Опыт исследования законов искусства: Живопись, скульптура, архитектура и орнаментика / В. О. Шервуд. - Отдельный оттиск из Русского Обозрения 1894-95 г. - Москва: Университетская типография, 1895. - ІІ, 235 с.

Опытъ изслѣдованія законовъ искусства: Живопись, скульптура, архитектура и орнаментика / В. О. Шервудъ. - Отдѣльный оттискъ из Русскаго Обозрѣнія 1894-95 г. - Москва: Университетская типографія, 1895. - ІІ, 235 с.

Владимир Иосифович (Осипович) Шервуд (18 августа 1832, Тамбовская губерния - 9 июля 1897, Москва) - выдающийся русский живописец, архитектор, скульптор. Автор проектов здания Исторического музея на Красной площади в Москве (1875-1881), памятника-часовни «Гренадерам - героям Плевны» (1887).

ПРЕДИСЛОВИЕ.

Все бесконечное разнообразие явлений мира с их правильными сменами, чудной гармонией и красотой - создано на основании самых точных законов высшего разума. Гении науки, углубляясь в вечные тайны мироздания, постоянно открывают эти великие законы, которые дают возможность человеку проявлять во внешности свои духовные силы. Но почему же в области пластических искусств так мало выяснено точных и определенных законов? Неужели великие художники никогда не делали таких открытий, или они, быть может, необязательны и даже бесполезны? Но, во-первых, все гениальные представители искусства в своих произведениях всегда проявляли какую-либо новую сторону красоты, так Рафаэль внес в искусство самое тонкое понимание грации, красоты линий, форм и композиции; Микель-Анджело доказал возможность изображения движения, жизни и истинно-грандиозного в пластических искусствах; Рембрандт открыл поэзию свето-тени; Поль-Веронез, Тициан, Рубенс и другие разрабатывали разные стороны гармонии и блеска колорита. Все эти открытия сделались достоянием искусства и предметом постоянного изучения. - Но чтобы сознательно воспользоваться ими, следует отделить в произведениях великих художников все случайное и индивидуальное и ясно формулировать вечные условия красоты, составляющие особенность их гения.

Эти драгоценные вклады в сокровищницу знания не только не мешают самобытному творчеству, но придают ему силу и облегчают процесс его. Они непохожи на те рецепты, которые прописывались для воспроизведения шаблонных композиций; нет, это формулы вечных истин, сокрытых в глубине человеческого духа, стремящегося воплотить в мире любовь, правду и прекрасное. Основанием их служит или требование разума или физиологический строй и изучение природы; поэтому они обязательны для истинного искусства, так как только знание дает нам самостоятельность и свободу и устраняет всякое случайное, субъективное влияние. Подражание великим мастерам в педагогическом отношении может быть весьма полезно, как сознательное изучение их; - но постоянное обезьянство ничего общего с творчеством не имеет; такая подделка не может быть искренна; невозможно вдохновляться теми же чувствами, которые одушевляли, напр., Рафаэля в данный исторический момент; но знать законы красоты, открытые им, так же необходимо для художника, как знание математики для механика; только они и могут гарантировать истинное понимание искусства. Великие художники всегда жаждали знания и не боялись утратить свою самобытность. Так Рафаэль понял законы движения фигур, выясненные Микель-Анджело; они придали его композиции необычайную силу, но тем не менее он остался вполне самостоятельным. Еще в недавнее время известный французский художник, Доре, ясно понял и воспользовался законами свето-тени, разработанными Рембрандтом, - и, несмотря на тождество приемов в освещении, он нисколько не похож на Рембрандта.

Но возможны-ли общие законы прекрасного в области высшего духовного настроения, выражающегося в искусстве? Кому не приходилось быть свидетелем игры великих актеров, неподдельные чувства которых вызывали у всех невольные слезы? Бывали случаи, когда некоторые шли в театр с тем, чтобы доказать свою твердость и не плакать, но, увлеченные искренним чувством и игрой артиста, невольно роняли слезы¹. Сколько раз случалось замечать, что при чтении литературного произведения одни и те же места вызывали у всех восторг и возбуждали искреннее сочувствие.

____________

¹ Такое впечатление производила игра известного трагика Мочалова.

Все это доказывает, что существуют такие идеи и такое художественное выражение, которые неотразимо действуют на всех, поэтому они доступны исследованию и уяснению того, что именно в них так дорого человечеству, и по каким законам сила духа, мысли и чувства проявляется в искусстве.

Что же касается до существования точных законов внешней красоты, то в этом нет никакого сомнения. Цейзинг взял всем известную геометрическую формулу, определяющую точную и безусловную пропорцию, и проверил ее в природе и в гениальных произведениях великих художников. Труды Цейзинга бесповоротно доказывают, что красота пропорции составляет закон природы и обязательное требование нашего духа, проявляемое во вдохновенных произведениях искусства; он назвал эту формулу законом золотого сечения.

Сама природа ежеминутно напоминает нам о законах красоты: какие чудные узоры рисует на стеклах наш лютый мороз! Несмотря на бесконечное разнообразие, композиция их подчинена безусловно точным законам красоты; в них всегда видна и цельность мотива, плавность и постепенность, отсутствие симметрии; все пятна и формы расставлены и разнообразно и с полным соблюдением закона широты. Посмотрите на давные, вечно изменяющиеся облака: - расположение их вызывают совершенно другие причины, чем морозный узор, но красота также точно служит основой их форм и сочетаний.

