Поп арт известные художники. Реферат поп-арт как направление в искусстве. Использование в интерьере
Поп-арт – это направление в искусстве, основанное на объектах массовой культуры и направленное на развлечения, коммерцию, а не на поиск глубинного смысла, философию и духовность. Ведущую роль в развитии направления играли: реклама, мода, тренды, иконы стиля, различные средства популяризации и коммерческого продвижения. Поп-арт был реакцией на серьезность абстракционизма и других стилей искусства 20 века. Стиль называют одним из ответвлений искусства авангарда.
История развития стиля
Это было одно из наиболее значимых и влиятельных художественных движений в живописи и других направлениях искусства 20 века, характеризуется специфическим выбором тем и методов, взятых из массовой популярной культуры. Стиль нацелен на широкую аудиторию, поскольку использует популярные образы. Благодаря доступности и простоте, поп-арт имел популярность.
Символизм как стиль в живописи
Движение было основано в 1950-х годах, пиком популярности стали 1960-е. Родина поп-арта – Великобритания, но наибольшего развития движение достигло в США, где столицей этого культурного направления стал Нью-Йорк. Основателями и наиболее известными творцами в стиле поп-арт были Энди Уорхол и Джаспер Джонс.
Независимая группа
Первые шаги нового стиля в живописи были связаны с деятельностью «Независимой группы» художников и архитекторов, основанной в 1952 году в Лондоне. Они первыми применили современные технологии для создания полотен с ведущими мотивами массовой и городской народной культуры. Основой для изучения стали американская культура. Пионеры стиля Э.Паолоцци и Р.Гамильтон изучали психологические влияния массовой культуры, ее смысл, лингвистическое содержание. В первую очередь, интересовали методы промышленной рекламы, современные технологии изготовления рекламы, техника создания коллажей.
Стиль живописи арт-деко
Это – завтра
В 1956 году состоялась выставка «Это – завтра». Живописцы представили на суд общественности картины в стиле поп-арт, на которых были изображены звезды Голливуда, кадры из известных кинофильмов с увеличением. Именно после выставки к течению присоединились многие выпускники школы искусств, которых вдохновил новый стиль.
США
В США стиль развился и популяризировался. Здесь большое внимание уделяли эстетизации банального – упаковки, товаров массового потребления. Суть американского поп-арта: предметы, которые потребляют люди, делают представителей разных социальных слоев равными между собой. Таким образом, поп-арт – искусство социального равенства.
Как термин
Термин, используемый для определения стиля, появился в 1955-1957 годах, благодаря Л.Эллоуэю – британскому критику. Самого автора понятия удивлял факт, что термин начали использовать для определения целого культурного движения. Сам Эллоуэй имел в виду продукты, имеющие коммерческое назначение, принадлежащие к элементам средств массовой информации.
Абстракционизм как стиль в живописи
Художники
Наиболее известные представители направления:
Кит Гаринг
Художник из Нью-Йорка, известен карикатурами. На его работы оказало влияние искусство граффити.
Дэвид Хокни
Считается одним из наиболее известных английских художников 20 века. Хокни был одним из лидеров развития поп-арта в Великобритании.
Джаспер Джонс
Известен картинами с изображением американского флага. Одна из известнейших работ – «Числа в цвете».
Рой Лихтенштейн
Один из известных создателей комиксов.
Уэйн Тибо
Прославился, благодаря картинам с изображением тортов, пирожных, игрушек.
Энди Уорхол
Наиболее знаменитый творец в стиле поп-арт. Узнаваем, благодаря использованию повторяющихся портретов и ярких оттенков в работах.
Особенности работ в стиле поп-арт
Используются изображения и значки, которые популярны в современном мире. Это портреты знаменитостей, звезд кино и музыки, предметов – например, безалкогольных напитков, комиксов, а также любые другие эмблемы и изделия, которые пользуются популярностью в коммерческом мире.
- В живописи используются яркие цвета, технику создания коллажей, объединяют в одном изображении несколько логически невзаимосвязанных объектов.
- Поп-арт полотна трудно не заметить в интерьере – они станут ярким акцентом в помещении, оформленном в современном стиле. Стиль поп-арт подразумевает использование различных текстур.
- Картина может включать надписи, слоганы, девизы – она напоминает рекламный плакат.
- Для создания работ применялись техники фотопечати, комбинирования с реальными предметами, проектирование.
- Эстетические идеалы были заимствованы из массовой культуры, популяризированной средствами массовой информации.
- Приемы художники заимствовали из промышленной рекламы.
Дадаизм как стиль в живописи
Стиль неоднократно подвергался критике. В 1962 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке провели симпозиум по поп-арту. Известный критик Х.Крамер настаивал на том, что необходимо противостоять развитию поп-арта, поскольку он популяризирует банальность, вульгарность, безвкусицу. По мнению критика, поп-арт – обычная реклама, которую пытаются облачить в форму искусства.
По мнению другого критика – С.Куница – поп-арт является продуктом пропаганды, а нацелен на формирование конформистского общества, преследующего сугубо потребительские цели. Вся символика и слоганы, по мнению Куница, превращали рекламные плакаты в псевдо искусство.
Цель поп-арта, которую вкладывали в свои работы художники – вернуться к реальности, от которой отступили абстракционисты. Главным звеном творчества стал предмет, связанный с индустриальной культурой, кинематографом, печатными изданиями, телевидением.
Не смотря на то, что этот стиль зародился в Лондоне, в итоге поп-арт оказался одним из символов Америки. В общепринятом понимании, так же как Элвис Пресли считается королем рок-н-ролла, культовой персоной в истории движения поп-арта признан американский авангардист Энди Уорхол
(1928-1987).
