Родоначальник исторической живописи в русском искусстве. Развитие живописи в XIII — XV веках. Московская школа. Андрей Рублев

В истории искусства России 17 век был периодом борьбы двух живописных школ и формирования новых жанров. Православная церковь все еще имела огромное влияние на культурную жизнь человека. Художники тоже испытывали некоторые ограничения в своей деятельности.

Иконопись

Во времена позднего Средневековья центром сосредоточения в России художников и ремесленников был Кремль, а точнее Оружейные палаты. Там трудились лучшие мастера архитектуры, живописи и других видов творчества.

Несмотря на стремительное развитие искусства по всей Европе, живопись в России в 17 веке имела только один жанр - иконопись. Художники вынуждены были творить под неусыпным надзором церкви, которая всячески противилась любым нововведениям. Русская иконопись сформировалась под влиянием живописных традиций Византии и имела к тому времени четко сформировавшиеся каноны.

Живопись, как и культура в России 17 века, была достаточно замкнутой в себе и развивалась очень медленно. Однако одно событие повлекло за собой полное реформирование иконописного жанра. При пожаре в 1547 года в Москве сгорело множество древних икон. Необходимо было восстанавливать утраченное. И в процессе главным камнем преткновения стал спор по поводу характера ликов святых. Мнения разделились, приверженцы старых традиций считали, что образы должны остаться символичными. В то время как художники более современных взглядов были за то, чтобы придать святым и мученикам большую реалистичность.

Разделение на две школы

В итоге живопись в России в 17 веке разделилась на два лагеря. В первом были представители "годуновской" школы (от имени Бориса Годунова). Они стремились к возрождению иконописных традиций Андрея Рублева и других средневековых мастеров.

Эти мастера работали над заказами для царского двора и являли собой официальную сторону искусства. Характерными чертами для этой школы были каноничные лики святых, упрощенные изображения толпы людей в виде множества голов, золотистые, красные и сине-зеленые тона. При этом можно заметить попытки художников передать материальность некоторых предметов. Годуновская школа наиболее известна своими настенными росписями в палатах Кремля, в Смоленском соборе, Троицком соборе.

Противоборствующей школой стала "строгановская". Название связано с купцами Строгановыми, для которых делалась большая часть заказов и которые выступали в качестве "спонсоров" в развитии живописи в России в 17 веке. Именно благодаря мастерам из этой школы и началось стремительное развитие искусства. Они первыми стали делать миниатюрные иконы для домашних молитв. Это способствовало их распространению среди простых граждан.

Строгановские мастера все больше и больше выходили за рамки церковных канонов и стали уделять внимание деталям окружения, внешнему виду святых. Так потихоньку стал развиваться пейзаж. Их иконы отличались красочностью и декоративностью, а трактовка библейских персонажей была ближе к образам реальных людей. Самые известные из сохранившихся произведений - иконы "Никита воин", "Иоанн Предтеча".

Ярославские фрески

Уникальным памятником в истории живописи 17 века в России являются фрески в церкви Пророка Ильи в Ярославле, над которыми работали художники из Оружейных палат. Особенностью этих фресок являются сцены из реальной жизни, которые преобладают над библейскими сюжетами. Например, в сцене с исцелением основную часть композиции занимает изображение крестьян во время жатвы. Это было первое монументальное изображение в бытовом жанре.

Среди этих фресок можно встретить сказочные и мифологические сцены. Они поражают своими яркими красками и сложной архитектурой.

Симон Ушаков

На каждом этапе культурного развития страны появляются свои значимые лица. Человеком, который продвинул живопись в России в 17 веке по новому направлению и способствовал ее частичному освобождению от религиозной идеологии, был Симон Ушаков.

Он являлся не только придворным живописцем, но и ученым, педагогом, богословом, человеком широких взглядов. Симон был увлечен западным искусством. В частности, его интересовало реалистичное изображение человеческого лица. Это хорошо заметно в его работе "Спас Нерукотворный".

Ушаков был новатором. Он первым из русских художников стал использовать масляную краску. Благодаря ему стало развиваться искусство гравюры на меди. Будучи тридцать лет главным художником Оружейной палаты, он написал множество икон, гравюр, а также несколько трактатов. Среди них "Слово к любителю иконного писания", в котором он изложил свои мысли о том, что художник должен, подобно зеркалу, правдиво отображать окружающий мир. Он придерживался этого в своих работах и обучал этому своих учеников. В его записях есть упоминания анатомического атласа, который он хотел написать и проиллюстрировать гравюрами. Но, судя по всему, он не был издан или же не сохранился. Главная заслуга мастера в том, что он заложил основы портретной живописи 17 века в России.

Парсуна

После значительных преобразований в иконописи, начал формироваться портретный жанр. Поначалу он выполнялся в иконописном стиле и получил название "парсуна" (от латинского - персона, личность). Художники все больше работают с живой натурой, и парсуны становятся более реалистичными, лица на них приобретают объем.

В этом стиле написаны портреты Бориса Годунова, царей Алексея Михайловича, Федора Алексеевича, цариц Евдокии Лопухиной, Прасковьи Салтыковой.

Известно, что при дворе работали и иностранные художники. Они тоже в значительной мере способствовали эволюции русской живописи.

Книжная графика

Книгопечатание тоже довольно поздно пришло на русские земли. Однако параллельно с его развитием популярность приобретали и гравюры, которые использовались в качестве иллюстраций. Изображения были как религиозного, так и бытового характера. Книжная миниатюра того периода отличается сложным орнаментом, декоративными буквицами, встречаются и портретные изображения. Большой вклад в развитие книжной миниатюры внесли мастера строгановской школы.

Живопись в России в 17 веке из высокодуховной превратилась в более мирскую и близкую к народу. Несмотря на противодействие церковных деятелей, художники отстояли свое право творить в жанре реализма.

Развитие живописи и архитектурного храмового стиля России берут своё начало в глубине веков. В 988 году Киевская Русь вместе с принятием христианства получила огромное культурное наследие Византийской Империи, сочетающей в себе черты сверкающей пышности Востока и аскетическую простоту Запада. В процессе синтеза этого многостороннего художественного стиля и специфического самобытного искусства сформировались архитектура и живопись Древней Руси.

Исторические предпосылки развития самобытного стиля архитектуры и живописи Древней Руси

Живопись Древней Руси как памятник дохристианской культуры неизвестна современным учёным, а скульптура этой эпохи представлена всего несколькими деревянными изваяниями идолов. Так же ситуация обстоит и с архитектурными памятниками дохристианской Руси, скорее всего, по причине того, что они были созданы из дерева и не сохранились на сегодняшний день.

Живопись на Руси начала переживать своё бурное развитие в 10 веке, когда после внедрения в использование на территории Руси славянской азбуки Кириллом и Мефодием стал возможен обмен опытом между русскими и византийскими мастерами, которых приглашал после 988 года в русские города князь Владимир.

В начале 11 века ситуация в политической и социальной сферах древнерусского государства сложилась таким образом, что языческая религиозная составляющая начала насильно выводиться правящим сословием из всех сфер общественной жизни. Таким образом, архитектура и живопись Древней Руси начали своё развитие именно из влившегося в эту среду византийского наследия.

Предпосылки развития стилевых особенностей архитектуры

Архитектура и живопись Древней Руси как целостный стилевой ансамбль появились под непосредственным влиянием архитектуры Византии, которая синтезировала формы античных храмовых построек, постепенно сформировав известный с 10 века тип крестово-купольного храма, сильно отличавшийся от раннехристианских базилик. Перенося купола на полукруглые жёсткие рёбра четырёхугольного основания храма, применяя новейшую разработанную "парусную" систему поддержки купола и облегчения его давления на стены, византийские архитекторы добились максимального расширения внутренного пространства храма и создали качественно новый тип христианской храмовой постройки.

Описанные выше особенности проектирования относятся к храмам, в основании которых лежит так называемый "греческий крест", представляющий собой пять квадратов, расположенных на одинаковом расстоянии друг от друга.

Намного позже - в 19 веке - в России сформируется так называемый "псевдовизантийский" стиль храмовых построек, в которых купола приземистой формы расположены на низких барабанах, опоясанных оконной аркадой, а внутреннее пространство храма представляет единую площадь, не разделённую пилонами и крестовыми сводами.