В настоящее время в искусстве заметно весьма определенное стремление освободиться от всего условного, навеянного односторонними вкусами и прихотью моды; художники стараются выразить в своих произведениях не только идеалы и типы, но и индивидуальную характеристику, которая придает жизненность искусству. Такое направление совершенно справедливо и необходимо; оно может принести большую пользу, если не будет односторонне и не увлечет в крайность.

Наблюдение над природой и изучение ее всегда обусловливало подъем искусства; так в Греции остолбенелые архаические статуи постепенно принимали жизненный вид, а равно и во времена Ренессанса изучение природы дало возможность создать истинно великие произведения. Но между случайной, принятой условностью, и законами явлений жизни нет ничего общего. Жизненная правда я не может иначе выразиться, как в красоте; она не есть нечто неестественное, а, напротив, единственное истинное и нормальное состояние явлений жизни; всякое безобразие уже есть отступление от нормы, а красота - это вечный закон мира; она разлита в нем Творцом, чтобы исполнить дух наш чистыми восторгами; она есть предвестник и воспитатель в человечестве высочайшей красоты, которая неизбежно будет составлять содержание нашего духа и бесконечное счастие будущей вечной жизни.

Истинный художник, силою таланта в своих произведениях должен уяснять и раскрывать эти чудные законы красоты, и тем вызывать в человечестве благоговейное прославление Творца.

Минуют века одни за другими, проходят народы с их борьбой и жаждой внешнего счастия, и все это тонет в глубине времен, но только духовная жизнь, высшее сознание и идеалы народа, воплощенные искусством, остаются вечными свидетелями его величия. Как же не желать, чтобы и народ русский, носящий в душе высокие идеалы, не запечатлел их в монументальном искусстве, свидетельствующем человечеству о его истинно-нравственных принципах?

Вот почему мы всю жизнь искали тех условий, которые могли бы облегчить истинное понимание значения искусства. Долголетняя практика показала нам безусловную пользу такого изучения вечных законов искусства, поэтому мы не считали себя в праве наши скромные знания унести в могилу.

Мы очень хорошо знаем, что наши идеи нисколько не гармонируют с господствующим ныне, хотя уже стареющимся, аналитическим периодом, который по самому характеру своему есть период критики и разложения; но близок его конец, - уже блестит заря нового светлого дня, великого синтеза, который подымет упавший дух человечества и вызовет истинное творчество, в котором сольются во всей полноте и гармонии любовь, правда и красота.

Рядом с Поклонной горой — площадь Победы, где расположена Триумфальная арка.
В сер-не 1814 г. к торжественной встрече возвратившихся из Западной Европы после победы над Наполеоном I русских войск у Тверской заставы была сооружена деревянная Триумфальная арка. Но памятник быстро ветшал, и через 12 лет, в 1826 г., было решено заменить деревянную арку каменной.

Составление проекта поручили архитектору О.И.Бове. Помощниками Бове были талантливые скульпторы И.П.Витали и И.Т.Тимофеев. Они выполнили большинство работ по рисункам архитектора.

Торжественная закладка арки состоялось 17 августа 1829 г. В основании будущего памятника была доска с надписью: «Сии триумфальные ворота заложены в знак воспоминания торжества российских воинов в 1814 г. и возобновления сооружением великолепных памятников и зданий первопрестольного града Москвы, разрушенного в 1812 г. нашествием галлов и с ними двунадесяти языков».
Постройка Триумфальных ворот — первого и единственного в Москве памятника арочного типа, сооруженного после войны 1812 г., — растянулась на 5 лет из-за недостатка денежных средств. Только 20 сентября 1834 г. состоялось открытие этого своеобразного памятника.

У Тверской заставы ансамбль Триумфальных ворот простоял 102 года. В 1936 г. площадь Белорусского вокзала, на которой возвышалась арка, решили перепланировать и расширить для разгрузки транспортной магистрали (бывшей улицы Горького — Ленинградского проспекта — Ленинградского шоссе).
Триумфальная арка была разобрана, богатое скульптурное убранство арки 38 лет хранилось в филиале Музея архитектуры имени А.В.Щусева (на территории Донского монастыря).

В 1966 г. было принято решение о восстановлении Триумфальной арки на новом месте. Архитекторам, художникам и инженерам предстояло по сохранившимся обмерам, рисункам и фотографиям воссоздать первоначальный облик памятника, восполнив утраченные элементы декора. Скульпторы-реставраторы, тщательно изучив архивные материалы, готовили гипсовые слепки и формы деталей, которые предстояло отливать заново. Было подготовлено более 150 моделей — точных копий каждого восстанавливаемого элемента арки. Опытные мастера художественного литья по гипсовым формам вновь отливали отдельные фигуры, утраченные части воинских доспехов и гербы старых русских городов, а также рельефы с воинскими атрибутами.

Немало потрудились над отливками и чеканщики. Большое мастерство потребовалось для того, чтобы из разрозненных деталей собрать рельефы с изображениями древних воинов, пирамиды из воинских доспехов, воссоздать утраченные фрагменты чугунной одежды Триумфальных ворот.

6 ноября 1968 г. замечательное творение Бове обрело вторую жизнь.
Лицевой стороной сооружение обращено к въезду в столицу. Основу памятника составляет однопролетная арка с шестью парами свободно стоящих 12-метровых чугунных колонн коринфского ордера. Колонны были заново отлиты по образцу единственной сохранившейся старой колонны. Между каждой парой колонн размещены литые фигуры воинов в античных мантиях, но в древнерусских кольчугах, со щитами и копьями.

Над фигурами воинов укреплены горельефы: «Изгнание французов» (изображен рукопашный бой на фоне зубчатой кремлевской стены) и «Освобождение Москвы» (русская красавица, опирающаяся левой рукой на щит с древним московским гербом, на котором Георгий Победоносец, поражающий дракона, правую руку протягивает императору Александру I, одетому в богатое платье римского цезаря). По всему периметру карниза помещены гербы административных районов России, население которых участвовало в борьбе с агрессором.