Именно он в начале семидесятых превратил банку томатного супа «Кэмпбелл » в арт-объект , выставив в художественной галерее десятки однотипных картин с ее изображением, тем самым сравнив продажу произведений искусства с продажей продуктов.
Этот метод «поточного искусства» Уорхол опробовал несколькими годами раньше, когда нанимал мальчишек, чтобы те раскрашивали его иллюстрации к сумасбродным рецептам его же пародийной .
И все-таки международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг (1925-2008), Рой Лихтенштейн(1923-1997) и Джаспер Джонс (1930). Это их идеи оказали непосредственное влияние на творчество Уорхола. Это Джонс был первооткрывателем идеи «тиража предметов», которую Уорхол позже довел до крайности, наталкивающей то ли на мысль о бесконечных рядах продуктов на полке супермаркета, то ли на движение кинокадров. Но даже удваивая образы, Джаспер Джонс совмещал в работах эмоциональность с концептуальными идеями поп-арта. К примеру, его пивные банки «Ballantine Ale » (1960), исполненные в бронзе и установленные на мраморное основание, до сих пор выглядят ироничным монументом самого массового американского товара.
Занятной деталью является и то, что знаменитое произведение было создано им в ответ на едкое замечание противника поп-арта, одного из лидеров абстрактного экспрессионизма Виллема де Кунинга, о способности галериста Лео Кастелли купить что угодно, даже пивные банки, если их обзовут искусством.
Естественно, еда и все, что с ней связано, попадала в область самого массового потребления. Особенно товары, которые реклама сделала культовыми. Продуктовая сеть с золотыми арками на фасаде не могла не стать целью поп-арт художников. Сегодняшний классик поп-арта Клаас Ольденбург еще на выставке 1962-го года представил зрителям образ популярного американского продукта Макдоналдса, оформленного в виде композиции «Гигантский гамбургер».
Гипертрофированные размеры придавали его образу своеобразный символизм и пародийное величие. В дополнение, материалом для работы была парусина, наполненная пенным составом.
Товарный фетишизм и идеология равных возможностей в США приводили к массовому поклонению брендам некоторых продуктов. Газировку «Кока-кола» реклама превратила в тотем демократии, якобы потому что «ее могут пить и президент в Белом доме, и бомж на улице». Но если роман английского писателя-фантаста Герберта Уэллса, издевательски названный «Тоно-Бэнге », представлял собой сатиру на агрессивную рекламу и распространение «Кока-Колы», то , заработал славу на полу-рекламных постерах в виде пикантных картин с изображением обнаженных девушек, рекламирующих этот и другие продуктовые бренды 50-х.
Поп-арт научился перемещать предметы в искусство. Но это были уже предметы не опоэтизированные художественным видением, а предметы нарочито бытовые, связанные с современной индустриальной культурой.
«…на мой взгляд, картина больше похожа на реальный мир, когда она сделана из объектов этого мира »
Утверждал один из основателей современного поп-арта Роберт Раушенберг.
Используя технику «ready-made» , унаследованную от теоретика искусства XX века Марселя Дюшана, и применяя приемы коллажа, поп-арт художники вводили в картину цитаты быта — элементы «массовой культуры», тем самым соединяя живопись с реальностью.
В 60-х в этом жанре начал работать и , который в начале своей карьеры промышлял иллюстрациями и карикатурами. В арт-работах он сочетал плоскостное изображение с реальными атрибутами домашнего быта.
В интерьере нарисованной им кухни, совсем как волшебная дверца в каморке Карло, теряется из виду инсталлированная дверца от настоящего холодильника. Зато десерты и коктейли на картине ««Великолепная американская обнаженная» поставлены художником во главу композиции как выдающийся артефакт потребительского рая. Если Вессельман монтировал «сладости жизни», используя технику коллажа, то красочное изображение ярких тортов и пирожных, конфет и десертов признано фирменным стилем
Для тех, кому картины Тибо кажутся черезчур «детскими», сообщим, что на аукционе Sotheby’s его картины продавались за несколько миллионов долларов.
Не менее высокую цену готовы заплатить коллекционеры поп-арта и за кусок вишневого пирога, который «испек» в печке собственного «производства» один из старейшин поп-артовского движения Рой Лихтенштейн.
Как бы не относились критики или зрители к поп-арту, но он стал одним из господствующих направлений современного модернистского искусства. Идеалистические обвинения в лженоваторстве и упадочничестве, предъявляемые поп-арту некоторыми искусствоведами, не повлияло на его развитие. Правда, если натурализм поп-арта начала ХХ века проявлялся в стремлении воспроизвести, «отзеркалить» реальную жизнь, то пройдя путь «от изображения к реальности», современный модернизм приобретает все более рациональные, потребительские формы от боди-арта до рекламных распродаж. Сфера действия «товарной эстетики» все больше смещается в сферу реализации товара и сферу развлечений. Недаром Рэй Крок, человек, который придумал McDonald’s в том виде, в котором он существует сейчас, любил повторять, что он работает не в пищепроме, а в шоу-бизнесе.
При таком взаимопроникновении, творчество многих ярких представителей поп-арта было и будет связано с продуктовой темой. Именно их деятельность мы постараемся более подробно отразить в отдельных статьях.
СОДЕРЖАНИЕ
| Введение.............................. .............................. .............................. | 3 | |
| 1. | Понятие и сущность поп-арта.............................. ...................... | 5 |
| 2. | Становление и развитие поп-арта как художественного направления.............................. .............................. ...................... | 9 |
| 3. | Представители поп-арта в искусстве.............................. .......... | 11 |
| 4. | Разновидности поп-арта .............................. .............................. .. | 15 |
| Заключение.............................. .............................. ......................... | 18 | |
| Библиографический список.............................. .......................... | 19 |
Введение
В
начале ХХ века классический тип мышления
эпохи модерна меняется на неклассический,
а в конце века - на постнеклассический.