Предпосылки развития стилевых особенностей живописи

Живопись Древней Руси как самостоятельный тип художественного декорирования храмов оформилась после того, как на эту территорию после привезли свой иконописный опыт приглашённые византийские мастера. Поэтому многочисленные настенные росписи и фрески первых христианских храмов домонгольского периода неразличимы по русскому и византийскому происхождению.

В теоретическом плане прекрасно иллюстрирует иконопись, живопись Древней Руси Успенский Собор Киево-Печёрской Лавры, работы в котором принадлежат кисти византийских мастеров. Сам храм не сохранился, однако о его внутреннем декорировании известно по описанию, зафиксированном в 17 веке. Приглашённые иконописцы остались в монастыре и положили начало обучению своему ремеслу. Преподобные Алипий и Григорий были первыми русскими мастерами, вышедшими из этой иконописной школы.

Таким образом, искусство, иконопись, живопись Древней Руси ведёт свою теоретическую и методическую преемственность от древних знаний восточных мастеров.

Специфика архитектурно-строительного типа жилых и храмовых построек Древней Руси

Культура Древней Руси, живопись, иконопись и архитектура которой представляют собой единый ансамбль, мало затронула архитектуру общественных и жилых построек, которые продолжали выполняться либо типовыми теремными зданиями, либо крепостями. Византийские архитектурные нормы не предполагали какой-либо практической защиты комплекса зданий или каждого из них в отдельности от атак неприятеля. живопись и архитектуру которого можно показать на примере псковских и тверских монастырских построек, ориентировано на их конструктивную защищенность, облегченность купольных частей здания с максимальньным утолщением несущих конструкций.

Культовая древнерусская живопись

Культура Древней Руси, живопись которой прогрессировала под всесторонним влиянием византийского искусства, окончательно оформилась к концу 15 века, вобрав в себя все его самые яркие специфические качества и ассимилировавшись с самобытными художественными древнерусскими техниками. И хотя некоторые виды изобразительного искусства, такие как художественное шитье и резьба по дереву, были известны древнерусским мастерам, наиболее широкое распространение и развитие в лоне культового искусства они получили именно после прихода на Русь христианства.

Православная культура Древней Руси, живопись которой представлена не только храмовыми фресками и иконописью, но и лицевым шитьем и резьбой, отражающими символы веры и использовавшимися в быту мирскими людьми, оставила отпечаток на внутреннем убранстве зданий и декорировании их фасадных частей.

Разнообразие и состав красок

Монастыри и иконописные мастерские Древней Руси были местом сосредоточения научных достижений и экспериментов в области химии, так как в них вручную из различных ингридиентов изготавливались краски.

В на пергаменте и иконописи мастера применяли преимущественно одни и те же краски. Ими являлись киноварь, лазурит, охра, и другие. Таким образом верной своим практическим навыкам осталась живопись живопись Византии не смогла полностью заместить местные способы получения красок.

Однако в каждой конкретной технике живописи были и есть свои излюбленные приёмы и методы - как изготовления самой краски, так и способов её нанесения на поверхность.

Согласно новогородскому иконописному подлиннику 16 века, наибольшим предпочтением у мастеров пользовались киновари, лазори, белила, празелень. В подлиннике также впервые появились названия этих цветов - жёлтая, красная, чёрная, зелёная.

Белила, как самая популярная краска, чаще всего употреблялась в колористических смесях, служила для нанесения пробелов и "разбеливания" других красок. Белила изготавливались в Кашине, Вологде, Ярославле. Метод их изготовления заключался в окислении свинцовых полосок уксусной кислотой с дальнейшей промывкой получившегося белого колера.

Основным компонентом "лицевого письма" в иконописи по сей день является охра.

Живопись Древней Руси, также как и её византийский эталон, предполагала использование разнообразного колористического материала в написании святых обликов.

Одной из основных широкоиспользуемых красок была киноварь - сернистый сульфид ртути. Киноварь добывалась на известнейшем в Европе русском Никитинском месторождении. Изготовление краски происходило в процессе растирания киновари с водой, с последующим растворением в ней сопутствующего в руде колчедана и пирита. Киноварь могла быть заменена более дешёвым суриком, получаемым путём обжига свинцовых белил.

Лазорь, как и белила, предназначалась для написания пробелов и получения тонов других цветов. В прошлом основным источником лазурита были месторождения Афганистана. Однако с 16 века появилось большое количество способов получения синего пигмента из ляпис-лазури.

Наряду с этими основными красками, в русской иконописи использовались бакан, червлень, празелень, зелень, ярь-медянка, крутик ("синило"), голубец, санкирь (коричневатые тона), багор, рефть, дичь. Терминология древнего живописца обозначала все краски различными словами.

Художественная манера древнерусской иконописи

В каждом территориально-целостном государственном объединении происходит определённая консолидация художественно-эстетических норм, которые в дальнейшем утрачивают некоторую связь с эталонным образцом. Такой обособленной и саморазвивающейся сферой национально-культурного проявления является и живопись Древней руси. Древняя живопись больше других областей искусства подвержена техническому и визуальному изменению, поэтому отдельно стоит сказать об её особенностях, тесно связанных с архитектурой и методами письма.

Монгольское нашествие разрушило большую часть иконописных и фресковых памятников Древней Руси, подорвав и приостановив процесс написания новых произведений. Однако определённую картину прошлого возможно восстановить по сохранившимся документам и скудным археологическим памятникам.

Из них известно, что в эпоху домонгольского нашествия Древней Руси оказывала значительное влияние на иконопись своими техническими приёмами - лаконичностью композиционного построения и сумрачным сдержанным колоритом - однако уже к 13 веку этот колорит начинает сменяться яркими тёплыми цветами. Таким образом, византийская техника иконописи к 13 веку проходит процесс преломления и ассимиляции с такими древнерусскими национальными художественными приёмами, как свежесть и яркость цветовой гаммы, ритмический композиционный строй и непосредственность цветового выражения.

В эту эпоху трудятся самые известные мастера, донёсшие до современности живопись Древней Руси - кратко этот список можно представить митрополитом Московским Петром, архиепископом Ростовским Феодором, преподобными Андреем Рублёвым и Даниилом Чёрным.

Особенности древнерусской фресковой живописи

Фресковая живопись на Руси не существовала до прихода христианства и была полностью заимствована из византийской культуры, в процессе ассимиляции и развития несколько видоизменив имеющиеся византийские приёмы и техники.

Для начала стоит сказать, что культура Древней Руси, живопись которой до того существовала в виде мозаики, видоизменила использование штукатурных подготовительных материалов, применяя подмозаичное известняковое основание под фреску, и к концу 14 века произошёл переход от древних византийских техник письма и изготовления материалов - к новым исконно русским приёмам фресковой живописи.

Среди в корне изменившихся процессов изготовления оснований и красок можно выделить появление штукатурки, созданной исключительно на основе чистого известняка, прежде разбавляемой для прочности кварцевым песком и мраморной крошкой. В случае русской живописи штукатурное фресковое основание - левкас - изготавливалось путём длительного выдерживания извести в смеси с растительными маслами и клеем.

Древнерусское лицевое шитьё

После 988 года, с приходом византийскийх традиций в живопись Древней Руси, древняя живопись получила широкое распространение в области культовой обрядовой области, особенно в лицевом шитье.

Немало этому способствовали царицыны мастерские, функционировавшие под покровительством великих княгинь Софьи Палеолога, Соломонии Сабуровой, цариц Анастасии Романовой и Ирины Годуновой.

Лицевое шитьё как религиозная живопись Древней Руси имеет очень много общих композиционных и графических черт с иконой. Однако лицевое шитьё - это коллективный труд, с чётким распределением ролей создателей. Иконописец изображал на полотне лик, надписи и фрагменты одежды, травник - растения. вышивался нейтральным цветом; лицо и руки - шёлковыми нитями телесных тонов, в том числе, стяжки располагались по линиям вдоль контуров лица; одежда и окружающие предметы вышивались либо золотыми и серебряными нитями, либо разноцветным шёлком.

Для большей прочности под вышиваемое полотно подкладывался холст или сукно, под которое крепилась вторая подкладка из мягкой ткани.

Особенно сложной являлась двухстороння вышивка на хоругви и знамёна. В этом случае шёлковые и золотые нити протыкались насквозь.