Поверх арки — колесница Славы с шестеркой коней. В колеснице стоит крылатая богиня Победы с высоко поднятым в правой руке лавровым венком.
Над проезжей частью по обеим сторонам арки помещены мемориальные доски с надписями. Одна включает слова М.И.Кутузова, обращенные к русским воинам в конце 1812 г. На другой повторен текст закладной доски. Имена создателей, история сооружения и возобновления арки записаны на памятной чугунной доске, установленной под сводом арки.

Стены арки облицованы белым камнем. Общая высота сооружения — 28 м.

Архитектура

Древнеегипетская архитектура отличается условностью и однообразием. Это было связано с тем, что добыча камня и его обработка находилась в руках государства, методы работы установились так прочно, что не менялись на протяжении 3500 лет. Изолированность египетской цивилизации привело к тому, что в древнем государстве отсутствовала конкуренция в архитектуре, которая оказала бы благотворное влияние на ее развитие. Еще одним важным фактором было отсутствие разнообразия строительного материала.В Египте было мало архитектурных форм, характерных для этой страны, это также объяснялось ограниченностью строительного материала. Основными архитектурными формами были пирамида, пилон, колонна и пандус (башнеобразное сооружение в форме усечённой пирамиды). Последний фактор, который играет большую роль в развитии архитектуры большинства стран, - это наличие дорог и их качество. В Древнем Египте единственной хорошей дорогой был Нил, он ей остается и до сих пор.Египетское строительное искусство достигло своего совершенства в эпоху фараона Хуфу. После этого методы строительства никак не улучшались, хотя в архитектуре появились новые формы, а качество строительства, в широком смысле, неизменно ухудшалось.

Скульптура

Скульптура Древнего Египта - одна из наиболее самобытных и строго канонически разработанных областей искусства Древнего Египта. Скульптура создавалась и развивалась, чтобы представить древнеегипетских богов, фараонов, царей и цариц в физической форме. Существовало также множество изображений, как в могилах простых египтян, в основном из дерева, некоторые из них сохранились. Статуи богов и фараонов ставились на всеобщее смотрение, как правило, на открытых пространствах и вне храмов.Статуи, как правило, сохраняют первоначальную форму каменной глыбы или куска дерева, из которого она высечена.

Существовал очень строгий канон создания древнеегипетской скульптуры: цвет тела мужчины должен был быть темнее цвета тела женщины, руки сидящего человека должны были быть исключительно на коленях; существовали определенные правила изображения египетских богов. Так бога Гора следовало изображать с головой сокола, бога мертвых Анубиса - с головой шакала. Все скульптуры создавались по данному канону и следование было столь строгим, что почти за трехтысячелетнюю историю существования Древнего Египта он не претерпел изменений.

Живопись

Все рельефы в Древнем Египте ярко раскрашивались, меньше всего изображений было в гробницах, храмах и дворцах, там рисунки были только на поверхности. Каменная поверхность готовилась к покраске - грубый слой грязи с более мягким слоем гипса сверху, потом известняк - и краска ложилась более ровно. Строительные пигменты были, как правило, минеральными, дабы защитить изображения от солнечного света. Состав краски был неоднородным - яичная темпера, разнообразные вязкие вещества и смолы. В конечном счете настоящая фреска не получалась и не использовалась. Вместо этого использовалась краска на слое высушенного пластыря, т. н. «фреска a secco». Сверху живопись покрывалась слоем лака или смолы, чтобы сохранить изображение надолго. Небольшие изображения, выполненные в такой технике, хорошо сохранились, хотя на крупных статуях практически не встречаются. Чаще всего, используя подобные методы, раскрашивались маленькие статуи, особенно деревянные.

Множество египетских картин сохранились благодаря сухому климату Древнего Египта. Картины создавались с намерением улучшить жизнь покойному в загробном мире. Сцены, изображенные на картине, представляли путешествие в загробный мир и встречу в загробном мире с божеством (суд Осириса). Также часто изображалась земная жизнь усопшего, чтобы помочь ему заниматься тем же в царстве мертвых. В Новом Царстве вместе с умершим стали хоронить Книгу мертвых. Это считалось важным для загробной жизни. Основными цветами были красный, синий, черный, золотой и зеленый.

Искусство древнего царства

В первой половине III тысячелетия до нашей эры сложился монументальный стиль египетского искусства, выработались изобразительные каноны, которые потом свято оберегались на протяжении веков. Их постоянство обусловлено особенностями развития древнеегипетского общества, а также тем, что искусство Египта было составной частью культа, заупокойного ритуала. Оно столь тесно связано с религией, обоготворявшей силы природы и земную власть, что трудно понять его образную структуру, не имея общего представления о религиозно-обрядовых обычаях египтян. В этот период создаются такие архитектурные сооружения как Великие Пирамиды и Большой Сфинкс.