Для фиксирования ментальной специфики
новой эпохи, которая кардинально отличалась
от предшествующей, был введен новый термин.
Современное состояние науки, культуры
и общества в целом в 70-е годы прошлого
века было охарактеризовано Ж.-Ф. Лиотаром
как «состояние постмодерна». Зарождение
постмодерна проходило в 60-70-е гг. ХХ века,
оно связано и логически вытекает из процессов
эпохи модерна как реакция на кризис её
идей, а также на так называемую смерть
супероснований: Бога (Ницше), автора (Барт),
человека (гуманитарности).
В
период постмодернизма деструкция охватывает
все аспекты культуры. Постмодернизм
как художественная эпоха несет в себе
художественную парадигму, утверждающую,
что человек не выдерживает давления мира
и становится постчеловеком. Все художественные
направления этого периода пронизаны
этой парадигмой, проявляя и преломляя
ее через свои инвариантные концепции
мира и личности. Поп-арт
–
демократ-приобретатель в обществе
«массового потребления»;
алеаторика –
человек - игрок в мире
случайных ситуаций; гиперреализм
–
обезличенная живая система в жестоком
и грубом мире; хеппенинг:
своевольная, анархически «свободная»,
манипулируемая личность в хаотичном
мире случайных событий и др.
Поп-арт
было движением 50-60- годов, которое отражало
повседневность и изображало обычные
утилитарные предметы. Художники поп-арта
размыли четкую границу между высоким
искусством и коммерческим
.
Поп-арт и по сей день
не теряет актуальности. Сегодня художественный
мир продолжает отражать некоторые из
идей и методов поп-арта как художественного
направления, а также продолжают использоваться
и материалы, введенные в художественный
обиход художниками поп-арта.
Целью
данной работы является рассмотрение
одного из направлений постмодернизма
– поп-арта.
В
рамках поставленной цели требуется
решение следующих задач:
- дать определение
понятию «поп-арт»;
охарактеризовать данное направление в искусстве;
рассмотреть творчество некоторых представителей поп-арта в искусстве;
рассмотреть основные разновидности (течения) поп-арта.
1. Понятие и сущность поп-арта
Поп-арт
(англ. Pop Art от popular art – популярное, естественное
искусство) – течение в авангардном искусстве
Западной Европы и США 1950-1960-х гг., в котором
изобразительное творчество подменялось
композициями из реальных объектов, как
правило, в неожиданных или совершенно
абсурдных сочетаниях, тем самым раскрывались
«новые аспекты реальной действительности».
Течение
поп-арта развилось из дадаизма, оно символизировало
«выход» искусства в область массовой
культуры, коммерческой рекламы, моды,
конъюнктуры рынка и, несмотря на ироничность,
стремление к эпатажу, унаследованные
от дадаистов, являлось не художественной,
в большинстве случаев, даже не эстетической
деятельностью. Основной категорией поп-арта
был не образ, а «обозначение» (лат. designatio),
избавляющее автора от «рукотворного»
процесса изображения чего-либо. Этот
термин ввел М. Дюшан с целью расширения
понятия искусства за пределы собственно
художественного рода деятельности» .
Поп-арт
- художественное удовлетворение «тоски
по предметности», порожденной долгим
господством в западном искусстве абстракционизма
и неоабстракционизма. Некоторые исследователи
даже рассматривают поп-арт как реакцию
на беспредметное искусство. Эстетизация
всего вещного мира становится принципом
этого искусства. Поп-арт - новое фигуративное
искусство. Абстракционистскому отказу
от реальности поп-арт противопоставил
грубый мир материальных вещей, которому
приписывается художественно-эстетический
статус .
Теоретики
поп-арта утверждают, что в определенном
контексте каждый предмет теряет свое
первоначальное значение и становится
произведением искусства. Поэтому задача
художника понимается не как создание
художественного предмета, а как придание
обыденному предмету художественных качеств
путем организации определенного контекста
его восприятия. Эстетизация вещного мира
становится принципом поп-арта. Художники
стремятся добиться броскости, наглядности,
доходчивости своих творений, используя
для этого поэтику этикетки и рекламы.
Поп-арт- это композиция бытовых предметов,
иногда в сочетании с муляжем или скульптурой.
Смятые автомобили, выцветшие фотографии,
обрывки газет и афиш, наклеенные на ящики,
чучело курицы под стеклянным колпаком,
выкрашенный белой масляной краской рваный
ботинок, электромоторы, старые шины или
газовые плиты - таковы художественные
экспонаты поп-арта.
У
этих художественных установок есть
своя эстетическая логика: предметы, в
античную эпоху имевшие чисто утилитарное
назначение (сосуды для хранения зерна,
амфоры, сохранявшие вино), со временем
обретали чисто художественный смысл
и ныне стоят на стендах «под стеклом»
в лучших музеях мира.
Художники
и теоретики поп-арта исходят из посылки:
вовсе не следует дожидаться того часа,
когда утилитарные изделия современной
эпохи утратят свое практическое назначение
и как античные амфоры обретут несомненную
художественную ценность. Можно и в этой
эстетической сфере «ускорить движение
истории» и современный ботинок водрузить
на музейный стенд, придавая этому экспонату
художественно-эстетический статус .
Поп-арт
ориентирован на интуитивистские и
иррационалистические принципы творчества
и подходы к реальности. Об этом
пишет западная критика: «Все лучшее,
что есть в поп-арте, действует косвенно...