Лицевая вышивка имеет обширное применение - большие пелёна и воздухи украшали храм, подкладывались под иконы, застилали алтарь, применялись на знамёнах. Во многих случаях полотна с ликами святых крепились на ворота храма или дворца, а также внутри приёмных залов.

Территориальная вариативность древнерусского искусства

Культура Древней руси - живопись, иконопись, архитектура - имеет некоторую территориальную вариантивность, затрагивающую как декорированность храмов, так и архитектурно-строительные особенности зданий.

Например, искусство Древней Руси, живопись которой подразумевает использование в качестве украшений внутреннего убранства храмов либо мозаики, либо фрески, прекрасно раскрывается на примере собора Софии Киевской. Здесь наблюдается свободное сочетание и мозаичной, и фресковой живописи, при обследовании храма выявилось два слоя грунта. В церкви Преображения села Большие Вяземы все штукатурные основания выполнены из чистой извести без наполнителей. А в Спасском соборе Спасо-Андрониевского монастыря в качестве связующего звена штукатурного левкаса выявлен кровяной альбумин.

Таким образом, можно заключить, что особенность и неповторимость древнерусского искусства заключается в его территориальной ориентированности и индивидуально-личностных предпочтениях и умениях русских художников передавать цвет и характер идеи согласно его национальным нормам.

Культурология и искусствоведение

Федеральное агентство железнодорожного транспорта

Сибирский государственный университет путей сообщения

Кафедра « Философия и культурология »

(название кафедры)

Великие имена русской живописи

Реферат

По дисциплине «Культурология»

Руководитель Разработал

Студент гр. Д-113

Быстрова А.Н. ___________ Фиткова И. В.

(подпись) (подпись)

_______________ ______________

(дата проверки) (дата сдачи на проверку)

2011 год

Введение ………………………………………………………………...2
Развитие искусства в XIII………………………………………………4
Искусство на рубеже XI V - X V ………………………………………....5
Искусство XVI…………………………………………………………..7
Развитие искусства в X V II веке………………………………………..7
Искусство в X V III……………………………………………………...10
Искусство XIX - начала XX века………………………………………12
Развитие искусства в революционную эпоху СССР…………………16
Заключение………………………………………………………………17
Список литературы……………………………………………………..18

Введение

Любите живопись, поэты!

Лишь ей, единственной, дано

Души изменчивой приметы

Переносить на полотно.

Николай Заболоцкий.

Николай Заболоцкий совершенно справедливо отмечает то, что любые изменения социального пространства находят отражение в трудах поэтов, писателей, живописцев, общественных деятелей

Среди множества видов искусства есть три особых- самых, на мой взгляд, главных: литература, музыка, изобразительное искусство. Слово, звук, изображение- без них невозможны все другие виды искусства: ни спектакль, ни фильм, ни эстрадный концерт. Музыку слушают, героев литературных произведений читатели представляют себе мысленно, в воображении. А произведения изобразительного искусства мы видим глазами. Оно самое древнее из трёх главных люди ещё не умели говорить, а изображения уже создавали, наскальные рисунки, например. Изобразительное искусство создают художники. Они изображают мир таким, каким его видим мы все, и таким, каким его видит один-единственный человек, сам художник. Изобразить можно всё: и видимый мир предметов, людей, животных, и невидимый мир чувств радость и горе, правду и ложь, добро и зло. . Историю нашего государства можно изучать не только по документам, на основе артефактов, но и по художественному наследию великих предков. Не исключением является и живопись. Для написания реферата я использовала «Очерки русской культуры IX-XVII веков» (авторы А.В Муравьев, А.М Сахаров), «Очерки истории русской культуры XVIII века» Б.И Краснобаева, «История русского искусства» В.Н. Александрова. В этих книгах даны основные этапы истории культуры нашей страны их особенности и отличительные черты. Развитие культуры рассматривается как часть истории, что помогает раскрытию объективных закономерностей исторического процесса. В разные эпохи в России творили, выражая народные мечты и чаяния, такие выдающиеся живописцы как Андрей Рублев, Дионисий, Левицкий и Рокотов, Кипренский и Федотов, Брюлов и Иванов, Репин и Суриков, Врубель и Серов и еще многие другие мастера, принесшие русской художественной культуре подлинную и непререкаемую славу.

Русская живопись за времена своего становления претерпела множество изменений, но сохранила свою самобытность, в рамках данного проекта я считаю необходимым проследить процесс становления русской традиции в живописи.

Цель: осуществить обзор творчества великих русских художников (с XIV по XX век) в контексте социо-культурных особенностей периода творчества того или иного художника. Теоретический объект исследования : представители русской живописи в лице художников, школ, направлений

Развитие искусства в XIII

Русское искусство вообще, и русская живопись в частности появилось из искусства Киевской Руси, которое полностью самобытным назвать еще нельзя, ведь вместе с христианством князь Владимир привёз из Византии и художественные традиции. Они причудливо переплелись с языческой культурой, постепенно изменяясь со временем. Важнейшими источниками русского искусства на этапе его становления стали народное декоративное и изобразительное творчество, а так же византийские образцы. Быстрое социальное политическое и культурное развитие русских земель приводит к творческой переработке этих источников и к возникновению самобытного и величественного стиля в зодчестве, фреске, декоративном искусстве Руси. Начинается развитие самобытной русской иконописи. Но в XIII веке в связи с монголо-татарским нашествием эти процессы в культуре затормозились, и даже остановилась, значительная часть памятников домонгольской русской культуры была безвозвратно утрачена. Монгольское нашествие, разрушив многие русские города нанесло огромный урон русской городской культуре, но с середины XI V века обозначаются признаки возрождения. На рубеже XI V - X V веков Москва знала не только работы константинопольских мастеров, но произведения южнославянских художников: здесь творил один из величайших живописцев того времени Феофан Грек, приехавший из Новгорода уже вполне сложившимся мастером. Мастерство Феофана Грека вызвало стремление московских живописцев подражать ему. Многие работы Феофана Грека до нас не дошли, кроме икон Благовещенского собора.

Искусство на рубеже XI V - X V

Подъем московского искусства подготовил творчество великого русского художника Андрея Рублева. Важнейшей вехой в искусстве рубежа XI V - X V веков стало формирование московской школы живописи, которую и возглавил выдающийся художник Андрей Рублев. В своих иконах и росписях Рублев выработал настолько совершенный художественный язык, что на протяжении 15 века его стиль стал ведущим.

К сожалению, в точности, когда родился Андрей Рублев не известно. Большинство исследователей считают условно 1360 год датой рождения художника. Андрей Рублев был иноком Троице-Сергиева, а потом Спаса-Андроникова монастырей. В 1405 году вместе с Феофаном Греком и Прохором из Городца расписывал Благовещенский собор. Властный суровый, эмоционально насыщенный живописный язык Феофана, нарушающая традиционные иконографические схемы, необычайная смена образов не могли не произвести на Рублева глубокого впечатления. Весьма показательно, что имя Рублева в летописи той поры упоминается на третьем месте. Из этого можно заключить, что тогда Андрей Рублев был не только самым молодым, но и наименее известным автором.

Андреем Рублевым и под его руководством было расписано много храмов, а также нарисован целый ряд деисусных, праздничных и пророческих икон.

В 1425 14 27 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами расписал Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря и создал иконы его иконостаса. Сохранились иконы; они выполнены в различных манерах и неравноценны по художественным качествам. Время, когда на Руси назревали новые междоусобные войны и гармонический идеал человека, сложившийся в предшествующий период, не находил опоры в действительности, сказалось и на творчестве Рублёва. В ряде произведений Рублёву удалось создать впечатляющие образы, в них чувствуются драматические ноты, ранее ему не свойственные («Апостол Павел»). Некоторые источники называют роспись Спасского собора Андроникова монастыря (весной 1428 года; сохранились лишь фрагменты орнаментов) последней работой Рублёва.

Ему приписывается также ряд работ, принадлежность которых кисти Рублёва точно не доказана: фрески Успенского собора на «Городке» в Звенигороде (конец XIV начало XV веков; сохранились фрагменты), иконы «Владимирская богоматерь» (около 1409 , Успенский собор, Владимир), «Спас в силах» ( 1408 , Третьяковская галерея), часть икон праздничного чина («Благовещение», «Рождество Христово», «Сретение», «Крещение», «Воскрешение Лазаря», «Преображение», «Вход в Иерусалим» все около 1405 ) Благовещенского собора Московского Кремля (иконостас этого собора, согласно новейшим исследованиям, происходит из Симонова монастыря ), часть миниатюр « Евангелия Хитрово » (около 1395 года, Российская государственная библиотека , Москва).