Искусство среднего царства

Хотя искусство Среднего царства тщательно соблюдало традиции и каноны Древнего, оно не осталось совершенно тем же самым. После долгого периода смуты и распада Египта на отдельные номы (области) государство в XXI веке до н. э. снова объединилось под властью фиванских правителей - этим знаменуется начало Среднего царства. Но теперь централизация уже не была столь абсолютной, как прежде. Местные правители, номархи, стали богаче и самостоятельнее. Они постепенно присваивали себе привилегии, прежде принадлежавшие только царю, - привилегии высоких титулов, религиозных церемоний, уподоблений Осирису и Хору. Теперь гробницы вельмож располагались не у подножия царских пирамид, а отдельно, на территории номов. Пирамиды же стали скромнее, меньше размерами; уже ни один фараон не отважился на сооружение таких гигантских усыпальниц как Хеопс или Хефрен. Это приводит к тому, что с одной стороны снижается пафос монументальности, и поскольку заупокойные культы становятся делом более повсеместным, то в искусстве, особенно в искусстве местных школ, проявляется оттенок сниженности, обиходности. А отсюда усиление жанровых «вольностей» в трактовке сюжетов, в композиции. В портрете усиливаются черты индивидуальной характерности. С другой стороны, каноны всё-таки преобладают и, имея за собой слишком уж большую давность, поневоле сбиваются на шаблон и схему.

Искусство нового царства

Более смелые и внутренне более значительные сдвиги происходят в художественной культуре Нового царства, наступившего после победы над азиатскими племенами гиксосов. В искусстве Нового царства пробивается пламя земного чувства, размышлений, тревог. Сами традиционные формы как бы изнутри освещаются этим новым светом, он их преображает.

Впрочем, многие традиции уже изживали себя и в формах. Вместо архитектуры гробниц (гробницы в Новом царстве перестали быть наземными сооружениями - они таились в ущельях скал) расцветает архитектура храмов. Жрецы в эту эпоху, стали самостоятельной политической силой, конкурирующей даже с властью царя. Поэтому не только заупокойные храмы царей, а главным образом храмы-святилища, посвященные различным ипостасям бога Амона, определяли архитектурный облик Египта. Правда, и в храмах прославлялась особа Фараона, его подвиги и завоевания; эти прославления велись с ещё большим размахом, чем раньше. Вообще культ грандиозного не угас, а даже возобновился с небывалой импозантностью, но вместе с тем сюда присоединилось какое-то внутреннее беспокойство. В течение нескольких веков строились и достраивались знаменитые храмы Амона-Ра в Карнаке и Луксоре, близ Фив. Если древняя пирамида с её спокойной целостной формой уподоблялась горе, то эти храмы напоминали дремучий лес, где можно затеряться. Многообразные художественные поиски периода XVIII династии подготовили появление заключительного, совсем уже новаторского этапа, связанного с царствованием фараона-реформатора Эхнатона, в XIV веке до н. э. Эхнатон смело выступил против фиванского жречества и, отменив единым законодательным актом весь древний пантеон богов, сделал жрецов своими непримиримыми врагами. Искусство времён Эхнатона (его называют амарнским, так как Эхнатон перенёс столицу в построенный при нём город Ахет-Атон, близ современной деревушки Амарна) обратилось к неизведанному до него: к простым чувствам людей, к их душевным состояниям. В произведениях амарнского стиля разрушена броня душевной непроницаемости: здесь вопли и стоны плакальщиков, здесь мрачная покорность пленённых негров, здесь, наконец, лирические сцены семейной жизни Эхнатона, - он обнимает жену, ласкает ребёнка.

9. Искусство Древней Греции (архитектура, скульптура, живопись)

Греки высоко ценили уравновешенность, спокойность. Отсутствие гигантомании (скульптура Афродиты Милосской - высота фигуры соответствует росту средней гречанки-девушки). В Афинах театр был устроен на склонах Акрополя - на 17 тыс. зрителей. В театрах была чудесная акустика. Греки славились колоннами. Они применяли колоны трех типов: дорийские, ионийские, коринфские. Часто вместо колон греки использовали каменные статуи которые своими телами поддерживали крышу или карниз. Такие статуи-колоны в виде мужчин называются атлантами, а в виде женщин кариатидами. Греки никогда не изображали некрасивых людей, они считали изображать нужно лишь красоту. Самые известные статуи "Дискобоя" Мирона, "Афродита Милосская" неизвестного скульптора, статуя Апполлона Бельведерского и "Геракл с львом" Лиссиппа. Стили. Дорический стиль отличается простотой, мощностью, даже тяжеловатостью своих форм, их строгой соразмерностью и полным соответствием механическим законам. Ионический стиль. Все формы легче, нежнее и грациознее, чем в дорическом. Колонна стоит не непосредственно на фундаменте здания, а на четырёхугольном, довольно широком подножии. Коринфский стиль. Возник позже других и отличался особенной пышностью.

Скульптура. Отличается совершенством форм и идеалистичностью. Материалы -мрамор, бронза, дерево или применяли смешанную технику: изготавливали фигуру из дерева, а покрывали тонкими золотыми пластинами, лицо и руки выполняли на слоновой кости. Виды скульптуры: рельеф (плоская скульптура), мелкая пластика, круглая скульптура. Образцы ранней круглой скульптуры грубоваты, статичны. В основном это куросы - мужские фигуры и коры - женские. Лучшие памятники древнегреческой скульптуры были созданы в V в. до н.э. Греки всегда полагали, что только в прекрасном теле может жить прекрасная душа. Поликлет изображал атлетов в состоянии покоя. Мирон изображал свои статуи в движении. Фидий - боги в Греции есть не что иное, как образы идеального человека. Работы всех трех скульпторов схожи, все они изображали гармонию красивого тела и заключенной в ней доброй души. Это было основным направлением того времени.