Принцип, лежащий в основе этого искусства,
состоит в том, чтобы найти средство коммуникации,
подрезающее под корень всякое ясное формулирование
мысли»
Согласно
оценке западных критиков и эстетиков,
поп-арт - «антиискусство» (Г. Рид),
«извращение от искусства» (Плантер), «смесь
паноптикума и свалки» (Карл Борев), «зеркало
американской действительности» (Вилли
Бонд), «отражение мечты потребителя»
(Ричард Гамильтон), «оскорбление всему,
что является синонимом гармонии» (А. Боске),
«способ привлечения внимания к абстрактным
свойствам банальных вещей» (Рой Лихтенштейн).
Поп-арт
выдвинул концепцию личности потребителя
общества «массового потребления». Идеальная
личность поп-арта - человек-потребитель,
которому эстетизированные натюрморты
товарных композиций должны заменить
духовную культуру. Слова, подмененные
товарами, литература, вытесненная вещами,
красота, замененная полезностью, жадность
материального, товарного потребления,
заменяющая духовные потребности, характерны
для поп-арта. Это направление принципиально
ориентировано на массовую, нетворческую
личность, лишенную самостоятельности
мышления и заимствующую «свои» мысли
из рекламы и средств массовой коммуникации,
личность, манипулируемую телевидением
и другими СМИ. Эта личность программируется
поп-артом на исполнение заданных ролей
приобретателя и потребителя, покорно
сносящих отчуждающее воздействие современной
цивилизации. Личность поп-арта - зомби
масс-культуры.
Как
правило, поп-арт не касается общественной
проблематики. Некоторые течения поп-арта
оказали влияние на эстетику быта, другие
- на искусство оформления витрин.
Свойственные
поп-арту эстетизация и идеализация
вещи не раз встречались в искусстве.
Натюрморты «малых голландцев» воспевали
прелесть вещей, поэтизированных как творения
рук человека; в этих натюрмортах воспевались
продукты творческого труда. В поп-арте
вещь эстетизируется как предмет «массового
потребления» в «массовом обществе».
Возникает эстетизированный фетишизм
потребления, культ вещей. В этом особенность
поп-арта. Утверждая человека-приобретателя,
поп-арт поэтизирует вещь, которая должна
поступить в «массовое потребление», или
вещь, уже бывшую в употреблении, отслужившую,
устаревшую, но все еще хранящую на себе
печать использования человеком (композиции
из подержанных газовых плит, шин, мебели)
.
Демонстрация
старой, изношенной, израсходованной,
поломанной вещи «через отрицание» утверждает
новую, полноценную продукцию. Так, например,
на Всемирной выставке в Монреале в павильоне
США можно было видеть старый облезлый
автомобиль, с помощью которого «от противного»
рекламировались не только всемирно известные
марки американских машин, не только комфорт
и сервис, но и, в конечном счете, американский
образ жизни. Это важный рекламно-эстетический
прием поп-арта - показ старой, изношенной
или поломанной вещи, которая «от противного»
доказывает необходимость новой, полноценной
продукции.
Поп-арт
- рекламная пропаганда вещи и утверждение
фетишистского отношения к ней. Это достигается
с помощью коллажей (например, в композициях
К. Ольденбурга) или с помощью оформленного
интерьера (например, лопата, висящая на
цепочке, - «Кухня» Дж. Дайна). Эстетика
поп-арта - эстетика утилитаризма, часто
нигилистическая, через отрицание утверждающая
вещь как фетиш.
Поп-арт
- внешне бунтарское искусство, выполнявшее
«охранительную» функцию адаптации человека
к обществу. Целое крыло поп-арта сомкнулось
с социальным нигилизмом «новых левых».
Содержание поп-арта - всеобщее отрицание,
а цель - всеобщий, коллективный экстаз,
являющийся «актом бунта против всех и
всяческих форм отчуждения». Бунт «новых
левых» был формой вживания молодой личности
в западное общество. Крыло поп-арта, обслуживавшее
этот бунт, всячески стремилось уйти от
литературы, от слова, от эстетики - от
всего, что вербально формулирует мировоззренческие
ориентации личности. И в этом - внутреннее
противоречие бунтарей.
Поп-арта
смыкался с социальным нигилизмом «новых
левых», одушевленных пафосом всеобщего
отрицания «Новые левые» утверждали искусство,
которое вызывало экстаз аудитории. Это
воспринималось ими как высвобождение
«революционных потенций», как бунт против
отчуждения Для «новых левых» поп-музыка
и ее воздействие на массовую аудиторию
стали моделью общественной функции искусства.
Они отдавали предпочтение поп-музыке,
поскольку она, как правило, воспринимается
непосредственно, коллективно и экстатически
2. Становление и развитие поп-арта как художественного направления
США
больны комплексом культурной неполноценности:
они ощущают, что их историко-культурный
слой невелик (всего - двести-триста лет,
в Европе же в десять раз больший), к тому
же не цивилизация Америки, а культура
Парижа диктовала художественные моды
миру; как правило, новые художественные
направления рождались в Европе. И вот
именно Америка создает в 60-е годы новое
художественное направление - поп-арт.
Однако Америка ли?
Задолго
до того как американские художники провозгласили
создание нового направления - поп-арта,
главная его идея была провозглашена и
осуществлена в России. В 1919 году Давид
Бурлюк с группой футуристов колесил по
советским провинциальным городам, охваченной
гражданской войной России. В одном провинциальном
городе были объявлены выступления футуристов,
сопровождаемые художественной выставкой.