Творчество Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры. Самым знаменитым произведением Рублева является икона «Троица», написана в 1425-1427 годах для Троице-Сергиева монастыря. В основе сюжета лежит библейская легенда, повествующая о том, как к старцу Аврааму явилось трое прекрасных юношей, и как он вместе со своей супругой Саррой угощал их под сенью мамврийского дуба. В иконе Рублева отброшено все второстепенное и несущественное, отсутствуют фигуры Авраама и Сарры, многочисленные яства, остались лишь три фигуры ангелов. Средний из ангелов Христос. Все три фигуры как бы образуют круг. В картине очень спокойные, но в то же время последовательный и четкий ритм кругового движения, которому подчинена вся композиция, краски чисты и гармоничны. Избранное Рублевым сочетание цветов зеленого, голубого и желтого, а так же цвета спелой ржи никогда до этого еще не звучало так ярко в русской живописи.

Таким образом, московская школа иконописи отличается от новгородских икон одухотворенностью образов, гибкостью фигур, гармонической согласованностью колорита. В отличие от энергичных красного, желтого, белого, темно-синего, оливково-зеленого, к которым постоянно прибегают новгородские мастера, в московской живописи преобладают светлые прозрачные тона и оттенки голубого, золотисто-коричневого, бледно-зеленого, вишнево-коричневого и сиреневого.

В творчестве Андрея Рублева русское искусство сделало громадный и очень важный шаг по пути становления реалистического начала с индивидуальной свободой художественного творчества, была преодолена суровая аскетическая традиция византийского искусства. Работы Андрея Рублева гуманистичны, они раскрывают красоту и силу человеческой души, они проникнуты любовью к человеку.

Искусство XVI

В 80 годах X V века складывается русское централизованное государство и исчезают остатки зависимости от монголо-татарских ханов, Москва становится столицей большого государства. Возрастает ее значение как центра объединяющего культурное наследие воссойдиненных земель. Основной задачей искусства становится прославление Руси, что придает политический смысл многим произведениям живописи X V I века. Ведущее положение в живописи конца X V века заняла московская школа. Централизация власти и усиление роли церкви в жизни государства привели к еще большему подчинению искусства официальной идеологии. Эти явления проявились в определенной степени и в творчестве крупнейшего московского мастера конца X V начала X V I века- Дионисия. Родился он вероятней всего 1440 года, в отличие от Андрея Рублева не был иноком. Его два сына Владимир и Феодосий так же были живописцами и помогали ему в его работах. Творческая деятельность Дионисия была тесно связанна с высшими светскими и духовными кругами государства. Мастер исполнял важнейшие заказы митрополита и великого князя, в частности в связи с победой, одержанной в 1480 году над войском татарского хана Ахмата. С наибольшей полнотой творчества Дионисия нашло свое отражение в росписях Ферапонтова монастыря, эта роспись посвящена теме похвала Богородице яркие сочетание красок, пестрые узоры одежд, множество изображенных трав и цветов создают впечатление праздничное и торжественное. Искусство Дионисия при всем его великолепии утрачивает некоторые замечательные качества по сравнению с рублевской эпохой: если Рублева интересовал прежде всего внутренний, духовный мир человека, у Дионисия отмечается стремление к внешней красивости и декоративной пышности.

Развитие искусства в X V II веке .

В русской живописи X V I века замечается рад новшеств благоприятных для дальнейшего развития искусства. Русские мастера впервые начинают воспроизводить картины быта, природы и людей в современном их обличье. Таким образом, в живописи 16 века появляются черты, которые подготовили развитие реалистических начал X V II века.

Долгое время в литературе имел распространение взгляд на X V II век как на время упадка древнерусской живописи, искусство этого времени при сопоставлении со временем Андрея Рублева и Феофана Грека рассматривалось как более низкое по силе и средствам художественной изобразительности. Действительно в живописи X V II века нет произведений, отмеченных таким совершенством композиции живописного мастерства и одухотворенности как в произведении великих мастеров X V - X V I веков. Смутное время, «бунташный век», церковный раскол все эти события повлияли на развитие русского искусства X V II века.

X V II век это переломное время в истории в области живописи совершались тогда чрезвычайно важные процессы, в первую очередь стремление к «обмирщению», усиление светских элементов, тенденции к реализму.

Высшая ступень развития живописного искусства в X V II веке связана с деятельностью выдающегося художника Симона Ушакова (1626-1686). Выходец из посадских людей Симон Ушаков работал в Оружейной палате и был возведен в дворянское звание. Значение этого мастера не ограничивается созданными им многочисленными произведениями, в которых он стремился преодолеть художественную догму и добиться правдивого изображения - «как в жизни бывает».

Свидетельством передовых взглядов Ушакова является написанное им, очевидно, в 60-х годах «Слово к любителю иконного писания». В этом трактате Ушаков высоко ставит назначение художника, способного создавать образы «всех умных тварей и вещей... с различным совершенством создавать эти образы и посредством различных художеств делать замысленное легко видимым».

Выше всех «существующих на земле художеств» Ушаков считает живопись, которая «потому все прочие виды превосходит, что деликатнее и живее изображает представляемый предмет, яснее передавая все его качества...».
Ушаков уподобляет живопись зеркалу, отражающему жизнь и все предметы

«Слово к любителю иконного писания» было посвящено Ушаковым Иосифу Владимировичу, московскому живописцу, уроженцу Ярославля, пользовавшемуся в 40-60-х годах значительной известностью. Иосиф Владимиров - автор более раннего трактата об иконописании, в котором он, хотя и не столь определенно, как Ушаков, также заявлял себя: сторонником новшеств и требовал большей жизненности в искусстве.

Ушаков - художник, учёный, богослов, педагог - был человеком новой эпохи, новым типом мыслителя и творца. Будучи новатором в искусстве, он в то же время понимал ценность старинных традиций русской культуры и тщательно оберегал их. Именно в силу названных качеств, отмеченной редкой широты взглядов он смог более тридцати лет стоять во главе русского искусства.

Занимаясь воспитанием учеников и всячески стремясь передать им свои знания, он задумал даже издание подробного анатомического атласа. «Имея от Господа Бога талант иконописательства... не хотел я его скрыть в землю... но попытался... выполнить искусным иконописательством ту азбуку искусства, которая заключает в себе все члены человеческого тела, которые в различных случаях требуются в нашем искусстве, и решил их вырезать на медных досках...» - писал о своём замысле Ушаков, однако атлас, по-видимому, издан не был.

С первых лет самостоятельного творчества определился интерес Ушакова к изображению человеческого лица. Знаменитым произведением Ушакова является его «Спас нерукотворный», в котором художник изобразил классически правильное лицо, очень хорошо передана его объемность, ткань, на которой по церковному приданию, возникло изображение Христа.

Настойчиво повторяя эту тему, художник стремился избавиться от условных канонов иконописного изображения и добиться телесного цвета лица, сдержанной, но отчетливо выраженной объемности построения и почти классической правильности черт. Правда, иконам Спаса работы Ушакова недостаёт одухотворенности русских икон XIV-XV веков, но это в известной мере искупается искренним старанием художника воссоздать на иконе возможно правдоподобнее живое человеческое лицо.

Ушаковым была написана икона Владимирской богоматери, носящая название «Насаждение древа государства Российского» (1668). Икону эту следовало бы считать картиной триумфа русской государственности. В нижней части её изображены - стена Московского Кремля, за ней Успенский собор, главная святыня Русского государства. У подножия собора князь Иван Калита - собиратель русских земель и митрополит Пётр, первым перенёсший митрополичью кафедру из Владимира в Москву, сажают древо Русского государства. На ветвях его размещены медальоны с портретами всех наиболее значительных политических деятелей Древней Руси. В центральном, самом большом медальоне, представлена икона Владимирской Богоматери, почитавшейся покровительницей Москвы. Внизу, на кремлёвской стене, стоят царь Алексей Михайлович и царица Мария Ильинична с царевичами Алексеем и Фёдором. Портреты царя и царицы Ушаков постарался сделать, возможно, более похожими .