Живопись . Керамические изделия покрывались орнаментальными и сюжетными росписями. Ранняя керамика - черно-фигурный стиль - черные изображения на красном фоне. Позже появился чернолаковый, стиль - черным лаком покрывался фон между росписями, которые выступали, сохраняя тон основного материала-обожженной красной глины. Рисунок на вазах носил графический, плоскостной характер. Наиболее распространенными формами ваз были: амфора (для хранения вина и масла)- сосуд с высокой горловиной и двумя ручками; кратер (в нем к столу подавалось вино) - сосуд в форме перевернутого колокола и двумя ручками в нижней его части; килик - сосуд для питья вина в виде плоской чаши на высокой ножке; гидрия (для хранения воды) - высокий сосуд с тремя ручками. Видное место занимает орнамент. Греческая живопись в подлинниках также почти не сохранилась. Большое значение имеют фрески, сохранившиеся в раскопанных городах Помпеях и Геркулануме. Изображения на греческих монетах, маленькие статуэтки, ювелирные изделия.

Искусство Древнего Рима (архитектура, скульптура, живопись)

Архитектура. Архитектура Рима принципиально отлична от греческой Греки вытесывали из цельных мраморных блоков, а римляне возводили стены из кирпича и бетона, а затем при помощи скоб навешивали мраморную облицовку, приставляли колонны и профили. Памятники архитектуры покоряют своей мощью. Рассчитаны на огромные количества людей: базилики, термы, театры, амфитеатры, цирки, библиотеки, рынки и культовые сооружения: храмы, алтари, гробницы. Римляне ввели инженерные сооружения (акведуки, мосты, дороги, гавани, крепости, каналы). Идейным центром стал храм, расположенный в середине узкой стороны прямоугольной площади на ее главной оси. Площади городов украшались триумфальными арками в честь военных побед, статуями императоров и выдающихся общественных людей государства. Арочные и сводчатые формы получили распространение в мостах и акведуках. Колизей (75-80 гг. н. э.)- крупнейший амфитеатр Рима, предназначавшийся для боев гладиаторов и других состязаний.

Скульптура. В области монументальной скульптуры римляне остались позади греков. Лучшим был скульптурный портрет. Он сложился с начала I в. до н. э. Римляне пристально изучали лицо человека с его неповторимыми чертами. Греки стремились изобразить идеал, римляне - точно передать черты оригинала Глаза многих статуй изготовлены из цветной эмали Римляне первыми стали использовать монументальную скульптуру в пропагандистских целях: они устанавливали на форумах (площадях) конные и пешие статуи - памятники выдающимся личностям.

Живопись. Сохранилось немного. Дворцы и общественные здания украшались настенными росписями и картинами, сюжеты мифологии, пейзажные зарисовки. Стены расписывали под цветной мрамор и яшму. Распространенным видом была мозаика и обработка, драгоценных металлов и бронзы Художники изображали сцены из повседневной жизни и натюрморты. Фрески, покрывавшие стены домов знати Орнаментальная живопись интерьеров (I век до н. э.). Римляне расписывали домашнюю мебель и посуду. В 3 в. появляется христианское искусство в виде росписей катакомб в Риме. По сюжету росписи связаны с христианской религией - библейские сюжеты, образы Христа и Богоматери, но по художественной форме они на уровне античных росписей При строительстве христианских храмов продолжалось развитие монументальной живописи. Фрески и мозаики украшали апсиды, купола, торцовые стены главного нефа базилик Широко было развито искусство мозаики, ею украшали стены и полы в домах богатых римлян, позже христианские храмы. Весьма был распространен станковый живописный портрет, но это нам известно лишь по литературным источникам, так как работы художников республиканского времени Майя, Саполиса и Дионисиада и работы других не сохранились. Портреты вписывались в круглую раму и были похожи на медальоны.

Архитектура

В области архитектуры греки в высшей степени реализовали свой грандиозный талант. Они создали классическую архитектуру, привнесли в неё множество новаций, воплотили в ней мощь, красоту, высокое духовное начало, гармонию с природой. Среди важнейших достижений в этой области следует отметить: 1) создание архитектурных ордеров; 2) формирование архитектурных стилей; 3) постройку многих выдающихся сооружений.

Кратко проанализируем их. Начиная с VII в. до н.э. греческие зодчие создают ордерную систему. Ордер (от лат. ordo - строй, порядок) является чётко продуманной композицией соотношения и взаимосвязи между несущими и несомыми частями здания. Иначе говоря, от того, какой является колонна, во многом зависит характер верхней части здания (атаблемента) и в целом весь его облик.

Принято считать, что эллинской архитектуре были свойственны три ордера:дорический, ионический, коринфиский. Олицетворением дорического ордера является массивная колонна, располагающаяся непосредственно на каменном основании (стилобате). Ствол (фус) колонны украшали желобки (каннелюры). Их количество варьировалось от 16 до 20. Снизу вверх колонна равномерно утоньшалась. Диаметр нижней части равен 1/6 высоты колонны. Верхняя часть завершалась капителью, состоящей из круглой каменной подушки (эхина) и размещавшейся на ней квадратной плиты (абаки). Верхняя часть здания состояла из гладкой балки (архитрава), фриза, обрамлённого метопами и триглифами, а также карниза и фронтона. Метопы и фронтоны украшались скульптурой. Дорический ордер как бы выражал идею мужского начала, силу, мощь, строгость, суровость, простоту. Ионический ордер олицетворяла средней лёгкости стройная колонна, имевшая в основании базу. Диаметр нижней части равнялся 1/9 её высоты. Количество каннелюров, украшавших колонну, как правило, равнялось 24. Принципиально отличной от дорической была капитель. Она имела два изящных завитка (волюты), богатую подушку, красивый орнамент. Высота капители равнялась 1/3 диаметра нижней части колонны. Архитрав ионического ордера состоял из трёх горизонтальных полос. Были и другие отличия. Ионический ордер выражал женское началао благородность, утончённость, ажурность, грациозность, интеллектуальность. Коринфский ордер,который появился в V в. до н.э. во многом напоминает ионический. Правда, его колонна отличается лёгкостью, более вытянутыми пропорциями и пышной капителью, украшенной растительным орнаментом. Высота капители равна диаметру нижней части колонны. Количество каннелюров такое же, как и у ионической колонны. Несколько отличаются база колонны, архитрав, фриз, карниз. Коринфский ордер витиеват, насыщен болезненными фантазиями, символизирует девичье начало, нежность, чистоту.

