мастером он стал в 1910-х. Тогда появились такие знаменитые его работы, как «Сон», «Мальчики». Программной в творчестве художника стала картина «Купание красного коня», в которой воплощена мечта о красоте, о готовности к будущим испытаниям. Краски играют особую роль в картинах Петрова-Водкина, цвет становится основой символа, выразителем своеобразного мифологического мышления художника. Позже появились и другие работы художника, в которых он развивал те же принципы, - «Мать», «Девушки на Волге», «Утро. Купальщицы», «1918 год в Петрограде», «Смерть комиссара». Верность своей творческой манере художник сохранял и в советское время.

авангард
абстракционизм
футуризм
кубофутуризм
супрематизм
лучизм
символизм

Авангард

Расцвет приходится на 1914-1922 гг
Основные направления
- абстракционизм
- футуризм
- кубофутуризм
- супрематизм
Предпосылки возникновения: переосмысление
традиционных культурных ценностей, развитие научнотехнического процесса

Объединение «Бубновый валет»

Дата появления: 1911 г.
Сначала были только московские живописцы, затем
петербургские, позже из разных городов.
Отрицание традиций реализма XIX века, стиль: фовизм и
кубизм, приёмы русской народной игрушки
В 1912 году откалывается ряд художников, тяготевших к
абстракционизму, кубофутуризму.
Участники:
– Н. Гончарова
– П. Кончаловский
– А. Куприн
– М. Ларионов

Направления авангарда

Абстракционизм
Отказ от реального изображения форм
Создание нереальных форм, определённых цветовых
сочетаний для вызывания у зрителей разнообразных
ассоциаций
Основоположники:
- Василий Кандинский
- Казимир Малевич
- Наталья Гончарова
- Михаил Ларионов
Первая абстрактная картина написана Кандинским в конце
1900 г.

Полотна В. Кандинского

Казаки (1917)
Жёлто-красно-голубое (1925)
Акцент
розового (1926)
Наплыв импровизации
(1913)

Футуризм
Приходится на 1910-1920 гг
Художников привлекало не содержание, а форма
Главные художественные принципы – это скорость, движение
энергия
Для живописи характерно:
– энергические композиции
– преобладание зигзагов, спиралей, скошенных конусов
– наложение фигур друг на друга

Кубофутуризм
Приходится на 1911-1915 гг
Картины составлены из цилиндро-, конусо-, колбо- форм,
имеющих металлический блеск
Художники остро ощутили наступление нового этапа жизни и
поняли, что для его выражения требуются новые средства

Супрематизм
Направление основано Казимиром Малевичем в 1910 г
Особенности живописи:
– комбинации различных цветов
– Простейшие геометрические фигуры (прямая линия, квадрат,
круг, прямоугольник)
Супрематические картины – первый шаг «чистого творчества»
(уравновешивание творческой силы человека и Бога)
Малевичем создана группа «УНОВИС» (Утвердители Нового
Искусства), которая развивала идеи супрематизма, вела
революционную деятельность.

Полотна К. Малевича

Супрематизм
(1916)
Лесоруб
Чёрный квадрат
Конница

Лучизм

Направление появилось в 1910 х гг.
Художники изображали не сам предмет, а лучи света,
отражённые от него (которые воспринимает глаз)
Лучи передаются с помощью цветных линий
Художники – участники объединения «Ослиный хвост»:
– Н. Гончарова
– М. Ларионов

Полотна М. Ларионова и Н. Гончаровой

Красный
лучизм
Ларионова
Лучистые
линии
Ларионова
Лучизм
Гончаровой
Лучистые
лилии
Гончаровой

Объединение «Ослиный хвост»

Основатели:
– М. Ларионов
– Н. Гончарова
Вышли из состава «Бубнового Валета» и решили создать
своё объединение
Художники стремились совместить «крайние течения»
живописи (кубизм и т.п.) с традициями народного искусства

Символизм

Для художников главное выражение красоты
Темы картин мифологические, сказочные
Религиозные сюжеты
Художники изображали моменты жизни
Художники-символисты:
– Э. Борисов-Мусатов
– М. Нестеров
– М. Врубель
– К. Петров-Водкин
– А. Васнецов
– В. Верещагин