Сохранились сведения о ряде портретов, написанных Ушаковым. Некоторые из них были исполнены в новой для древнерусского искусства технике масляной живописи. К сожалению, до сих пор ни одного из этих портретов обнаружить не удалось. Для характеристики чрезвычайно разносторонней личности Ушакова следует указать, что он не только был теоретиком, живописцем, рисовальщиком - «знаменщиком», автором многих рисунков для гравюр, воспроизводившихся русскими гравёрами второй половины XVII века, но, по-видимому, и сам гравировал: ему приписываются награвированные в 60-х годах на меди сухой иглой листы «Отечество» (Троица) и «Семь смертных грехов».

Ушаков оказал большое влияние на развитие русской живописи в конце X V II века, когда его ученики Григорий Зиновьев, Тихон Филатьев, Федор Зубов выполнили ряд произведений в духе ушаковских традиций. Замечательным явление в истории русского живописного искусства X V II века была школа ярославских мастеров. Здесь ярко проявилось воздействие светской, посадской культуры. Расширился круг сюжетов, светское начало решительно вторгается в церковно-догматическое. Художники смело используют привычные образы русской жизни в сценах священной истории: крестьянская лошадь изображена в сцене пахоты Каина, жницы в розовых и голубых рубахах машут русскими серпами. Церковь яростно сопротивлялась новому направлению в живописи, но это не могло уже воспрепятствовать освобождению ее от церковно-иконописных традиций.

Искусство в X V III

В конце X V II начале X V III века русское искусство переживает решительный перелом происходит переход от средневековых религиозных форм к светским, близким к европейскому искусству нового времени. Русские художники, быстро осваивая европейские образца, внося в них свое понимание формы и национальное содержание. В 1757 году была создана Императорская Академия художеств, которая занялась воспитанием высококвалифицированных художников, соединяющих в своем творчестве опыт и художественное наследие предшествующих поколений с потребностями русской художественной жизни. Широкое распространение в искусстве России получает стиль барокко, ведущим жанром Живописи и графики, становится портрет, значительное развитие получает так же исторический и пейзажный жанры.

Хочется подробнее остановиться на творчестве Дмитрия Григорьевича Левицкого (1735-1822). Уже в ранних работах он показал себя первоклассным мастером парадного портрета, способным найти выразительную позу и жест, сочетать интенсивность цвета с тональным единством и богатством оттенков.

Известность пришла к художнику в 1770 г., когда на выставке в Петербургской Академии художеств публика увидела 6 первоклассных портретов его кисти. Среди них особое внимание привлекал парадный портрет архитектора А. Ф. Кокоринова (1769), автора проекта здания Академии художеств и ее первого директора.

За этот портрет Левицкий был удостоен звания академика живописи. Тогда же ему предложили возглавить портретный класс Академии художеств, руководителем которого он оставался до 1788 г. Созданная художником галерея портретов современников принесла ему заслуженную известность.

В 1780-х годах художник создал уникальную портретную галерею деятелей русской культуры. Особой теплотой отличаются интимные портреты Левицкого, созданные в период расцвета творчества художника (середина 1770-х начало 1780-х). Еще в 1773 году мастер исполнил портрет Д.Дидро, поражавший современников своей жизненной убедительностью, исключительной правдивостью в воссоздании облика философа. Энциклопедист, писатель и критик показан Левицким очень просто: Дидро изображен без парика, лысым, со складками кожи под глазами, но на первый план выступает скрытая за внешними чертами сильная и сложная натура человека. Лицо свидетельствует о творческой одаренности о смелости, силе духа и пытливости ума. Одно из лучших созданий Левицкого портрет молодой М. Дьяковой (1778), поэтичный, жизнерадостный, написанный в богатой гамме теплых тонов.

Реализм и гуманистический характер передового русского искусства X V III века со всей полнотой проявились в творчестве Д.Г Левицкого.

Искусство XIX - начала XX века

В первой половине 19 века на развитие искусства в России оказывали значительное влияние социально-исторические процессы- национально патриотический подъем, связанный с победой над Наполеоном в Отечественной войне 1812 года, и зарождение антимонархического движения, которое вылилось в 1825 году в восстании декабристов. В живописи проявились романтические тенденции (портрет, исторический жанр), а к середине века усиливается демократическая направленность искусства (бытовой жанр). В жанровой системе Академии художеств бытовой картине предавалось третьестепенное значение, однако прогрессивный русский художник Венецианов Алексей Гаврилович.(1780- 1847) утвердил бытовой жанр и вообще реалистическую живопись в качестве равноправной и важной области искусства.

Кисти Венецианова принадлежит портретная галерея его современников: художник писал Н. В. Гоголя (1834), В. П. Кочубея (1830-е), Н. М. Карамзина (1828). На звание академика Венецианову было предложено написать портрет инспектора Воспитательного училища Академии К. И. Головачевского. А. Г. Венецианов изобразил его в окружении трёх мальчиков, символизировавших союз «трех знатнейших художеств»: живописи, скульптуры и архитектуры. Однако наибольшую известность А. Г. Венецианову принесли написанные им образы крестьян. «Жнецы», «Спящий пастушок», «Захарка», «Гумно», «На жатве». Одним из лучших крестьянских портретов Венецианова считается «Девушка с васильками». С проникновенным лиризмом Венецианов затрагивает тончайшие ноты интимного переживания человека, раскрывает его трепетный душевный мир. Это делает созданный им образ одухотворенным и красивым.

Важнейшее место в живописи России середины XIX века занимает художник Карл Павлович Брюллов создавший портреты графини Самойловой, Е.П Салтыковой, О.П Ферзен, К.А Тонна, А.Н Львова, он написал более 80 портретов. Свойственное ему драматическое восприятие жизни нашло воплощение в картине «Последний день Помпеи» (1830-1833).

Распространение демократических идеалов среди русской интеллигенции привело к развитию новых эстетических взглядов. Художники включились в борьбу за справедливые социальные порядки, широкое распространение в живописи получил критический реализм.

Важную роль в художественной жизни страны второй половины 19 века играло созданное в 1870 году Товарищество передвижных художественных выставок.

Товарищество объединяло вокруг себя всех лучших живописцев и скульпторов второй половины XIX - начала XX века. Это Перов и Крамской, Мясоедов и В. Маковский, Савицкий и Максимов, Прянишников и Ге, Саврасов и Шишкин, Куинджи и Дубовской, В. Васнецов и Поленов, Костанди и Пимоненко, Гун и Неврев, Репин и Суриков, Серов и Левитан, Ярошенко и Нестеров, Касаткин и С. Иванов, Позен и Андреев, Попов и Архипов, Бакшеев и Бялыницкий-Бируля и многие другие. На некоторых выставках передвижников в качестве экспонентов участвовали Антокольский, Верещагин, К. Коровин, С. Коровин, Малявин и другие.
В 70-80-е годы деятельность Товарищества достигла наивысшего расцвета. Ведущее место на передвижных выставках принадлежало картинам Репина, а также Сурикова, Крамского, Поленова, Нестерова, Мясоедова, Маковского, Перова. В своем творчестве они отразили самые существенные явления окружающей действительности во всей их сложности и противоречии. Передвижники оказали огромное влияние на все стороны художественной жизни России, на формирование национальных художественных школ. Среди членов Товарищества и экспонентов были художники различных национальностей. Многие из них стали основоположниками реалистического, демократического искусства своих народов.

В начале 70 годов впервые ярко и сильно проявился талант одного из великих живописцев XIX столетия Репина Ильи Ефимовича (1844-1930) . Одной из первых картин Репина, получивших широкое признание, был большой групповой портрет славянских композиторов, выполненный по заказу предпринимателя А. А. Пороховщикова .

В 1872 году за программную работу «Воскрешение дочери Иаира» получил Большую золотую медаль и право на 6-летнее обучение в Италии и Франции, где завершил художественное образование.

С 1873 года Репин путешествует за границей в качестве пенсионера Академии . В Париже он пишет «Парижское кафе» и сказочного «Садко».