Греки создали четыре архитектурных стиля. Архитектурный стиль в Античности определялся расположением колонн по периметру здания. Если сооружение имело колонны только с переднего фасада, то такой стиль назывался простилем. Если же коллонада имелась с переднего и заднего фасадов, то подобный стиль называли амфипростилем. Более сложным выглядел периптер, в котором колоннами окружалось всё здание. А если колонны располагались по всему периметру сооружения в два ряда, то это был диптер. В практике архитектурного строительства периптер применялся к дорическому ордеру, а диптер к ионическому.

Усилиями греческих зодчих и строителей созданы многие шедевры архитектуры - такие как храм Артемиды, Эфесской (архитектор Хейрократ), Парфенон (архитекторы Иктин и Калликрат), Александрийский маяк (архитектор Сострат), храмы Аполлона в Дельфах, Дидимах и Коринфе, Зевса в Олимпии, Геры на Самосе, Галикарнасский мавзолей (архитектор Гермоген), театры в Афинах и Эпидавре (архитектор Поликлет Младший); построен образцовый город Античности - Александрия (архитектор Дегинократ).

В архитектуре существенных результатов достигли и римляне . Активно культивируя греческие ордера, они привносили в них новшества, модернизировали их. Так, дорический ордер был несколько видоизменен, утяжелён, что позволило исследователям говорить о появлении нового ордера - тосканского. Тоже самое произошло и с коринфским ордером. Римские мастера над его капителью добавили ионический эхин и подушку с волютами, создав так называемый композитныйордер. В архитектурных сооружениях римляне активно использовали полуколонны и арки, предпочитали трёхстороннюю колонаду, т.н. псевдопериптер. В отличие от греческой архитектуры римская была более прагматичной. Не случайно известный римский зодчий Витрувий, сформулировавший три основных требования к архитектуре, на первое место поставил пользу, затем прочность и красоту. Греки же краеугольным камнем считали красоту. Впрочем, римляне любили богатое убранство и пышную отделку зданий. Они уделяли большое внимание не только строительству храмов, театров и зданий общественно-политического назначения. Для них важное значение имели и жилые дома, и виллы, и термы (бани), и мосты, и акведуки (водоводы), и дороги, и многое другое. Своеобразие архитектуры римлян также состоит в том, что они предпочитали строить на равнине и в низинах, а не на возвышенностях как греки.

К лучшим достижениям римской архитектуры можно отнести храмы Фортуны и Сатурна, Римский Пантеон, термы Каракаллы, Аппиеву дорогу, арку Константина, Римский акведук, Форум Траяна. Особо гордились римляне Колизеем, представлявшим эллипс (188 х 156 м) при высоте 48,5 м и окружности 524 м. Он имел четыре яруса. Первый ярус обрамлён полуколоннами дорического ордера, второй - ионического, третий - коринфского. Арки второго и третьего ярусов украшены статуями богов. Гигантская арена (86х54) при необходимости заполнялась водой для того, чтобы устраивать сражения экипажей кораблей. Заметный след в римской архитектуре оставили зодчие Витрувий и Аполлодор.

Античная архитектура была подлинным олицетворением своего времени, “эпохой гениально схваченной в камне”, существенно повлиявшей на архитектуру последующих эпох и всю культуру.

Скульптура

Пожалуй, самый высокий статус в греческой культуре занимала скульптура. Созданная греческими мастерами скульптура с полным правом может называться идеальной. В ней воплотились лучшие достижения человеческих рук и духа, идея гармоничного единства духовной, материальной и социальной культуры. Всё, что создано эллинами в этой области, сделано талантливо, с любовью, с глубоким знанием изображаемых объектов. Поражает не только совершенство форм, деталей, но также разнообразие и широта тем, их масштабность, многообразие используемого материала. Греки блестяще проявили себя как в монументальной скульптуре, характеризующейся значительностью идей, высокой степенью обобщения, духовностью, героикой, органическим единством с окружающей средой так и станковой, имеющей весьма углублённое, конкретное содержание, натурально воспроизводящую объекты. Не было им равных и в рельефнойскульптуре, где изображение располагается на плоскости фона (на фронтоне, стене, плите).

Греческие скульптуры в своей работе использовали самые разные материалы - дерево, камень, глину, гипс, бронзу, железо, золото, слоновую кость, мрамор и применяли адекватные способы возделывания скульптуры - вырезание, высекание, лепку, чеканку, литьё, ковку. Работа ваятелей имела фундаментальное общественное значение, хотя и не была лишена индивидуального, частного аспекта. По тем образам, которые они создавали, их современники составляли себе представления о богах, героях, выдающихся личностях, мифических персонажах, животных. Статуи богов и героев освящали, им поклонялись, украшали ими храмы, площади, места народных собраний и знаменательных событий, даже специально строили для них храмы. Больше всего статуй посвящено Аполлону, Зевсу, Дионису, Афине, Афродите, Асклепию, Гераклу.