Из-за транспортных и общих неурядиц эпохи
картины Бурлюка не прибыли вовремя и
выставка срывалась. Тогда, по предложению
В. Шкловского, на выставке были развешаны
экспонаты, которые сегодня мы могли бы
отнести к искусству поп-арта: главным
шедевром этой выставки были носки Шкловского,
помещенные под стеклом в рамке.
Важными
шагами становления поп-арта в США
были начавшиеся с 1962 г. выставки «Новый
реализм» в галерее Сиднея Джениса,
в музеях современного искусства Гуггенхейма.
В этом же году Ричард Гамильтон выставляет
созданную в духе поп-арта серию идеологически
ангажированных литографий и картин «Давайте
вместе исследовать звезды» на тему выдвинутой
Кеннеди программы космических исследований.
В центре экспозиции Гамильтон поместил
рекламно-плакатно решенный фотоколлаж,
изображающий Кеннеди в скафандре космонавта
за штурвалом межпланетного корабля.
Вскоре
поп-арт пересек океан и появился
в Европе на Бьеннале в Касселе (1964).
С 1964 г. свои поп-артовские произведения
Гамильтон выставлял не только в Нью-Йорке,
но и в Лондоне, Милане, Касселе, Берлине.
Лондонская галерея Тейт (1970) устроила
первую ретроспективную выставку творчества
Гамильтона. Экспонировались 170 его произведений:
от карандашных набросков (иллюстрации
к роману Джеймса Джойса «Улисс») до двенадцати
этюдов, стилизованно изображающих популярных
манекенщиц средствами коллажа, эмали
и косметики (цикл «Клише мод», 1969). К наиболее
известным произведениям Гамильтона относятся:
«Интерьер II » (1964 г.), «Уитли Бэй» (1965 г.),
«Я мечтаю о белом Рождестве» (1967 г.).
Американская
критика отмечала, что использование
методов современной полиграфии, которые
в значительной мере формируют наши представления
о мире, придает творчеству Гамильтона
характер навязчивых видений.
У
разных художников поп-арта есть «жанровая»
специализация. Так, Д. Чемберлен питает
пристрастие к смятым автомобилям. Любимый
жанр К. Ольденбурга - коллаж, Дж. Дайна
- бытовые интерьеры. Р. Раушенберг получил
подготовку театрального художника, и
проблема предметной организации пространства
в его новой деятельности осталась ведущей.
Он компонует вещи по принципу «художественного
беспорядка». Кроме того, Раушенберг создал
«комбинированную живопись», которую
озвучивает аудиоаппаратурой. Одним из
его приемов стал и фотомонтаж в сочетании
с обрывками газет, картин и старыми вещами.
3. Представители поп-арта в искусстве
Наиболее
известными представителями поп-арта,
отражавшего прагматизм технической
цивилизации стали Э. Уорхол, Дж. Сигал,
Р. Раушенберг, К. Ольденбург.
«Отцом
поп-арта» критика США именует
американского художника Э. Уорхола.
Его карьера началась в 1962 г., когда импресарио
Ирвин Блум организовал в Лос-Анджелесе
его выставку. Зрители впервые увидели
вместо картин многократно увеличенные
изображения этикеток от консервных банок
и бутылок с томатным соком. Уорхол превратил
в эстетический принцип своего творчества
такие специфические особенности рекламы,
как выразительность, нарочитая крикливость,
банальность, примитивизм, ориентация
на среднестатистическую личность. Э.
Уорхол писал, что хочет быть антигуманной
машиной, отделенной от творимого ею искусства
.
Его
откровенно заимствованные и растиражированные
изображения Мерилин Монро, Элвиса
Пресли, кока-колы и американского
доллара буквально встряхнули мировое
искусство. Это была эпоха 60-х годов с их
вулканическим всплеском молодежной энергии,
жаждой обновления, активизацией массовой
культуры и появлением поп-арта. Именно
эта Америка стала главным героем произведений
Уорхола, принесших ему славу первой среди
художников суперзвезды. Популярность
Уорхола была невообразимой. На одной
из выставок он даже выставил себя самого
как свое произведение. Энергия Уорхола
проявляла себя в самых различных сферах,
являя новый тип современного художника.
Его бесчисленные шелкографии, его длящиеся
десятками часов фильмы, его вездесущий
постоянно включенный магнитофон, созданный
им журнал Interview, где звезды берут интерьвью
у звезд, его Фабрика, как он именовал свою
студию, его тусовки и выкрашенные в серебряный
цвет волосы – все это Уорхол-художник.
Книга «Философия Энди Уорхола (От А к
Б и наоборот)» также стоит в этом ряду.
Она не похожа на привычные воспоминания
и декларации художников, это скорее чисто
литературное, эссеистски многосложное
произведение, ряд глав которого написаны
в жанре диалога Энди (А) с неким собеседником
(Б). Текст этой книги является ключевым
для понимания личности и творчества Энди
Уорхола. Текст о любви и славе, о времени
и смерти, об искусстве и красоте и о том,
как хранить деньги и как заниматься уборкой,
и почему каждому нужен парикмахер, а стельки
иногда оказываются важнее брильянта.
Простые и сложные истины каждого дня
жизни художника.
Ро?берт
Э?рнест Ми?лтон
Ра?ушенберг
(1925-2008) -американский художник,
представитель абстрактного экспрессионизма,
а затем концептуального искусства и поп-арта.
В своих работах тяготел к технике коллажа
и редимейда. В своих работах использовал
мусор и различные отбросы.