Произведение, сразу выдвинувшим Репина в первый ряд русских художников, стала картина «Бурлаки на Волге»(1870-1873), пробуждавшая сострадание к угнетенному рабским трудом народу. По возвращению Репина в 1876 году из Франции начинается период высшего расцвета его творчества. Он выступает как портретист, мастер бытовой и исторической картины. Портрет был не только ведущим жанром, но и основой творчества Репина вообще. Создает галерею образов выдающихся представителей русской общественной мысли науки и культуры. В лучших своих портретах В.В Стасова, Л.Н Толстого, М.П Мусоргского Репин достигает жизненной полноты и многогранности характеристики благодаря удивительной композиционной изобразительности и активности изобразительных средств. Склонность к психологическому драматизму в обрисовке ситуаций сказывается и в исторической живописи Репина: «Иван Грозный и сын его Иван», «Запорожцы пишут письмо турецкому султану».

Ясность и доступность самого изобразительного языка высочайшее реалистическое мастерство, правда характеров, интерес к животрепещущим вопросам современности залог непреходящей ценности искусства Репина Конечно, история русской живописи на этом не заканчивается. Конец 19 начало 20 столетия переломная эпоха во всех сферах социальной, политической и духовной жизни России. Все виды искусства выступали за обновление художественного языка, сложился стиль, затронувший все пластические искусства, получивший название модерн. Большую роль в популяризации отечественного и Западноевропейского искусства играли художники объединения «Мир искусства»(1898-1924), «Союз русских художников» (1903-1923). В начале 20 века в русское искусство проникают новейшие тенденции Запада символизм, примитивизм, различное направление модернистского искусства. Появляются авангардные объединения художников «Голубая роза», «Бубновый валет», «Ослиный хвост», распространяются кубо-футуризм и абстракционизм.

Остановимся на творчестве Малевича Казимира Севериновича (1878-1935). К.С Малевич - российский художник - авангардист , педагог, теоретик искусства, философ, основоположник супрематизма направления в абстрактном искусстве , сочетание окрашенных простейших геометрических фигур (квадрат, круг, треугольник), а также наложенные на плоскость объемные формы.

Малевич увлекался импрессионизмом. Примером могут служить серия картин весеннего сада: «Цветущие яблони», «Весна», «Весна цветущий сад». В творчестве Малевича конца первого десятилетия XX века сосуществуют разные тенденции. Это и импрессионизм, соединяющийся с сезаннизмом ("Река в лесу"), и модерн, проявившийся в эскизах фресковой живописи ("Торжество неба"), и все усиливающиеся экспрессионистические и фовистские элементы. Эти спрессованность, наслоенность друг на друга различных стилей и манер характерны как для новейшего русского искусства, так и для творчества Малевича.

На второй «Последней футуристической выставке картин» 1915 года, названной «0,10 (ноль-десять)» проходившей в Петрограде, Малевич показывает 39 новых картин. Это были беспредметные работы, представленные под названием «Новый живописный реализм». Среди картин был и знаменитый «Черный квадрат». «Черный квадрат», по замыслу Малевича, воплощает идею новой духовности, является своего рода иконой, пластическим символом новой религии. Это и послужило началом супрематизма.

Умер Малевич 15 мая 1935 года. Урна с его прахом была захоронена около дачи в Немчиновке. Место отмечено белым кубом с черным квадратом на нем.

Искусство предреволюционных лет в России отмечено необыкновенной сложностью и противоречивостью художественных исканий, но наряду с экспериментаторами в области абстрактных форм в русском искусстве этого времени продолжали работать и «мирискусники», «голуборозовцы», «союзники». Существовала также мощная струя неоклассицистического течения, примером которого может служить творчество Зинаиды Евгеньевны Серебряковой. Оно восходит своими корнями к высоким национальным традициям русского искусства прежде всего Венецианова - «Крестьяне»(1914), «Жатва»(1915), «Беление холста»(1917)

Развитие искусства в революционную эпоху СССР

Революционная эпоха занимает особое место в истории русского искусства. Тотальные преобразование социально-экономической и политической жизни способствовали выходу на арену художественной жизни самых радикальных направлений искусства. Многочисленные группы и отдельные мастера сделали главным принципом своего творчества эксперимент. Это искусство в последствии получила общее название русский авангард. (Работы П.Н. Филонова, А.М Родченко).

К началу 30-х годов власть установила жесткий контроль над искусством. Годы сталинизма один из самых трагических периодов в истории России и ее искусства. Была нарушена свобода самовыражения художника, сформировался метод социалистического реализма, художники должны были прославлять идею социализма, торжество коллективного сознания. Вместе с тем с началом Великой Отечественной войны художники принимают самое активное участие в борьбе с врагом, проявляя свою гражданскую позицию и патриотизм. К этому периоду относится творчество таких художников, как А.А. Пластов, С.В. Герасимов, А.А. Дейнека. В последние годы войны одна из лучших своих живописных произведений создали Кукрыниксы (союз трех художников М.В Куприянова, П.Н. Крылова, Н.А. Соколова) «Бегство фашистов из Новгорода».

Как реакция неприятия социалистического реализма в начале 1960 годов в живописи складывается «суровый стиль». Художники П.Никонов, Н.Андронов, В.Попков, О.Филатчев, М. Савитский и другие в поисках правды жизни обратились к сдержанной условной форме, отвергнув всякую описательность. Героическое начало в произведениях «сурового стиля» рождается из правдивости в передаче суровых трудовых будней от сюда и название. В. Попков «Строители братской ГЭС». П.Никонов «Наши будни» и др.

Заключение

Изучив указанную литературу, я познакомилась с творческой деятельностью великих русских художников 15-20 веков, и пришла к выводу:

Ушли навсегда в прошлое отжившие формы общественной организации, изменились строй жизни и воззрения людей, но как и несколько сотен лет назад современного человека волнуют дивные творения духовной культуры, созданные давным-давно;

Характерной чертой русских художников, и прежде всего великих мастеров была тесная неразрывная связь их искусства с общественной жизнью, прогрессивной научной мыслью;

Они обогащали традиции отечественного искусства, утверждали его народность и гуманизм, высокие нравственные идеалы;

Русское искусство всегда отличалось своей гражданственностью, патриотизмом.

Считаю, что знать и любить все бесценное, что создали своим талантом выдающиеся мастера России, это не только обязанность, но и долг каждого современного образованного человека.

Благодаря работе над этой темой, я стала ближе к миру искусства.

Список литературы

1. Б.И краснобаев. «Очерки истории русской культуры 18 века» Москва: Просвещение, 1987.

2. А.В. Муравьев, А.М. сахаров. «очерки истории русской культуры 9-17 вв.» Москва: Просвещение, 1984

3. В.Н Александров. «История русского искусства » Минск: Харвест, 2007.

А также другие работы, которые могут Вас заинтересовать
75768.		Номенклатура опасностей. Идентификация опасностей	16.99 KB
	Номенклатура опасностей. Идентификация опасностей. В процессе идентификации выявляются номенклатура опасностей. Главное в идентификации заключается в установлении возможных причин проявления опасностей.
75769.		ДИАГНОСТИКА РЕЗУЛЬТАТОВ ОСВОЕНИЯ МЛАДШИМИ ШКОЛЬНИКАМИ СОДЕРЖАТЕЛЬНОЙ ЛИНИИ «ЧЕЛОВЕК-ОБЩЕСТВО»	179 KB
	Система диагностики результатов освоения младшими школьниками образовательной области Окружающий мир. Оценивание как основой метод диагностики результатов освоения содержательных линий. Оценивание метапредметных результатов освоения содержательных линий образования.
75770.		Методы теории вероятностей в анализе безопасности и надежности летательных аппаратов	1.04 MB
	Теория вероятностей возникла в середине 17 в. То, что случайные явления представляют собой не исключение, а правило в реальном мире, было замечено еще в древности. Об этом словами Лукреция Кара прекрасно говорит Альфред Реньи.
75771.		НОРМАТИВНО-ПРАВОВОЕ РЕГУЛИРОВАНИЕ АВТОРСКОГО ПРАВА НА ИНТЕРНЕТ-САЙТ	198 KB
	Цели и задачи работы. Целью данной работы является формирование целостного представления о сети Интернет как о явлении, имеющем правовое значение, выявление основополагающих моментов в регулировании ее деятельности. Достижение этой цели зависит от решения следующих задач...
75774.		Синтез алгоритмов системы ручного и автоматического управления транспортного самолёта ИЛ-76	7.84 MB
	Аэродинамические характеристики определяющие устойчивость и управляемость самолёта Ил76 на типовых режимах полёта; Анализ продольных и боковых АДХ для транспортного самолёта Ил76 определение положения аэродинамического фокуса...
75775.		Понятие и виды следственных действий	138.5 KB
	Кроме того на судебных стадиях они имеют свою специфику в них не предусмотрено участие понятых инициатором проведения является суд отличаются формальными основаниями проведения в них отсутствуют обыск и иные следственные действия эффективность которых определяется внезапностью и т.
75776.		Расчет трансформатора ТМВМ-160/10	204.48 KB
	В данной работе был проведён расчёт силового трёхфазного двухобмоточного масляного трансформатора. Была проведена проверка основных размеров и параметров силового трансформатора расчетным путем. При этом были выявлены незначительные расхождения в основных параметрах.