Высшие достижения эллинской скульптуры связаны с именами Фидия, Мирона, Поликлета Старшего, Скопаса, Праксителя, Лисиппа, Хареса. Фидий осуществил изумительное по красоте и величию скульптурное убранство Парфенона. Его статуи Афина-воительница, Афина - дева, Зевс Олимпийский относятся к числу бессмертных творений человеческого гения. Не случайно Цицерон говорил, что боги Фидия - настоящие небожители. Афинский скульптор умело работал с любым материалом. Современник Фидия Мирон создал великолепные изображения дискобола, бегущего Ладаса, Афины и Марсия; Персея, убивающего Медузу; атлетов Тиманфа Филиппа и Хеонида. Его работы выражают телесную гармонию, ритмику, динамичные движения, мощь и красоту тела, жизненность. В качестве материалов Мирон предпочитал бронзу. Ещё один представитель высокой классики Поликлет создал Дорифора, Диадумена, огромную статую Геры из золота и слоновой кости, сидящую на троне и держащую в одной руке скипетр, в другой - гранатовое яблоко. Ему же приписывают ещё несколько замечательных работ - Зевса-Милостивого и Зевса-Филия, Гекату, сделанную из меди, несколько выдающихся атлетов. Поликлет в своей работе использовал и мрамор, и медь, и бронзу, и другое сырьё.

Скопас сумел передать самые тонкие нюансы души - мечтательность, порывистость, пафос, безумие. Его произведения олицетворяют дионисийское начало в культуре. Он первым посмел изобразить Афродиту обнажённой. Среди других знаменитых работ ваятеля - Менада, Арес. Скопас участвовал в скульптурном обрамлении храма Артемиды в Эфесе и Галикарнасского мавзолея.

Пракситель зарекомендовал себя как глубокий знаток меры, гармонии, отдохновения, мастер, умеющий тонко, в деталях, передать внутренний и внешний облик. Он, несомненно, являлся классическим выразителем аполлоновского начала. Самые знаменитые его статуи - Афродита Книдская, Сатир, Гермес с ребёнком - Дионисом. Плодотворной работой отличался Лисипп. Он - создатель и великий мастер портрета в скульптуре, умеющий изобразить тончайшие штрихи облика героев. Есть сведения, что Лисипп изваял 1500 статуй. Среди его работ 25 всадников-спутников А. Македонского, погибших в битве при Гранике, статуи Посейдона и Зевса, Геракла, сидящего на скале. Одна из самых значительных скульптурных работ принадлежит ученику Лисиппа Харесу. Он вылил из бронзы знаменитого Родосского колосса высотой 34 м. Талантливыми скульпторами были Леохар, Деметрий, Пэоний, Александр.

Римская скульптура не имеет столь выдающихся творений и талантливых ваятелей, как греческая. Но римские мастера (впрочем, многие из них были греками по происхождению) не только старались создать красивый, абсолютно совершенный образ, сколько сделать его приближенным к действительности, передать в нём многообразную гамму качеств, свойств характера его реального носителя. Достаточно сказать, что статуи многих императоров, консулов, полководцев, знатных римлян вовсе не блещут красотой. Но ведь и сами эти люди не обладали ею. Они же не отличались и мощным телосложением. В смысле реализма произведений, их историчности, римские ваятели были ближе к истине.

Значительными произведениями римской скульптуры являются бюсты Брута, Помпея, римлянки, статуи Августа, Клавдия, Нервы, Марка Аврелия.

Широкое распространение в Риме имело копирование выдающихся творений греческих мастеров. До нашего времени дошли в основном именно копии, а не оригиналы, за что следует воздать должное римлянам.

Живопись

Античные мастера проявили свой талант и в области живописи. Именно они создали её совершенный облик. К сожалению, в силу уязвимости произведений живописания, их осталось очень мало. Но даже по тем “жалким крохам”, которые сохранились, а также по исследованиям Плиния и Павсания уместно говорить о существенной значимости этого элемента культуры в античной жизни.

Для греческой живописи характерна необычайная широта жанров и замыслов. Художников интересовали мифологические и исторические сюжеты, красота природы и натюрморт, миниатюра и портрет. Они творили как монументальные, так и станковые произведения, а также работы имеющие чисто прикладной характер.

Самым знаменимым художником доклассического периода был Полигиот. Его кисти принадлежит большое число картин. Особо прославился Полигиот разрисовав общественное здание в Дельфах, где воспроизвёл гомеровские “Илиаду” и “Одиссею”. Он создал восхитительные образы, возвышенные характеры. Платон и Аристотель считали его лучшим живописцем.

Выдающимися художниками периодов классики и эллинизма являлись Аполлодор Афинский (которому приписывают изобретение живописи на игре света и тени и активное применение перспективы), Микон, Зевксид, Паррасий, Филоксен Тиманф, Никий, Протоген, Мелантий, Асклепиодор, Апеллес. Зевксид написал картины “Скованный Марсий”, “Семья кентавров”, “Ребёнок с виноградом”. Его работа “Елена” положила начало выставкам картин. Паррасий специализировался в изображении бытовых сцен, занавесов, написал знаменитое полотно “Тесей”. Он ввёл в живопись симметрию, выразительность и красоту в лице, изящество в волосах. Пожалуй, самым известным художником Античности, которого считают создателем жанра портрета, был Апеллес. Нарисованная его кистью работа “Александр с молнией в руке” потрясла воображение современников. Как сообщает Плиний, за неё он получил самый крупный гонорар, который получал кто-либо из живописцев. Известны названия ещё нескольких его замечательных работ: “Габрон”, “Антей”, “Геракл”, “Герой”, “Афродита” и “Клевета”. “Ни дня без совершенства!” - таким был лозунг творческой жизни Апеллеса. Его произведения славились изумительным очарованием и обаянием, красотой и выразительностью. Апеллес часто выставлял свои незавершенные творения для обозрения прохожим, выслушивал их критические замечания, а затем дорабатывал картины с учётом общественного мнения. К тому же художник был одним из первых теоретиков живописи, сочинил несколько книг, в которых изложил собственное учение о ней. Художник Филоксен написал картину “Битва Александра Македонского с Дарием”. Её мозаическая копия дошла до наших дней; она была обнаружена при раскопках Помпей.