Ранние
работы Раушенберга были попыткой избавиться
от стереотипов «живописного метода»
и возвышенных целей традиционного
искусства. Например, он стер рисунок Виллема
де Кунинга и выставил его под названием
Стертый де Кунинг
. В течение 1950-х годов
в работах Раушенберга постепенно возрастало
количество реальных предметов – газетных
фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных
банок, травы, чучел животных – до тех
пор, пока не достигалось ощущение, что
холст или вся композиция вот-вот прорвется
в какой-то другой мир, странно искаженную
реальность. Две ключевые работы Раушенберга
– коллажи Кровать
(1955) и Монограмма
(1955–1959). Первая из них представляла собой
настоящую кровать Раушенберга, забрызганную
краской и поставленную вертикально, как
картина; второй коллаж был украшен чучелом
ангорской козы. В шестидесятые годы Раушенберг
стал устраивать перфомансы, сотрудничать
с инженерами и использовать различные
печатные материалы; он стремился выразить
сложность и многослойность существования
современного индустриального общества.
В 1980-е годы были опубликованы несколько
альбомов фотографий Раушенберга, которые
явились логическим завершением частого
использования фотографического материала
в коллажах и воплощением представления
автора о мире как о нелепом нагромождении
образов .
Рой
Лихтенште?йн
(1923-1997) - американский
художник, представитель поп-арта. Заимствуя
темы и имитируя технику коммерческой
иллюстративной продукции – комиксов,
киноафиш, рекламы, – Лихтенстейн сформировал
иконографию американской потребительской
культуры.
Лихтенстейн
родился 27 октября 1923 в Нью-Йорке
в состоятельной семье. В 1940 поступил
на факультет изобразительного искусства
в университет штата Огайо. В 1960 Лихтенстейн
познакомился с Клаасом Олденбургом, Джимом
Дайном и другими нью-йоркскими авангардистами.
В то время в Нью-Йорке часто устраивались
«хэппенинги». Именно из этих полуимпровизированных- полутеатральных
представлений, когда обычные предметы
помещались в необычный контекст, Лихтенстейн
и его коллеги развили новый, поэтизирующий
повседневность стиль – поп-арт.
В
своих первых работах в стиле
поп-арт Лихтенстайн использовал
самые банальные темы и предметы коммерческого
производства: мячики для гольфа, кроссовки,
хот-доги и другие товары потребления,
позы, напоминающие порнографические
фотографии (Девушка
с мячом
, 1961), и сцены грубого насилия
из комиксов и бульварной беллетристики
(Торпедо... лос!
, 1963). В других его произведениях
в подобной стилизованной и иронической
манере трактуются сюжеты и формы, характерные
для кубизма, фовизма, сюрреализма, абстрактного
экспрессионизма и других направлений
современного искусства. Лихтенстейн
создавал также скульптуры, монументальные
росписи и картины, столь же абстрактные,
как и живопись, которую он порицал в своих
работах в стиле поп-арт.
Клас
Олденбург
(1929) -американский скульптор
шведского происхождения, классик поп-арта.
Сын шведского дипломата, Олденбург с
1936 г. жил в США. Он жил, главным образом,
в Нью-Йорке и Чикаго, в 1946-1950 гг. учился
в Йельском университете, а затем, до 1954 г.,
в Институте искусств в Чикаго. В 1960-е гг.
Олденбург много выступал с разного рода
хэппенингами. Позднее он стал более привержен
объектному искусству.
Наиболее
характерный приём Олденбурга - скульптурное
изображение достаточно небольшого и
совершенно обыденного предмета в несоразмерно
гигантском масштабе, а зачастую также
причудливо окрашенного и неожиданно
расположенного в пространстве .
Изначально носившие провокативный характер,
произведения Олденбурга сегодня прочитываются
как изящная игра, легко вписывающаяся
в урбанистический пейзаж, - поэтому со
временем работы Олденбурга активнее
задействуются в качестве визуального
решения городской среды. Так, вход в рекламное
агентство «Chiat\Day» в Лос-Анджелесе выполнен
Олденбургом в виде гигантского чёрного
бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным
вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута
гигантская иголка с торчащей из неё яркой
красно-жёлто-зелёной ниткой (на противоположной
стороне площади имеется другой конец
нитки, с узелком). В 1989 г. Олденбургу была
присуждена Премия Вольфа в области искусства,
в 1995 г. - Премия Рольфа Шока.
Джордж
Сегал
(1924-2000) - американский художник,
и скульптор, известный своими работами
из гипса. Ранние рисунки Сегала и его
полотна из 1950-х годов показывают сложный
мир людей, оказавшихся в драматических
жизненных ситуациях. Как скульптор, начавший
работать в эпоху поп-арта, Сегал создаёт
свои произведения из гипса и презентирует
в 1959/1960 годах первую ситуативную работу
Man on a bicycle
, изображавшую гипсовую фигуру
велосипедиста на обычном фабричном велосипеде.
Первые его гипсовые фигуры имели каркас
из дерева или проволоки. С 1961 года он делает
уже гипсовые отливки напрямую, снимая
их с частей человеческого тела. В последующие
годы появляются (с применениями сопровождающих
обычных предметов) такие энвайронмент,
как «Синема
» (1963) и «Ресторан
»
(1967). В начале 1980-х годов Дж. Сегал создаёт
скульптурные натюрморты из гипсовых
фруктов. Работает также с бронзой (композиции):
«Женщина у озера
» (бронза, покрытая
белым лаком, 1985), «Случайная
встреча
» (бронза, 1989), «Женщина
на скамейке
» (бронза, покрытая белым
лаком; металлическая скамья, 1989).
Работы
Сегала отвечают основным принципам американского
поп-арта – течения. Его вдохновляли образы
повседневной жизни. Комиксы, реклама
и продукты промышленного производства
стали источниками ее образного мира.