История русской живописи начинается с Киевской Руси. Правда, как и многие другие явления, живопись не стала исконно русским достижением. Появление живописи на Руси связано с именем князя Владимира и Византией. Вместе с христианством, русский князь привез в Россию и традиции живописи. Первые произведения изобразительного искусства были связаны с храмами. Это традиционные , которыми украшали стены церквей.

Расцвет русской живописи приходится на 15 век. Это именно то время, когда появляется . Этот вид творчества неразрывно связан с наследием России и имена многих самобытных мастеров. Многие творцы так и остались неизвестными, но имя великого иконописца Андрея Рублева на многие века стало эталоном в технике написания икон.

Первые реалистические полотна появляются в России в семнадцатом веке. Русские художники, также как и живописцы Европы, начинают обращаться к определенным жанрам - , . В этом сыграла роль деятельность Петра I , который открыл «окно в Европу» и сделал европейские традиции доступными и в России.

Петр Первый

История русского народа полна героических и ярких общественных событий. Русская душа отличалась особой чувствительностью, восприимчивостью, фантазией. Поэтому в российской живописи наблюдает многообразие тем, сюжетов, образов. Русские художники были прогрессивными людьми, и в их произведениях можно найти отражение всех перемен, происходящих в обществе.

Русские живописцы достигли выдающихся результатов в изображении человека и его внутреннего состояния. На полотнах очень часто встречаются сюжеты из жизни простых людей, их страдания, надежды и чаяния. Русская природа во всем ее великолепии также являлась темой вдохновения русских художников. Притом если сначала пейзажи представляли собой просто изображение природных красот, то в дальнейшем через природу художники научились передавать свои чувства.

Марк Шагал

В начале 20 века в русскую живопись пришел модернизм. Здесь Россия также ни в чем не уступила другим странам, подарив миру яркие произведения художников авангардистов - Василия Кандинского, Марка Шагала, Казимира Малевича.

Сложно перечислить всех выдающихся русских художников, но самые известные имена это И. Шишкин, В. Саврасов, И. Репин, В. Суриков, К. Брюллов и многие другие. Они являются гордостью русской живописи, их произведения получили мировое признание.

Во второй половине ХVIII века в русском искусстве формируется стиль классицизм, для которого характерны строгость рисунка, следование в композиции определенным правилам, условность колорита, использование сюжетов из Библии, античной истории и мифологии. Своеобразие русского классицизма заключалось в том, что его мастера обращались не только к античности, но и к родной истории, что они стремились к простоте, естественности и человечности. Классицизм как направление в русской художественной культуре безраздельно утвердился в конце XVIII - начале XIX веков. Этот период расцвета классицизма в русской истории живописи обыкновенно именуют высоким классицизмом. Характерным для живописцев этого времени было романтическое утверждение красоты неповторимого, индивидуального, необычного, однако наивысшим достижением этой эпохи изобразительного искусства в России можно считать не историческую живопись, а портрет (А. Аргунов, А. Антропов, Ф. Рокотов, Д. Левицкий, В. Боровиковский, О. Кипренский).

О.А.Кипренский (1782-1836) открыл не только новые качества человека, но и новые возможности живописи. Каждый его портрет имеет свой особый живописный строй. Одни построены на резком контрасте света и тени. В других главным живописным средством оказывается тонкая градация близких друг другу цветов. Для полотен К.П.Брюллова (1799-1852) характерны сплав академического классицизма с романтизмом, новизна сюжетов, театральная эффектность пластики и освещения, сложность композиции, блестящая виртуозность кисти. Широкой известностью пользовалась картина "Последний день Помпеи" (1830-1833). Возвышенная красота человека и неизбежность его гибели отражены в картине в трагическом противоречии. Романтический характер присущ и большинству портретов Брюллова. Крупнейшим мастером исторической картины был А.А. Иванов, придал своей живописи характер жертвенного служения идее и сумел преодолеть многие шаблоны, свойственные академической технике.

В своих произведениях он предвосхитил многие искания русской реалистической живописи следующих десятилетий.

Осознанный поворот новой русской живописи к демократическому реализму обозначился в конце 50-х годов, вместе с революционным просветительством Чернышевского, Добролюбова, Салтыкова-Щедрина. 9 ноября 1863 года 14 выпускников Академии художеств во главе с И. Крамским отказались писать дипломную картину на предложенный сюжет "Пир в Валгалле" и просили предоставить им самим выбор сюжетов. Им было отказано, и они демонстративно вышли из Академии, образовав независимую Артель художников. Второе событие - создание в 1870 году "Товарищества передвижных выставок", душою которого стал тот же И.Крамской. Передвижники были едины в своем неприятии "академизма" его мифологией, декоративными пейзажами и напыщенной театральностью. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые (бытовые) сцены. Особой симпатией "передвижников" пользовалось крестьянство. В ту пору - в 60-70-е гг. XIX в. - идейная сторона искусства ценилась выше, чем эстетическая. Пожалуй, самую большую дань идейности отдал В. Г. Перов (1834-1882). Свидетельство этому - такие его картины, как "Приезд станового на следствие", "Чаепитие в Мытищах", "Тройка", "Старики-родители на могиле сына". Кисти Перова принадлежит ряд портретов его знаменитых современников (Тургенева, Достоевского). В творчестве Крамского главное место занимала портретная живопись. Он писал Гончарова, Салтыкова-Щедрина. Ему принадлежит один из лучших портретов Льва Толстого. Пристальный взгляд писателя не оставляет зрителя, с какой бы точки он ни смотрел на полотно.

Одно из наиболее сильных произведений Крамского - картина "Христос в пустыне".

Но нельзя сказать, чтобы Академия художеств не выдвигала талантов. Лучшие традиции академизма нашли развитие в грандиозных исторических полотнах Г. Семирадского, работах рано умершего В. Смирнова, ("Смерть Нерона"), великолепных полотнах мариниста, представителя романтизма Ивана Айвазовского. Собственно из стен Академии вышли многие выдающиеся художники. Это и Репин, и Суриков, и Поленов, и Васнецов, а позже - Серов и Врубель.

"Передвижники" совершили подлинные открытия в пейзажной живописи. А. К. Саврасов сумел показать красоту и тонкий лиризм простого русского пейзажа. Его картина "Грачи прилетели" (1871) заставила многих современников по-новому взглянуть на родную природу. Певцом русского леса, эпической широты русской природы стал И. И. Шишкин (1832-1898). А. И. Куинджи (1841-1910) привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны в редких облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей дороге, - эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его полотнах.

Своей вершины русская пейзажная живопись XIX века достигла в творчестве ученика Саврасова

И. И. Левитана (1860-1900). Левитан - мастер спокойных, тихих пейзажей Человек стеснительный и ранимый, он умел отдыхать только наедине с природой, проникаясь настроением полюбившегося пейзажа.

Заштатный городок Плес на верхней Волге прочно вошел в творчество Левитана. В этих краях он создал свои полотна: "После дождя", "Хмурый день".

Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: "Вечер на Волге", "Вечер. Золотой плес", "Вечерний звон", "Тихая обитель".

На вторую половину XIX в. приходится творческий расцвет И. Е. Репина, В. И. Сурикова и В. А. Серова.

И. Е. Репин (1844-1930) был очень разносторонним художником. Его кисти принадлежит ряд монументальных жанровых полотен. Пожалуй, не менее грандиозно, чем "Бурлаки на Волге", - полотно "Крестный ход в Курской губернии". Яркое голубое небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов и облачений, полиция, простой народ и калеки - все уместилось на этом полотне: и величие, и сила, и немощь, и боль России. Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика ("Отказ от исповеди", "Не ждали", "Арест пропагандиста"). Ряд репинских полотен написан на исторические темы ("Иван Грозный и его сын Иван", "Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану" и др.). Репин создал целую галерею портретов. Он написал портреты - ученых (Пирогова и Сеченова), - писателей Толстого, Тургенева и Гаршина, - композиторов Глинки и Мусоргского, - художников Крамского и Сурикова. В начале XX в. он получил заказ на картину "Торжественное заседание Государственного совета". Художнику удалось не только композиционно разместить на полотне такое большое число присутствующих, но и дать психологическую характеристику многим их них.