У греков существовали картинные галереи (пинакотеки), где хранились произведения лучших художников. Наиболее известными были афинская и герайонская пинакотеки.

История римской живописи не знала столь выдающихся мастеров и таких значимых произведений как греческая. Родоначальником римской живописи считается Гай Фабий Пиктор, известны также имена таких живописцев как Пакувий, Лабеон, Турпилий. В Риме широкое распространение имели декоративные стенные росписи, заупокойные портреты, настенные картины, мозаические композиции, исторические баталии, пейзажи. Римляне любили делать копии работ выдающихся греческих живописцев. Они, как и греки создавали галереи картин, причём преимущественно частные. Правда, известный политический деятель и полководец Марк Агриппа настаивал на том, что все картины и статуи должны стать общественным достоянием, а не находиться в изгнании на виллах. Картины талантливых художников ценились чрезвычайно высоко. Многие состоятельные римляне стремились их приобрести за баснословные деньги. Порою из-за этого даже судились.

И греческие и римские художники рисовали на холсте, дереве, мраморе, глинянных табличках, стенах, склепах, слоновой кости, пергаменте и папирусе. Живопись широко применялась для росписи щитов, амфор, ваз, киликов, украшений и многих других предметов.

Античные архитектурные, скульптурные, живописные творения во многом остались недосягаемыми для мастеров последующих эпох. Они и ныне являются идеалом совершенства, красоты, гармонии, глубокого понимания и утончённого изображения человека и природы. Пять шедевров античных мастеров - храм Артемиды Эфесской, Галикарнасский мавзолей, Колосс Родосский, Александрийский маяк, статуя Зевса Олимпийского (наряду с египетскими пирамидами и висячими садами Вавилона) причислены к наиболее удивительным творениям человеческой культуры, т.н. семи чудесам света.

Скульптура

Круглая скульптура (статуя, группа, статуэтка, бюст), вид скульптур, которая представляет собой произведение трёхмерного объёма (обозримая со всех сторон).

Пример круглой скульптуры («Медный всадник», Санкт-Петербург)

Модель конной статуи Петра выполнена скульптором Этьеном Фалькоге в 1768-1770. Голову статуи лепила ученица этого скульптора, Мари Анн Колло. Змею, по замыслу Фальконе, вылепил Федор Гордеев. Отливка статуи осуществлялась под руководством литейных дел мастера Екимова Василия Петровича и была закончена в 1778 году. Архитектурно-планировочные решения и общее руководство осуществлял Ю.М. Фельтен.

Рельеф — вид изобразительного искусства, в котором всё изображаемое создаётся с помощью объёмов, выступающих из плоскости фона. Выполняется с применением сокращений в перспективе, обыкновенно рассматривается фронтально.

Древний мраморный саркофаг с барельефом. Музей Лувр.

Барельеф (фр. bas-relief — низкий рельеф) — вид скульптуры, в котором выпуклое изображение выступает над плоскостью фона, как правило, не более чем на половину объёма.

Барельеф пьедестала Александровской колонны. Воздвигнута в стиле ампир в 1834 году в центре Дворцовой площади (Санкт-Петербург) архитектором Огюстом Монферраном по указу императора Николая I в память о победе его старшего брата Александра I над Наполеоном .

_____________________________________________________________________________________________________

Горельеф (.haut-relief — высокий рельеф) — вид скульптуры, в котором выпуклое изображение выступает над плоскостью фона более чем на половину объема.

Горельеф «Марсельеза» скульптора Рюда на Триумфальной парижской арке 1792.

_____________________________________________________________________________________________________

Контррельеф (от лат. contra — против и «рельеф») — вид углублённого рельефа, представляющий собой «негатив» барельефа. Применяется в печатях и в формах (матрицах) для создания барельефных изображений и инталий.

_____________________________________________________________________________________________________

Койланаглиф (или en creux (анкрё)) — вид углублённого рельефа, т.е. вырезанный на плоскости контур. В основном, применялся в архитектуре Древнего Египта, а также в древневосточной и античной глиптике.

_____________________________________________________________________________________________________

Мелкая пластика (всевозможные статуэтки из различных материалов).

_______________________________________________________________________________________

Монументальная скульптура (памятники, монументы) отличается крупными размерами; монументально-декоративная скульптура включает все виды убранства архитектурных сооружений и комплексов (атланты, кариатиды, фризы, садово-парковая скульптура); станковая скульптура, не зависящая от среды, имеет размеры, близкие к натуре или меньшие.

В.И. Мухина, рабочий и колхозница, нержавеющая сталь, высота около 25м. Москва.

_____________________________________________________________________________________________________

Архитектура

Архитектура (лат. architectura от др.-греч.. αρχι — старший, главный и др.-греч. τέκτων — строитель, плотник) — искусство проектировать и строить здания и другие сооружения (также их комплексы), создающие материально организованную среду, необходимую людям для их жизни и деятельности, в соответствии с назначением, современными техническими возможностями и эстетическими воззрениями общества. Архитектурой также называют облик зданий и сооружений. Кроме того, сами здания и сооружения собирательно называют архитектурой.

Дворцовая площадь. Санкт-Петербург