Один из основателей поп-арта – Ричард
Химильтон определил его содержание следующими
словами: популярный, недолговечный, дешевый,
массовый, молодой, остроумный, сексуальный,
шутливый, шикарный и Большой Бизнес. Мгновенность
сюжета подчеркивается в живописи с помощью
техники, которая напоминает эффекты фотографии,
в скульптуре – тщательным воссозданием
мелких деталей. Воспроизводя ежедневные,
рядовые, общие стороны человеческой жизни,
Сегал всегда оставляет в пространстве
своих произведений место для зрителя
.
4. Разновидности поп-арта
Поп-арт как художественное направление имеет ряд разновидностей (течений):
- оп-арт
(художественно организованные оптические
эффекты, геометризованные комбинации
линий и пятен),
окр-арт (композиции, художественная организация окружающей зрителя среды),
эл-арт (движущиеся с помощью электромоторов предметы и конструкции, это течение поп-арта выделилось в самостоятельное художественное направление - кинетизм).
Оп-арт объединил поп-арт с традициями геометрического абстракционизма. В национальном музее в Вашингтоне в 1963 г. можно было видеть огромную композицию из блестящей медной проволоки. Это произведение оп-арта изображало солнце, являвшееся фокусом медной паутины («неба»). Композиция от малейшего движения воздуха тихо колыхалась и переливалась тысячами тончайших медных нитей .
В 1964 г. в Амстердаме в Государственном музее рядом с залами, где висят картины Рембрандта, открылась выставка поп-арта. Вот представленный там образчик окр-арта (окружающего искусства): у стены стоит трельяж, на его подзеркальнике аксессуары дамского туалета - флакон, пудра, пуховка, маникюрный набор, перед подзеркальником пуфик. Все предметы совершенно реальны, однако на пуфике сидит белая, из нетонированного гипса, фигура женщины. В руке эта гипсовая женщина держит реальную расческу, которой причесывает свои гипсовые волосы. Для этой композиции характерен эпатирующий контраст реальных предметов с гипсовой фигурой.
Другой экспонат той же выставки дает представление об эл-арте (движущемся искусстве). На постаменте посредине зала стоял сложный механизм, напоминающий увеличенное внутреннее устройство ходиков. Однако в отличие от часового механизма это сооружение из колесиков, шестеренок, винтиков и шкивов было лишено строгой логической простоты и практической целесообразности. Где-то внутри этой конструкции находился электромотор. Зритель должен был подойти к произведению и нажать на бросающуюся в глаза красную кнопку, тем самым как бы вступив в сотворчество с автором. После этого сооружение пробуждалось к жизни: колесики и шестеренки начинали вращаться, движение постепенно передавалось снизу вверх, другим шестеренкам и наконец, металлическому прутику-пестику, возвышавшемуся над сооружением. Пестик начинал медленно вращаться над головой зрителей, надтреснуто звеня прикрепленным к концу пестика бубенчиком. Проделав несколько кругов, пестик замирал, механизм останавливался и пребывал в неподвижности до тех пор, пока следующий зритель вновь не приводил его в движение нажатием кнопки .
Заключение
Подводя
итог вышесказанному, можно сделать
следующие выводы.
Поп-арт
(англ. Pop Art от popular art – популярное, естественное
искусство) – течение в авангардном искусстве
Западной Европы и США 1950-1960-х гг., в котором
изобразительное творчество подменялось
композициями из реальных объектов, как
правило, в неожиданных или совершенно
абсурдных сочетаниях.
Термин
«поп-арт» (популярное искусство) был введен
критиком Л. Элоуэем в 1965 г. Как художественное
направление поп-арт закрепляет давно
наметившиеся в искусстве оппозиции: массовое
- народное; массовое - элитарное.
Поп-арт
- художественное удовлетворение «тоски
по предметности», порожденной долгим
господством в западном искусстве абстракционизма
и неоабстракционизма. Некоторые исследователи
даже рассматривают поп-арт как реакцию
на беспредметное искусство. Эстетизация
всего вещного мира становится принципом
этого искусства. Поп-арт - новое фигуративное
искусство. Абстракционистскому отказу
от реальности поп-арт противопоставил
грубый мир материальных вещей, которому
приписывается художественно-эстетический
статус.
Поп-арт
выдвинул концепцию личности потребителя
общества «массового потребления». Идеальная
личность поп-арта - человек-потребитель,
которому эстетизированные натюрморты
товарных композиций должны заменить
духовную культуру.
и т.д.................
Направление в искусстве 1950-х-начала 1970-х годов, возникает как возражение бессмертному абстракционизму, как переход к новому видению авангардизма. Художники этого направления используют в своем творчестве образы продуктов массового потребления. Они сочетают в работах бытовые предметы, фотографии, репродукции, отрывки печатных изданий. Вдохновителями являются глянцевые журналы, телевидение, реклама, фотография.
Новые технические приемы (фотопечать, использование диапроектора, заимствованные из промышленного дизайна и рекламы), лишали художников их неповторимой индивидуальной манеры исполнения, но в то же время раскрывали эстетическую сторону образцов массовой продукции.
-История Поп - арта
В 1952 году несколько художников, критиков и архитекторов при институте современного искусства в Лондоне создали «Независимую группу», которая изучала современные технологии и городскую культуру. На почве исследований они пытаются сформировать новое искусство. За основу они взяли американскую культуры, которая вызывала двойственные чувства иронии и восхищения. Один из членов группы, критик Лоуренс Аллоуэй для обозначения этого стиля предложил термин «поп-арт». Первой работой, которая стала иконой этого направления стал коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими особенными, такими привлекательными?» 1956 год. После этого соединение различных предметов печатной продукции становится одним из основных приемов поп-арта. Дальнейшие студенты института использовали в работах городские изображения - граффити, рекламные плакаты. Немного позже в Америке публика увидела произведение, которое в дальнейшем станет узнаваемым во всем мире. Это работа Энди Уорхола, выполненная в технике шелкографии - портрет Мерилин Монро. Вскоре к этой работе прибавились другие не менее известные: комиксы Лихтенштейна в формате масляной живописи, огромные виниловые гамбургеры и другие.