В. И. Суриков (1848-1916) родился в Красноярске, в казачьей семье. Расцвет его творчества приходится на 80-е гг., когда он создал три самые знаменитые свои исторические картины: "Утро стрелецкой казни", "Меншиков в Березове" и "Боярыня Морозова". Суриков хорошо знал быт и нравы прошлых эпох, умел давать яркие психологические характеристики. Кроме того, он был прекрасным колористом. Достаточно вспомнить ослепительно свежий, искрящийся снег в картине "Боярыня Морозова". Если же подойти к полотну поближе, снег как бы "рассыпается" на синие, голубые, розовые мазки. Этот живописный прием, когда два три разных мазка на расстоянии сливаются и дают нужный цвет, широко использовали французские импрессионисты.

В. А. Серов (1865-1911), сын композитора, писал пейзажи, полотна на исторические темы, работал как театральный художник. Но славу ему принесли, прежде всего, портреты. В 1887 г. 22-летний Серов отдыхал в Абрамцеве, подмосковной даче мецената С. И. Мамонтова. Однажды после обеда в столовой случайно задержались двое - Серов и 12-летняя Вера Мамонтова. Они сидели за столом, на котором остались персики, и за разговором девочка не заметила, как художник начал набрасывать ее портрет. Работа растянулась на месяц. В начале сентября "Девочка с персиками" была закончена. Несмотря на небольшой размер, картина, написанная в розово золотистых тонах, казалась очень "просторной". В ней было много света и воздуха. Девочка, присевшая за стол как бы на минуту и остановившая свой взор на зрителе, зачаровывала ясностью и одухотворенностью.

Да и все полотно было овеяно чисто детским восприятием повседневности, когда счастье себя не сознает, а впереди - целая жизнь. Время поставило "Девочку с персиками" в ряд лучших портретных работ в русской и мировой живописи.

Обращение к национальным темам привело к небывалому расцвету исторической и батальной живописи. Подлинные шедевры в этих жанрах создали В. Суриков, И. Репин, Н. Ге, В. Васнецов, В. Верещагин, Ф. Рубо. В эти годы открываются первые национальные художественные галереи; произведения русских художников начинают регулярно появляться на международных выставках и в заграничных художественных салонах. Многие картины Репина, Сурикова, Левитана, Серова и других передвижников попали в собрание Третьякова. П. М. Третьяков (1832-1898), представитель старинного московского купеческого рода, был необычным человеком. Худой и высокий, с окладистой бородой и тихим голосом, он больше походил на святого, чем на купца. Собирать картины русских художников начал с 1856 г. Увлечение переросло в главное дело жизни. В начале 90-х гг. собрание достигло уровня музея, поглотив почти все состояние собирателя. Позднее оно перешло в собственность Москвы. Третьяковская галерея стала всемирно известным музеем русской живописи, графики и скульптуры. В 1898 г. в Петербурге, в Михайловском дворце (творение К. Росси) был открыт Русский музей. В него поступили произведения русских художников из Эрмитажа, Академии художеств и некоторых императорских дворцов. Открытие этих двух музеев как бы увенчало достижения русской живописи XIX века. В конце 1890-х годов еще плодотворно работали ведущие мастера критического реализма - И. Е. Репин,

В. И. Суриков, В. М. Васнецов, В. Е. Маковский, но в это время в искусстве проявилась и иная тенденция. Многие художники стремились отыскать теперь в жизни прежде всего ее поэтические стороны, поэтому даже в жанровые картины они включали пейзаж. Часто обращались и к древнерусской истории. Эти веяния в искусстве отчетливо прослеживаются в творчестве таких художников, как А. П. Рябушкин и М. В. Нестеров.

Крупный художник этого времени - Б. М. Кустодиев (1878-1927) изображает ярмарки с разноцветными ложками и грудами пестрых товаров, русские масленицы с ездой на тройках, сцены из купеческой жизни.

В раннем творчестве М. В. Нестерова наиболее полно раскрылись лирические стороны его дарования. В его картинах всегда большую роль играл пейзаж: художник стремился найти отрадное в тишине вечно прекрасной природы. Он любил изображать тонкоствольные березки, хрупкие стебельки трав и луговых цветов. Его герои - худенькие отроки, обитатели монастырей, или добрые старички, находящие мир и покой в природе. Глубоким сочувствием овеяны картины, посвященные судьбе русской женщины ("На горах", 1896, "Великий постриг", 1897-1898).

Символизм, неоклассицизм, модерн оказывает заметное влияние на М.А. Врубеля, художников из "Мира искусства" (А. Бенуа, К. А. Сомов, Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева.) и "Голубой розы" (С. Судейкин, Н. Крымов, В. Борисов-Мусатов). Деятельность этих групп была очень разносторонней, художники издавали свой журнал "Мир искусства", устраивали интересные художественные выставки с участием многих выдающихся мастеров.

В 1910-е гг. зарождается русский авангард - как стремление перестроить основы искусства вплоть до отрицания самого искусства. Целый ряд художников и творческих объединений создают новые школы и направления, которые определяющим образом повлияли на развитие мирового изобразительного искусства - супрематизм (К. Малевич), "импровизационный" стиль и абстракционизм (В. Кандинский), лучизм (Ларионов) и др. Всем течениям авангардистского искусства свойственна подмена духовного содержания прагматизмом, эмоциональности - трезвым расчетом, художественной образности - простой гармонизацией, эстетикой форм, композиции - конструкцией, больших идей - утилитарностью. Новое искусство покоряет безудержной свободой, увлекает и захватывает, но одновременно свидетельствует о деградации, разрушении целостности содержания и формы. Присущая некоторым течениям авангардного искусства атмосфера иронии, игры, карнавальности, маскарада не столько маскирует, сколько раскрывает глубокий внутренний разлад в душе художника. В понятие "авангард" условно объединяются самые разные течения искусства ХХ в. (конструктивизм, кубизм, орфизм, оп-арт, поп-арт, пуризм, сюрреализм, фовизм). Основные представители этого течения в России - В. Малевич, В. Кандинский, М. Ларионов, М. Матюшин,Якулов, А. Экстер, Б. Эндер и лругие.

В 1910-е гг. также наблюдается возрождение интереса к иконописи. Художественные принципы иконописи творчески применяли как отдельные русские (В. Васнецов, М. Нестеров, К.С. Петров-Водкин) и зарубежные (А. Матисс) художники,так и целые направления и школыаван гарда.

С конца 20-х годов в России утверждается принцип социалистического реализма. Идейность становится главной определяющей силой в художественном творчестве. Несмотря на сильное влияние идеологии создавались настоящие произведения искусства мирового уровня. Творчество пейзажистов С.В.Герасимова, В.Н. Бакшеева, А.А. Пластова, творчество П.Д. Корина, А.Н. Остроумомой-Лебедевой, И. Глазунова, К. Васильева, А. Шилова, А. Исачева - убедительное тому доказательство. С 1960-х гг. наступает возрождение русского авангарда. "Разрешенная", но не официзная часть советского искусства в 1960-е гг. представлена работами мастеров "сурового стиля" (Т. Салахов, С. Попков). В 1970-1980-е гг. получило признание творчество советских художников - Р. Бичунаса, Р. Тордия, Д. Жилинского, А. Зверева, Э. Штейнберга, М. Ромадина, М. Лейса, В. Калинина и др., представителей не только "официально разрешенного искусства". Русский постмодернизм 90-х ХХ века - пример творчества группы "СВОИ" (Гипер-Пуппер- Кузнецов В., Вещев П., Дудник Д., Котлин М., Макса-Максютина, Менус А., Носова С., Подобед А., Ткачев М.). Сам факт объединения разноплановых художников в единый живой организм, не ограниченный концептуальными или стилевыми рамками, наиболее точно соответствует основному принципу постмодернизма о параллелизме и равнозначности художественных тенденций.

искусство классицизм живопись