Критика по-разному относилась к появившемуся направлению. Некоторые говорили, что это не искусство, а анти-искусство. Однако в Лос-Анджелесе его приняли превосходно, так как там отсутствовала строгая художественная традиция и существовали богатые жители, которые очень желали коллекционировать работы современного искусства. С помощью многочисленных выставок Поп-арт распространился по всей Европе.
-Представители Поп - арта
- Ричард Гамильтон - английский художник, член «Независимой группы». Создатель первой работы в стиле Поп - арт под названием «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»
- Рой Лихтенштейн - английский художник, великий мастер поп-арта. Для создания своих работ он использовал кислотные цвета и различные типографские методы. Его работы с сюжетами из комиксов, выполненные в формате масляной живописи, символизировали американскую жизнь в иронической интерпретации.
- Энди Уорхол - американский художник, дизайнер, писатель. Культовая фигура в направлении Поп-арт и в целом всего современного искусства. Создал всемирно известную картину Мерилин Монро в технике шелкографии.
- Клас Олденбург - известный американский скульптор, классик Поп-арта. Его особенностью была манера изображать обыденные предметы в гигантском масштабе и часто причудливой окраске, которые впоследствии неожиданно располагались в окружающем пространстве города. Например в Милане, перед железнодорожным вокзалом расположена его скульптура - игла, с торчащей из нее разноцветной ниткой.
- Роберт Раушенберг - американский художник. Изначально был представителем абстрактного экспрессионизма, а в дальнейшем концептуального искусства и направления поп-арт. Создавая свои работы, он любил использовать мусор и различные отбросы.
- Тадаоми Шибуйя - дизайнер, художник, иллюстратор. Создавая изображения в стиле поп- арт, берет за основу прямые линии, пользуется эффектом размытости, изображает геометрические узоры из которых в конце получается очень гармоничное произведение с хорошо читаемыми образами.
- Джеймс Рицци - талантливейший художник, звезда направления Поп - арт. Этот человек делал мир ярче. Для него не было никаких преград, он рисовал практически на всем до чего можно дотянуться: на каких либо мелких предметах, на ткани, на машинах и домах. Он дарил всем людям счастье.
- Питер Блейк - английский художник, который был представителем первого поколениябританских мастеров живописи Поп-арта. Он интересовался современным искусством еще в юные годы. В отличие от многих художников этого направления, которые в своих работах использовали вырезки объявлений и журналов, Питер Блейк создает реальные живописные образы. Например, работа под названием «Игра в шахматы с Трейси».
Так же он разработал обложку знаменитого на весь мир альбома Битлз «Sgt. Pepper"s Lonely Hearts Club Band»
Поп-арт (англ. pop-art , или popular art ) - стиль в изобразительном искусстве, высмеивающий культуру общества потребления. Это направление искусства возникло как реакция на абстрактный экспрессионизм в 1950-1960-е годы. Его характеризует легкая ирония, насмешка над тем, что люди привыкли считать красивым и художественным. В поп-арте активно используются стереотипы и символы. Например, такие товары как Levi"s джинсы и Coca cola, являющиеся в Америке атрибутом успеха и благосостояния в послевоенное время и поэтому часто изображаемые на картинах и коллажах сделанных в стиле поп-арт.
Термин "поп-арт" употребил впервые в своей статье критик Лоуренс Эллоуэй. Впоследствии, в 1966 году он поведал всем, что не вкладывал в данное понятие столько смысла, сколько оно стало выражать позже. "Я просто применил это слово вместе с термином «поп-культура», для описания продуктов массовой информации, а не как название произведений искусства" - говорил он. Но как бы там ни было, понятие стремительно вошло в обиход между 1955 и 1957-м годами, несмотря на критику противников стиля.
Первые работы в стиле поп-арт были созданы тремя молодыми художниками, которые учились в то время в Королевском художественном колледже Лондона. Это были Джо Тилсон, Питер Блек и Ричард Смит. Но творением, которое стало иконой поп-арта, является коллаж Ричарда Хамилтона, созданный в 1956-м году.
Поп-арт заменил абстрактный экспрессионизм, делая ставку на новый образ, созданный тогда средствами массовой информации. Благодаря поп-арту появились такие новые направления как кинетическое и ситуативное искусство, а также оп-арт.
По сути, поп-арт подвел итоги и довел до логического завершения традиционные виды изобразительного искусства. Благодаря чему открылся путь совершенно новым видам художественных практик. Например, поп-арт подготовил путь для постмодернизма и концептуализма. А уже в 80-е годы XX столетия как итог возник новый тип искусства - нео-поп-арт.
Данное направление в изобразительном искусстве передало вкус и настроение того времени. Сексуальность, молодость, мимолетность, мечтательность и даже некоторая наивность в картинах стиля поп-арт считается отражением настоящей американской мечты. В России о ней заговорили лишь десятилетия спустя после первого появления поп-арта в Америке.
Кстати, в наше время поп-арт опять в моде, как в живописи, так и в других видах искусства. И благо, современных мастеров, работающих в этом направлении сейчас предостаточно.
Яркими представителями поп-арта являются Ричард Гамильтон, Роберт Индиана, Том Вессельман, Энди Уорхол и другие...
 |
 |
 |